Hola Alfredo, tu proyecto Lainus surgió cuando vivías en Nueva Zelanda y viniste a Chile a presentarlo al público local, sin embargo hoy ya no vienes de visita sino que te has asentado en Santiago y estás preparando el lanzamiento de tu segundo LP. ¿Cómo ha sido el proceso de creación musical en condiciones tan nómades y entre medio de importantes cambios en tu vida? ¿Qué huellas hay en Patio de estos giros y decisiones que has tomado en tu vida personal?

Mi vida ha sido así, bastante gitana. Estos últimos 4 años estuve viviendo en Nueva Zelanda, y estando allá decidí viajar a Chile por unos meses y entre otras cosas editar Hipotálamo.
A mi vuelta a NZ empecé con el proceso compositivo de Patio que fue hecho en un período de bastantes cambios, de un quiebre emocional heavy y a la vez con muchas cosas nuevas que se me venían. En algún minuto pensé en cantar en inglés, pero no funcionó, lo que tenía que decir había que decirlo en mi lengua
Asi que definitivamente Patio es una foto de ese instante.

Una de las grandes diferencias entre Hipotálamo y Patio es el uso de la voz. En esta oportunidad has decidido interpretar tú mismo la letra de las canciones y, además, en términos de estructura, pareces mucho más cercano al esquema del tema pop estrofa/coro con melodías muy cercanas y hasta pegajosas. ¿Por qué te planteaste este cambio en el perfil de Lainus?

Con el disco Hipotálamo nunca planee nada, me senté al frente del computador haber que salía, y en Patio fue un poco de lo mismo, pero en vez de una búsqueda de una atmósfera fui en búsqueda de una canción, y en vez de secuencias y programar cosas, fuI a tomar mi guitarra.

Después sólo fue grabar y grabar en una pequeña Tascam de un amigo, y de ahí la idea era ir plasmando lo mejorcito al computer, desde ideas muy básicas hasta improvisaciones con amigos músicos de NZ y así se armo. Pero sí, siempre busque el factor coro en todas las canciones. Jamás me imaginé estas canciones cantadas por alguien más, en Hipotálamo las letras eran mas etéreas y abstractas, en Patio son totalmente autoreferentes.

Tu música parece cálida, colorida y muy amigable, lo cual es producto de las melodías dulces, el ritmo pausado y de los sonidos que utilizas. ¿Cómo te planteaste hacer el cruce entre música electrónica y pop? ¿Qué tipo de relación tienes con la música hecha en el notebook y los matices orgánicos que incluyes en las canciones?. Te lo pregunto pues tu proyecto homónimo, Alfredo Ibarra, es netamente electrónico mientras que Lainus se aleja algo de esa visión.

Si hubiera empezado a mezclar el disco con las grabaciones que tenia de un comienzo, (hablo de la guitarra y voz), habría terminado con un disco folk , quise alejarme totalmente de eso. Una vez que me puse a componer para el disco Patio, empecé en paralelo a armarme una especie de biblioteca de sonidos, desde bajos, hasta pequeños samplers de ruidos, y fui armando capas y capas de sonidos y comencé a utilizarlas en las grabaciones que ya tenia, y así la guitarra fue pasando a segundo plano en algunas canciones. En otras no funcionó y opté por dejar la guitarra como instrumento principal con algún ruido ambiente incidental u otro efecto.

Y de esa biblioteca de sonidos que tenía fui armando en paralelo algo más dance y experimental, que salió bajo mi nombre por el sello Pueblo Nuevo… se llama Cuando las cosas Saltan

En Lainus, tanto en el primer como en el segundo disco, se puede percibir un dejo de nostalgia en los sonidos. Una intimidad que hace de cada canción una experiencia muy personal, pero siempre un poco triste. ¿Por qué?

Triste? … jajaja, quizás, no sé.
Lo que si tienen un cierto grado de nostalgia, de que quizás hubieron tiempos mejores, de una ”infancia eterna” como canto en Estancia, pero creo que detrás siempre hay como un push hacia algo mejor, como te decía antes, tiene mucho que ver en el período que uno esta. Ahora por ejemplo ya tengo como 15 canciones para empezar a armar un tercer disco y el enfoque es totalmente distinto, mucho mas arriba.

Finalmente, ¿qué planes tienes para el futuro? ¿Piensas trabajar otros proyectos paralelos? ¿Cuándo podremos tener acceso a tu nuevo LP de forma íntegra?

Por el minuto me muero por tocar en vivo, así que estoy ensayando junto a Ignacio Cuevas que tiene un proyecto de música electro llamado Gracq, que esta buenísimo. Y en paralelo haciendo música para documentales e instalaciones de todo tipo.

Patio, no sé aún, me encanta todo lo que tiene que ver Internet y la música, pero también quiero editarlo en formato “real”, me gusta tener el disco y hojear el arte, tiene que ver con todo el concepto que hay detrás. Así que en eso estoy, conversando con algunos sellos de acá, sino, autoedición e independencia.

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Diego, tu interés por la música comenzó desde muy pequeño. ¿Podrías contarnos como fue ese proceso y cuándo decides comenzar a componer tus propias canciones?

Siempre existió una gran cantidad de discos en mi casa, en donde trate de absorber todo ese material musical desde bien chico. Aprendí a tocar a los 6 o 7 años, en ese momento, ingrese a estudiar guitarra clásica en un lugar donde estaba toda la música no me interesaba y faltaba toda la que me atraía, luego me di cuenta que se transformo en una virtud y una base fundamental para tocar como lo hago ahora. Lo recuerdo como una época de permanente búsqueda, crecimiento y evolución. Lo primero que llego fue The Beatles y de ahí las ganas de componer y hacer todo. Finalmente después de varias bandas decidí tomar el proyecto con mi nombre y de juntar un puñado de canciones y agruparlas en un concepto personal.

Formaste parte de una banda, pero desde Canciones para escuchar a mediodía (2005 EP) has comenzado a trabajar en solitario, sacando tres discos en ese formato. ¿Te acomoda trabajar solo por tu cuenta? ¿Qué es lo bueno y lo malo de ser solista en el medio musical chileno?

Mi primer álbum es: ‘’De Lo Humano Sin Corazón’’ (2008). Pero antes de eso existen dos trabajos que no considero dentro de mi discografia oficial, fueron discos hechos para que se desarrollaran en vivo con una banda y no en su formato individual. Me parecía interesante conducir al proyecto en su secuencia inicial, como realmente nacen las canciones, crudas y desnudas. Trabajar con los elementos de la manera mas recudida posible en un lugar donde se tiene el control total de la situación, mayor libertad y no existen grandes filtros. Por ende la propuesta es mucho más honesta y cercana. Es un trabajo de hormiga, pero se hacen las cosas bien.

La guitarra tiene un alto protagonismo en tu música, pero también hay presencia de piano, teclados, percusión y otros delicados arreglos que hacen de Nadar un disco pop extremadamente sofisticado. ¿Cómo elaboras todos esos detalles? Cuéntannos del proceso de armar el disco…

En ‘Nadar’ (2009) tome riesgos, el 70% del disco fue compuesto en piano, instrumento que aprendí a tocarlo en el proceso de composición. Me demore un año en lanzarlo y es un álbum que se acerca mucho a como lo tenia en la cabeza. Lo grabe en mi casa, de la forma más natural posible, sin horarios específicos de grabación. Siempre digo que es un disco muy parecido a un Soundtrack, además de su directa relación con el cine, las canciones entregan un lenguaje parecido a guión cinematografico. Tiene citas a Charlie Kaufman y Jon Brion. Es el disco que siempre quise hacer y habla de la soledad desde su lado mas necesario para el crecimiento y la búsqueda personal, habla de viajes y carreteras, de perderse y luego encontrarse.

Tus melodías son nostálgicas, dan la sensación de que las compones en momentos de mucha intimidad, quizás solo en tu habitación. ¿Qué nivel de cercanía tienes entre tu vida personal y las letras que entonas en las canciones? ¿El tono tranquilo

Hay algunos textos bien personales, otros no. Me gusta elaborar en cada disco una construcción meticulosa en que todas las canciones tengan relación con la obra. Una vez me dijeron que mis textos eran postales o imagines en movimiento, estuve muy de acuerdo con eso, se construyen en base situaciones o momentos específicos mi vida

Finalmente Diego, ¿Qué podemos esperar para el futuro? ¿Qué proyectos tienes en mente en este minuto?

Estoy trabajando en un nuevo disco que se diferencia mucho a todo lo que he hecho y sonoramente funciona desde un lugar que nunca había explorado. Es bien luminoso, romántico y la vitalidad que te produce esa sensación, del amor y el efecto de sentirlo en plenitud. Tiene una gran cantidad de maquinas, siendo la guitarra acústica el único instrumento real. Va a sonar como los primeros discos de Cerati o los discos noventeros de Melero.
Pienso volver nuevamente a Buenos Aires, ya que hay harta gente que sigue el rastro desde mi visita en octubre del año pasado. Quiero tocar en muchas ciudades, localidades en donde a llegado mi música y no he podido visitar. Espero tener noticias del nuevo disco de aquí a mediados de este año, tenerlo en mi mano y publicarlo como en la vieja escuela y decir en algún momento en el futuro que saque discos como se hacían antes.

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Manuela, para comenzar por el principio, ¿Cómo comenzó tu afición por el teatro?

Creo que en algún momento tuve un impulso, que me seguía desde chica, de probar que yo también podía construir algo parecido a la realidad, como si uno le hablara al creador del mundo y le dijera “yo también lo puedo hacer”. Lo que me gusta de todo esto es que a la larga se descubre que el mundo es también construido por nosotros mismos como si fuera una ficción, por eso quizás a mi me preocupa que hayan conexiones directas con la realidad en el teatro, así es mi búsqueda… comenzamos a probar estas metodologías de improvisación en el diálogo, en las situaciones. La idea fue que las obras terminasen siendo lo más parecidas al referente, ese era el primer impulso pero al final uno no quiere una reproducción pasiva del mundo sino descubrir y vivenciar los mecanismos a través de los cuales se construye lo real… ahí todo se convierte en un rollo más intelectual.

Cuando hablas en primera persona plural te refieres a tu compañía… En teatro se suele trabajar mucho de manera colectiva, por ello te pregunto respecto a estos cuestionamientos… ¿Cómo surgen y cómo se trabajan de forma grupal?

Bueno es una alternancia entre una cosa autoral y un trabajo colectivo. Generalmente las ideas surgen cuando uno está solo, reflexiones más personales, pero también es importante que se enriquezca del grupo, ahí toman forma los impulsos iniciales.

¿Es difícil ese proceso? ¿Cuándo estás creando con un grupo de gente, pero finalmente tú debes decidir como directora el resultado final?

Hay un punto en que las decisiones debe tomarlas alguien, y es un punto que se repite constantemente en el proceso, no es una vez que uno toma una decisión y ya, es un conjunto de cosas que deben ser resueltas por la figura del director todo el tiempo. Yo tomo muchas decisiones solas, y de hecho hay muchas cosas que a los actores y a la gente con la que trabajo no les digo, y que están pasando, eso es parte también de los resultados que quiero obtener.

¿Entonces los modos de producir lo real también los aplicas en los procesos de creación, con tus actores?

Si, me valgo del juego de lo real y también permito que ello ocurra, porque hay cosas que pueden ocurrir tal como en la realidad… si yo me paro en el escenario y te pego un combo te va a doler igual que si te lo pegara en otro contexto, entonces también hay un punto que a pesar de la autoría hay que dejar que cosas ocurran.

Con respecto a eso, ¿Por qué crees tú que en todas tus obras surge lo real como un problema? Me refiero a que con lo que hemos dicho podríamos concluir que cualquier obra de teatro tiene esta tensión entre lo real y la representación, sin embargo en tus obras se vuelve un problema particular, quizás la médula de la puesta en escena.

Yo creo que precisamente el trabajo fue planteado así, muy rápidamente nos dimos cuenta con la compañía que la relación entre lo real y la representación no es lineal sino confusa, y nuestra idea es ver de qué manera podemos resolver esa relación con soluciones no lineales, resolviendo preguntas como hasta qué punto lo que hacemos en el escenario produce lo otro (lo real)? Hasta que punto se anulan? Qué mecanismos comparten? Yo creo que la pregunta por la realidad, por el hombre, por cristo y por todas estas cosas no son cuestionamientos ontológicos, que quieran decirnos qué es lo que son esencialmente estos conceptos, lo que nosotros levantamos es una pregunta epistemológica, es solo respecto a cómo conocemos las cosas. En el fondo no queremos decir “la realidad es esto” sino ir evidenciando cómo ocurre, es más un trabajo fenomenológico.

Tú has levantado dudas respecto a cuestiones tradicionalmente verdaderas como las ciencias, la religión o el hombre y planteas la mediación como la forma en que estas verdades esenciales se muestran en su calidad de productos, articulaciones o incluso caprichos intelectuales. ¿Podrías profundizar un poco en eso?

A ver… yo me pregunto si existe la mediatez realmente o es un invento conceptual nostálgico de nuestro mundo hipermediado… hasta qué punto el origen, o la experiencia directa de la realidad, o el cuerpo como algo natural no es sino una producción en retrospectiva de la necesidad de origen, propio de una cultura cansada de la mediación. Yo soy de las personas que creen que el mundo va a ser siempre mediado, que nunca va a ser inmediato, y no encuentro que haya tragedia en eso. Siempre conocemos desde el observador que somos, y eso es la primera y más grande mediación.

Es desde ahí que, entendiendo las estructuras reales como fenómenos, en tus obras da la sensación que pueden ser reproducidos, rearticulados, reformados. ¿Por eso los personajes siempre tienen la libertad de moverse dentro del texto, del mecanismo, reformular lo que están experimentando, las situaciones que viven en escena? ¿Se plantean reglas para trabajar uds. en el proceso de la creación?

Si, creo que es lo que uno hace, explícita o implícitamente, ya sea por necesidad o por antojo. Ahora acabo de estrenar una obra en donde todo es narrado y hablado, nada ocurre, y surge casi como una obstrucción que yo les pongo al elenco. Creo que de hecho en esta oportunidad (“Ernesto”) nos hemos pasado con poner límites, jajaja, siempre atentando contra el teatro, poniendo reglas para que algo no resulte y surjan otras cosas… jajaja. Yo creo que uno siempre hace eso para que ocurra algo, y lo interesante es que en el acontecer esas reglas te van devolviendo u otorgando un sentido, a partir de la arbitrariedad de las reglas… quizás las reglas producen su propio sentido.

Por lo que he visto en tu teatro tampoco se trata de destruir el sentido, sino más bien dotarlo de su ambigüedad… las relaciones en tus obras están en tensión, entre la violencia y la debilidad, el deseo y la voluntad…

Es que es lo que decíamos, es la manera en que nos paramos en el mundo, creo que si hay alguna responsabilidad que tenemos como sujeto es permitir, evidenciar y dejar que ocurra la ambigüedad… si hay algo que le pertenece a nuestra época es la ambigüedad, en todos sus matices.

Pero es curioso, porque precisamente en una época como ésta, tan “asumida”, en donde tus obras han causado tal impacto…

Si, pero es que hay una ambigüedad profunda y otra superficial. La ambigüedad profunda tiene que ver con aceptar profundamente la diferencia y la contradicción como los mecanismos vitales que son, y otra volá es la moda (lo digo en el término moderno), de querer estar siempre cambiando sin aceptar profundamente que la diferencia es parte también de la matriz. Primero estuvo la diferencia y después todo lo demás, siguiendo a mi amigo Derrida.

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Beach House – Teen Dream

El nuevo disco de los Beach House es tal cual lo anuncia su título: un sueño adolescente. Convengamos en que Beach House supo nacer en el momento preciso, que es una banda ideal para los tiempos que estamos viviendo. Hijos privilegiados de Pitchfork, con la ondita setentera a flor de piel, con toda la ensoñación de un adolescente, con olor a playa y a campo, pintaditos para la foto polaroid, siempre bien vestidos y sonrientes. Teen Dream es la continuación del tan alabado Devotion, pero si Devotion era un disco muy etéreo y nostálgico, Teen Dream ha puesto los pies un poquito más en la tierra, y eso se nota. Si Devotion era indudablemente otoñal, Teen Dream es primavera pura.

La canción elegida para abrir el disco es Zebra, que nos introduce de lleno en la onda somnolienta y de feliz languidez, de esas languideces que te dan cuando estás tumbado en la playa contemplando la forma de las nubes, si saben a lo que me refiero. Zebra, a mi parecer, lo explica todo: la potencia de una voz encantadora que está cayendo del cielo, suaves guitarreos y conmovedoras armonías, todo con ese sonido que parece sacado de un cassette polvoriento.

No hay que ser un genio para afirmar que uno de los grandes aciertos de Beach House es la voz de Victoria Legrand, un imán que te atrae y no te suelta, que te obliga a atravesar hasta el final el camino de estas diez canciones. Un camino soleado, donde hasta la tristeza puede brillar, y donde esta vez estamos obligados a caminar un poco más deprisa.
Las canciones de este disco están bien pensadas, bien combinadas y muy bien hechas. Funcionan por separado pero en conjunto arman una atmósfera de ensueño.

Real Love hace recordar a Cat Power en Myra Lee, por el dulce forcejeo de la voz y su preponderancia por sobre el piano y uno que otro sonido ambiental.
En tanto Lover of mine y Norway incorporan algunos sintetizadores que junto a la batería electrónica y a la voz siempre rasposa y angelical de Victoria componen canciones llenas de optimismo y contagiante energía.
No hay más que decir, solo queda escuchar Teen Dream de principio a fin y dejarse llevar. El disco sale oficialmente editado por el sello Subpop el 26 de enero de 2010.

Lady GaGa – The Fame Monster

Hace 1 año nadie conocía a Lady GaGa. Al irrumpir en la escena musical con su primer disco “The Fame” algunos la amaron, otros la odiaron y los menos la obviaron. En este se presentaba como una señorita de gracioso nombre, con canciones listas para la pista de baile, ganas de pasarla bien y beats y synthes que afirmaban su premisa warholiana “Pop music will never be low-brow”, pero sus verdaderas ambiciones iban mucho más alla de su presupuesto. Su extravagante personalidad, feroces decisiones estilísticas, sus manierismos fuera del escenario y, sobre todo, buenas canciones la llevaron a la cumbre de los charts mundiales.

Con “The Fame Monster” Lady GaGa perfecciona su estilo, encausa su concepto y se permite tiempo para experimentar desde sus propias nostalgias, pero mejor no encasillarla, mejor darle el beneficio de la duda, pues su determinación ha hecho de si misma una estrella que, para bien o para mal, esta o ha pasado por la boca de todos. Los números la respaldan, el presupuesto no es un problema, las entradas a sus shows se agotan, el mundo la esta mirando y ella esta agradecida y al mando.

Las 8 canciones que componen este disco originalmente solo formarían parte de una reedición de “The Fame”, pero algo muy bueno paso en el estudio, decidiendo Lady GaGa que el disco podia comprenderse como una entidad propia. Si el 1er disco era el lado glamouroso del espectaculo, The Fame Monster muestra el lado oscuro, casi sordido, de la fama. “I wanna just dance/ But he took me home instead”, canta en Monster, donde se enamora perdidamente de un lobo disfrazado. Al final el tipo le come el corazón y hasta el cerebro. No sé ustedes, pero yo veo ahí una clara alusión a los vicios del negocio.

Declara su independencia, su sabida ambigüedad en “So happy I could die” y persiste en sus ganas de pasarlo bien, urgiendo a sus pretendientes a dejarla bailar en paz en “Telephone” producida por DarkChild (Britney Spears, Toni Braxton) y con un featuring estelar, Beyoncé. Evoca a Ace of Base, en “Alejandro” donde se debate entre muchos amantes latinos, pero con los que no pretende ni necesita nada serio. Con “Speechless” entrega su propia version de una balada a lo Queen, con una voz potente, y en la que creo que John Lennon también influyo. Nos muestra su corazón por un par de minutos. El resto del tiempo se distancia, construyendo un misterio, agrandando su propio mito.

Gran parte tienen en el éxito de GaGa, y ella lo comparte orgullosa, su cercano grupo de diseñadores “Haus of GaGa”, quienes son como familia para la cantante, reforzando así la comparacion warholiana. Son sus decisiones estilísticas tan afectadas e intrincadas como audaces y arriesgadas la clave, la fórmula que con videos como el del 1er single “Bad Romance” está convirtiendo a la señorita GaGa en un icono de la moda tan influyente como la mismísima Anna Wintour. Eso es una exageración, pero por cierto que hay datos que asombran: Vogue USA tiene una tirada semanal de 1, 2 millones de ejemplares al mes, y el video de “Bad Romance” tiene más de 30 millones de visitas en Youtube. Lady GaGa tiene la ventaja de una vitrina muy amplia, además de la accesibilidad de su mensaje.

Es un fenómeno bizarro e interesante, y me atrevo a aseverar que en tiempos en que la música mainstream se vuelve cada vez más monótona y efecticista, Lady GaGa es justo lo que hacia falta para, con su carácter, pasión y profunda superficialidad, llevar la música pop al siguiente nivel.

Elvis Costello – Secret, Profane and Sugarcane

Si a estas alturas Elvis Costello hiciera un solo disco mediocre no quedaría más remedio que tirarse por la ventana y perder toda esperanza en la humanidad. La verdad es que Costello viene de vuelta, quizás no lo ha hecho todo, pero todo lo que ha hecho lo ha hecho a la perfección. Costello se inició en el Londres de fines de los 70, junto a la oleada new wave combinó la estética y el sonido punk, el pop, el rock e incluso el country. Y todo lo hizo bien. Actuó en algunas películas, se casó con Diana Krall, Bret Easton Ellis lo homenajeó en el título de su primer libro, brilló en el jazz junto a Burt Bacharach, y así, grabó más de treinta discos. Elvis Costello ha sabido galopar entre los más diversos géneros musicales, siempre con la ambición y la precisión necesarias para componer canciones firmes y consistentes.

Esta vez Costello resplandece en Secret, Profane and Sugarcane, el que vendría siendo su disco número treinta y siete con una vuelta total hacia un lugar en donde el músico parece sentirse como en casa: el folk y el country.
El disco fue grabado en Nashville, la ciudad del country, y digamos que esto se nota. El sonido es en su mayoría acústico, sin baterías, con guitarras que predominan, pero también violines, banjos y acordeones. En general, podríamos catalogar gran parte de estas canciones como baladas folk, bien guitarreadas, con mucho ritmo y entusiasmo, con letras y voces perfectamente complementadas. A mi parecer, el mayor logro de Secret, Profane and Sugarcane es la energía y el ambiente que logra crear y traspasar a quien lo escucha. Y es que dan ganas de mover la cabeza y los pies, de cantar a toda voz o simplemente de andar feliz por la vida con los audífonos puestos. Si no me creen, escuchen My all time doll, un folk redondito pero apoteósico con una buena letra sobre el desamor, mi favorita.

También hay baladas más lánguidas pero no por eso vamos a desmerecerlas. Rozan la tristeza pero no llegan a alcanzarla: She was no good, I dreamed of my old lover, How deep is the red. Las hay también derechamente country, como Sulphur to sugarcane, Complicated shadows o Hidden shame, éstas dos últimas incluso dedicadas a Johnny Cash.

Elvis Costello una vez más ha sabido confeccionar un disco sólido, casi exclusivamente acústico, intachablemente armado, sin dejar nada al azar ni a la especulación, todo está puesto ahí por alguna razón y todo funciona a la perfección.

Jay Z – The Blueprint 3

Dejemos esto muy claro: Jay-Z es el jefe. Felizmente casado con la igualmente exitosa Beyoncé -la pudieron ver en los EMA’s dándole las gracias a Jay por “putting a ring on it”-, asentado en la cima del juego, y aunque ya no este detrás de Def Jam Records, sigue siendo él quien establece las reglas de sus tratos. El Sr. Carter vuelve con su 11avo disco numero 1 en Billboard -mas que Elvis Presley, pero aun detrás de los Beatles- The Blueprint 3, parte de la trilogía en que Jay se adelanta a lo que viene y pone a disposición de los demás -rezagados jugadores- las instrucciones, el plano de lo que esta por venir y que al apretar play ya esta aquí.

Por supuesto que a la primera escucha suena majestuoso, invitados de lujo, productores renombrados, pero luego comienzas a diseccionar las letras y te das cuenta de que aunque llenas de rimas dignas de citar en tu estado de facebook, msn y/o twitter, a las canciones les falta un discurso coherente, un concepto que las una y les de sentido. Redundan todas en lo arriba que esta y lo bueno y exitoso que es, eso ya lo sabemos, ahora qué?

En el 1er single “D.O.A (Death of Auto-Tune)” Hova, quién estilísticamente esta en su mejor momento, -de negro, chaqueta de cuero, gorra de los Yankees y Wayfarers siempre puestos- reprocha a aquellos que usan pantalones demasiado ajustados, colores brillantes y son de voz ligera. Les pide menos jocosidad y más agresión. Y elige atacar a un blanco demasiado fácil: los que usan auto-tune -entre ellos su productor, el iracundo Kanye West, quién edito un disco íntegramente rapeado -hasta cantado- usando Auto-Tune “808′s…”. Pero no lo nombra, he cool, al unico que si nombra, además de hacer una mencion a Weezy, es a T-Pain. T-Pain? En serio, Jay? Lo cierto es que el juego que lidera ya no es lo que solia ser. No es ni urgente ni social ni serio, y no hay reales contendores. Es un negocio y Jay-Z, pese a escupir joyitas como “I know we facin’ a recession but the music y’all makin’ gon’ make it the great depression”, simplemente no tiene hacia quién apuntar.
Jay se enfrenta al fantasma que ni siquiera alcanzo a merodear a 2pac y Biggie: la madurez. Ya no es un rapero emergente ni atribulado, su éxito es sólido y estable. Vino desde abajo pero esos dias estan muy lejos, ahora es el rey.”I don’t run map no more. I run the map” advierte en “What We Talking About”, que cuenta con la colaboración de Luke Steele, mitad de la banda indietrónica Empire of The Sun. Hace un buen rato que Jay ha estado flirteando con crossovers. Lo vimos en su colaboración con Coldplay, su interpretación de ‘Wonderwall’ en Glastounbury, su aparición junto a Beyoncé entre el público de Grizzly Bear y mas recientemente se rumorea que invitó a MGMT a trabajar con él pero los chicos declinaron.

Es claro que son tiempos complicados para un ridah, es todo civilizado y elegante, raps plagados de metáforas ingeniosas y grandilocuentes que hablan sobre riquezas, mujeres, cuánto apestan los “haters” y lo frescas que son sus tenidas; canciones hechas para liderar los charts y encender las pistas de baile con beats futuristas y endemoniados. Todos quieren ir un paso adelante, y usualmente Jay Z lleva diez de ventaja, pero últimamente se le están acercando, y es desalentador.

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Sebastián, para comenzar cuéntanos cómo es que comenzaste a interesarte en la música, a tocar el piano, cantar, componer…

Desde muy chico soy musical. A los 5 mi papá me llevó a un estudio porque cantaba todo el día y resulta que me interesó mucho más y no paré nunca. Una tía me enseñó a tocar algo de guitarra como a los 10 y después me metí a estudiar en una academia de canto, fui a un festival en Egipto y a la vuelta me sentí súper inspirado y me puse a componer canciones con la guitarra de ahí para siempre. Luego en la u me las di de autosuficiente y comencé a desechar la idea de tener acompañantes musicales – a posteriori de frustrarme un millón de veces por no encontrar los adecuados- y traté de empezar a tocar más solo, a componer más con un conocimiento de teoría musical que ahora me hacía sentir más seguro.

Estas 13 canciones las has ido componiendo durante largo tiempo, ¿Cómo sientes que ha sido el proceso desde que decidiste comenzar a cantar hasta hoy que acabas de editar tu primer LP?

Siento que todo este proceso es un fiel reflejo de lo que yo soy como persona. Así como en la vida uno va quemando etapas desde que te gustan los power rangers, te crees medio gótico, te haces ateo, o cualquier otra cosa… Así también siento mi recorrido musical: He ido cambiando de objetivos y de gustos y ahora entiendo la música de una forma más íntima conmigo que no necesita una validación externa tan potente como antes. Creo que vivir a través del arte, para mí, ha sido un curso intensivo de lidiar con mis trancas y de crecimiento personal, pero no en la onda zen, sino de aceptar lo que uno es, lo que uno quiere, las carencias, lo que te hace feliz, etc. Yo no podría ser de otra forma que cantando y haciendo música.

En los demos sólo podíamos apreciar el piano y tu voz, sin embargo en Sal Va Dor (2010) hay presencia de guitarras, teclados, cello, coros, percusiones y sintetizadores. ¿Cómo fue este enriquecimiento en los detalles de cada canción?

El Mellamosebastian – el proyecto solista riguroso- nació por la frustración de no sentir a nadie comprometido con la forma que tengo de pensar la música – colegas, me refiero-. El 2009 estuve tocando con una amiga cellista durante mucho tiempo y esas fueron las primeras grabaciones que hicimos bajo el nombre de Sevafeliz, pero finalmente no pudimos compaginar nuestros tiempos ni prioridades. Decidí hacer el disco solo entonces, con mi amigo más querido que siempre me aviva la cueca artística. Grabamos poco a poco todos los ingredientes del disco, yo tocaba y secuenciaba y él me ayudó con la mezcla. Siempre me sucede que aparecen muchas ideas en mi cabeza para una canción que se contraponen y se sobreponen entonces, esta fue la oportunidad para – de una forma no tan exagerada – intervenirlas con más detalles de los que puedo hacer sólo con mi voz y con el piano. Me gusta esa dualidad, de que el disco y la propuesta en vivo sea tan diferente y sorprenda…Es más libre, más espontáneo.

En el disco están presentes la colaboración de Raúl Durán (QuieroStar) y de Sofía Oportot (QuieroStar y Lulu Jam) ¿Podrías contarnos cómo participaron?

Bueno, a la Sofía la conocí hace mucho tiempo y siempre me ha encantado su personalidad, su talento y su forma de ver la música y la vida. Necesitaba que grabáramos esa canción que compusimos para un concierto que hicimos el 2009 – con Sevafeliz y el Coro experimental – porque resultó ser demasiado chistosa y cotidiana. El Raúl es un amigo del alma y mi compinche musical y me ayudó en el disco haciendo mil cosas que al final nos terminaban estresando pero que resultaron muy lindas: Mezcló el disco, lo masterizó, grabó palmas, grabó coros, me ayudó en la selección de las canciones, hizo la ilustración, entre otras muchas cosas. El disco lo grabamos en menos de un mes, fue un trabajo muy Express y necesario para mi vida.

En tus canciones se retrata de forma muy clara una etapa en la vida… algo así como el camino intermedio entre la adolescencia y la adultez, cuando uno comienza a vivir solo, no tiene mucha plata pero se la juega entre los estudios, el primer trabajo, los primeros pololeos serios y el carrete. ¿Cómo te inspiras para crear las letras?

Me inspiro en la vida que me toca vivir, yo creo. En lo que escucho, en lo que veo todos los días pero pienso que hay un punto universal en estas composiciones que hablan de cosas cotidianas: Es como si a través de lo singular, de las vivencias que a uno le toca vivir, puedas llegar a conectarte con el colectivo, porque no se trata de no tener plata para la micro, de estar enamorado, de odiar/querer a tu mamá o de mandar a la chucha a los pololos; se trata de que estoy viviendo mi vida y la estoy contando con la música de verdad y, pienso, que la verdad hace sentido en las otras personas cuando se percibe a través del humor, de la ternura, de la rabia, o de lo que sea. No es componer sobre la acción, es cantar el sentimiento que eso me hace adentro y eso es el punto común. Si tengo que responder resumido ahora, diría que me inspiro con lo que siento, con lo que veo. Haciendo como un espejo.

Para finalizar, ¿Qué planes tienes para este año? ¿Cuándo podremos ver alguna presentación en vivo?

Los planes que tengo para este año son hacer arte, tratar de encontrar gente que esté en la misma parada que yo musicalmente y también personas que gusten de escuchar esto que no tiene unas ambiciones de globalización ni de “industria del entretenimiento musical”. Encontrar personas que quieran ser sinceras por un rato y que no necesiten de un dj after tocata para ir a escucharnos— me encantaría hacer un circuito de personas que quieran reírse y escucharse, mucha o poca, pero tocar y compartir. Hacer reflexiones con la música y con la vida a través del canto— Y lo más concreto por ahora es que estoy ensayando con un grupo de actores unas performances bien divertidas para presentar el disco salvador durante el año en distintos escenarios para que la gente escuche esta propuesta que por lo menos tiene el mérito de ser distinta entre tanta cosa igual, o entre tanta cosa Indie (en el peor sentido de la palabra) que se olvida de por qué hacemos música, arte, y qué queremos decir con eso. Yo creo que el plan fundamental que tengo para este año es DECIR ALGO, distinto, hacerme escuchar con confianza. Las fechas estarán publicadas en el myspace muy pronto para que nos veamos y cantemos y riamos y lloremos un poco quizá.

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Ilusiones Ópticas (2009) tiene mucho que ver con Valdivia. Casi todo el filme fue rodado en la región
de los Ríos incluso su director es nativo de la zona. Es por eso que según Jiménez, la película fue
pensada “en y desde Valdivia” y las historias tratan de gente común y corriente que está enfrentada
a sueños y frustraciones. Un alto ejecutivo de una empresa de salud (Álvaro Rudolphy) convence
a un hombre que acaba de recuperar la vista (Iván Alvarez de Ayala) para que haga publicidad a la
compañía; un ingeniero desempleado de esa misma firma (Gregory Cohen) es relegado a un taller
para cesantes, y un guardia de mall (Eduardo Paxeco) se enamora de una ladrona (Valentina Vargas).

Según el director, la historia se mueve en tres niveles que se comunican en algún momento de la
trama, donde los personajes “están enfrentados a una ciudad que ha cambiado su cara en forma
brusca en poco tiempo y eso, por momentos, les quita las señas de orientación, los deja huérfanos
de referencia y hace que sus vidas se puedan volver, a veces, un poco surrealistas”.

Cuéntanos sobre el proceso que te llevo a la realización de tu primer largometraje, ¿hace cuánto tiempo estás concibiendo la idea de hacer Ilusiones Ópticas?

Justamente lo pensé mientras estaba haciendo El Tesoro de los Caracoles (2004). Gracias a ese corto viajé varias veces a Valdivia, igual llevaba harto tiempo sin vivir allá y mi relación con la ciudad se había reducido a visitar a mi familia o a juntarme con algún amigo, pero no estaba tan atento a las cosas que estaban pasando. Trabajando en el corto comencé a relacionarme con otra gente y a mirar

¿Qué obras o directores te inspiran a hacer cine?, nómbrame algunos de tus favoritos y cuéntanos si  particularmente alguno te inspiró en la realización de tu película.

En general me gustan más películas que directores, por ejemplo Nubes Pasajeras (1996) de Aki Kaurismaki y El Miedo Devora Las Almas (1973) de R. W. Fassbinder, han sido importantes inspiraciones. También me gusta mucho el cine independiente norteamericano de directores como Jim Jarmusch, Wes Anderson, Todd Solondz y Preston Sturges.  Roy Andersson, el director sueco, también es otro de mis grandes referentes. Pieter Brueghel, el pintor holandés, es una influencia súper importante, de niño me gustaba esa cosa inocente, divertida y melancólica de sus cuadros donde habían un montón de cosas ocurriendo, algo que también está presente por ejemplo en el cine de Jacques Tati. También me gustan los cuentos infantiles alemanes de los Hermanos Grimm y E.T.A. Hoffmann con ese rollo de fábula, son influencias directas junto con escritores como Raymond Carver o Roberto Bolaño entre otros.

El guión lo escribiste en conjunto con Alicia Scherson, ¿qué te pareció esta experiencia?, a ella le preguntamos lo mismo en la edición pasada de Filmonauta…

Cuando empecé a escribir con Alicia estaba recién introduciéndome en el cine de una manera más
profesional y ella tenía mucha más experiencia que yo, quizás todavía la tiene pero ya nos hemos
ido nivelando. Fue súper importante contar con su complicidad y claro, nosotros tenemos harta
afinidad, nunca tuvimos grandes diferencias. Sí pequeños desacuerdos en detalles pero en general
somos bien amigos y obviamente que trabajar juntos fue súper agradable. Ahora, la manera que
tuvimos de concebir Ilusiones Ópticas fue como con “manos de pintura” por así decirlo. Nos íbamos
turnando el guión y cada vez que cambiaba de mano, discutíamos y luego volvíamos a ponernos de
acuerdo. Después al que le tocaba le hacía algunas modificaciones y en el fondo lo escribimos así,
de hecho, es bien difícil darme cuenta ahora cuales diálogos escribí yo y cuales escribió la Alicia. Hay
pequeñas cosas que claramente me acuerdo de que cabeza salieron pero te diría que son una parte
muy minoritaria del guión.

¿Cuánto se demoraron en terminarlo y llegar a la última versión?

Cuando partimos trabajando yo tenía un primer tratamiento que era aún más largo y complicado
que lo que es ahora la película. Sobre eso empezamos a trabajar con Alicia a mediados del 2004
y a mediados del 2006 terminamos, fueron dos años. Luego, en adelante, trabajé concretamente
sobre cuestiones que tenían que ver con locaciones, actores, o detalles que improvisé en el set que
tienen que ver con opciones que daba la materialidad misma del lugar donde estábamos haciendo la
película.

Sabemos que eres Valdiviano, ¿los personajes que nos presentas está inspirados en gente real que conocías?

Casi todas las historias tienen su inspiración en la vida real e incluso hay escenas concretas que son
citas a un suceso o persona de la vida real. Finalmente, cuando uno arma un personaje es como
una especie de monstruo que tiene los brazos de una persona, la cabeza de otro, etc; y uno agarra
todos esos pedazos como una especie de vampiro, le chupa sangre por aquí y por allá y se forma
un zombie con vida que bebe de múltiples fuentes. Pero sí, la gran mayoría de las historias tienen
una inspiración en la realidad que el proceso de escritura va formando en conjunto con ese toque de
distorsión que viene de la imaginación.

Los tres personajes principales parecen graciosos y provocan cierta empatía con el espectador pero una mirada más profunda nos muestra cierta disconformidad y resistencia a esa modernidad que mencionas…

Sí, cuando empecé a pensar la puesta en escena, me propuse que no fuera una simple ilustración de
la historia, si no que la película, en su forma, recogiese las ideas del guión de modo que el objeto
película no fuera simplemente un cuento, si no también un objeto cuya forma aportara narrativamente
a lo que se estaba contando más de fondo, como en un nivel más poético, más conceptual.
Ahí fue cuando decidí trabajar sobre la idea de superficie, que da esa característica visual un poco
plana que insinúa que hay algo detrás y que tal vez está quedando la embarrá, pero el desorden y el
dolor están siempre cubiertos. Con los actores trabajamos siempre desde la contención y la reserva
de la intimidad, que hace que cuando ésta aflora tenga esa torpeza media desesperada. Yo creo que
la combinación de todo eso da lo que mencionas tú, esa sensación de que estos personajes viven
situaciones dramáticas y claro, hay una cuestión social pero también hay algo que tiene que ver con
la intimidad que está con barreras para expresarse o para vivirse de manera más armónica, y en ese
sentido hay una resistencia de los personajes al sistema pero también a ellos mismos, y eso tiene
que ver con la confusión que hay a su alrededor.

En tu película se nota una interesante apuesta en la dirección de arte, la cual parece funcionar en perfecta armonía con los personajes, hay un muy buen trabajo de Sebastián Muñoz ahí, ¿cómo funcionaron?, ¿le diste libertad para desarrollar esta área o Sebastián recogió tus impresiones y las llevó a cabo?

Mira, la libertad de Sebastián tuvo que ver con que casi un año antes de filmar tuvimos muchas
reuniones, vimos películas, fotos, decidimos juntos cual iba a ser la paleta de colores que íbamos
a usar, pero una vez que eso se delimitó, no hubo mucho espacio para improvisar. Igual se nota, la
película es bien minuciosamente elaborada, no es suelta ni tiene ese feel que a veces tienen los filmes
más naturales, esta es una película más bien estricta. Obviamente, yo tengo harta confianza en
Sebastián, habíamos trabajado juntos y siempre me está proponiendo cosas, pero hubo un punto en
que llegamos a un acuerdo, entendimos como queríamos que fuera la película y de ahí en adelante
eso fue lo que se hizo.

Me llama la atención el uso de la cámara, no hay movimientos, ¿por qué usaste sólo planos fijos?

Mira, la cámara se mueve pero sólo cuando está montada sobre algo que se desplaza. Se mueve en
forma diegética, no hay dollys, no hay paneos, de hecho en el plano original había un solo paneo
que después quité. Traté de que la forma recogiera el espíritu y los temas de la película y como tiene
que ver con un mundo que hace promesas que no siempre se cumplen, todos los personajes están
en situaciones donde no saben muy bien que está pasando y en ese sentido, trabajamos la idea de fachada, de superficie y como te comentaba, eso está súper trabajado desde el tema del arte,
esa cosa artificial que en el fondo recoge esa falsedad o precariedad de un mundo que los mismos
personajes se han encargado de construir. Y desde el punto de vista de la cámara, me parecía que
la frontalidad y la simetría exacerbaba eso mismo. Es como si la puesta en escena fuera cómplice de
este orden obsesivo, neurótico pero que siempre tiene pequeñas fisuras donde la fachada tiene algo
detrás que no estamos viendo pero podemos intuir que algo pasa.

Ilusiones Ópticas se estrenó en nuestro país luego de un recorrido por importantes festivales internacionales como San Sebastián, Biarritz y Tokio, ¿cómo ha sido acogida por el público extranjero?

En San Sebastián y en Biarritz tuvimos funciones llenas y en general la gente se ríe harto, ha sido
súper positivo, hay aplausos. También los comentarios han estado bastantes buenos, salimos en la
revista Variety con una crítica derechamente positiva y en general, lo que me gusta de la película es
que no es festivalera ni funciona solamente para cinéfilos. En San Sebastián unas abuelas fueron dos
veces, les encantó, imagínate, un festival que tiene como quinientas películas para ver.

‘Me agrada ese carácter plebeyo que el cine puede tener y hoy en día la gente que está a cargo de la distribución y la exhibición a veces tiene criterios súper estrechos sobre lo que se supone que la gente quiere ver y está dispuesta a ver. Yo creo que la recepción del público es siempre incierta y si bien yo concedo que mi película en algún punto se sale de ciertas normas respecto de cómo se supone que los actores deben actuar o cómo se debe plantear la puesta en escena, también me doy cuenta que hay gente que no va nunca al cine y tiene como referentes experiencias de su vida. Eso para mí igual es importante, no estar encerrado en el mundo del cine arte de la gente más especializada.’

Y el público austral, ¿crees que se sentirán identificados con las historias?

Yo creo que sí. Cuando hice El Tesoro de los Caracoles (2004) y ya estaba rodado en posproducción, un montón de gente a la que le mostré el corto me dijo “esto es una locura, a la gente no le va a gustar, es muy freak como está planteado todo, es muy raro el arte, no se va a entender” y yo me había resignado a eso. Empezamos a mostrarlo y fue como un bombazo. En este caso igual tengo la sensación que la película tiene pequeños regalitos que la gente que no vive en Valdivia no necesariamente va a entender, en casi todas las escenas hay cosas especiales, detalles del sonido, etc; que le harán sentir a los valdivianos que Ilusiones Ópticas es un poco también de ellos, pues nunca había existido una película que fuera valdiviana de esta forma.

Ilusiones Ópticas nos abre un camino para reflexionar sobre temas como el trabajo y la modernidad en una sociedad de provincias, ¿crees que le hace falta a los nuevos realizadores forjar una mirada hacia lo local y rescatar esas historias que parecen atrapadas por los límites geográficos?

Yo siento, con todo respeto, que la mirada local se abandona mucho en las películas chilenas pero da lo mismo donde se estén haciendo. Por ejemplo La Nana (2009) es una película que sí desarrolla una mirada local sobre un cierto espacio específico como lo es el barrio alto, que es un mundo que Sebastián Silva conoce bien. El Pejesapo (2007) también hace eso, más allá que sea una película hecha en Santiago, tiene una mirada sobre una cuestión material concreta. Yo creo que hay mucho cine chileno que tiene esa cosa abstracta de la tele, eso de no estar ocurriendo en ninguna parte y fuera de Santiago no se hacen demasiadas cosas. En Valdivia hay un polo súper interesante, desproporcionadamente importante en relación al tamaño de la ciudad y ahí yo creo que están surgiendo ideas pero es una tarea pendiente, no sólo fuera de Santiago, en Santiago también.-

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(cc) Tapiz Magazine 2010
(c) Universidad de Chile 2010
// Sofía Oportot – Entender (Tapiz VideoClip)
// Dirección: Roberto Doveris + Nicolás Guzmán
// Dir. Arte: Nicolás Guzmán + Nicolás Oyarce
// Fotografía y Montaje: Roberto Doveris

//// Tapiz Producciones + Universidad de Chile 2010 /////

// Make up: Lorena Oyanguren
// Extras: Maria Solis de Ovando, Megumi Andrade, Begoña Aranda, Cristian Carocca, Leo Rivas, Muriel Tagle + Constanza Espina (StupidCer)
// Agradecimientos a Cata y al hermanos de Sofía, al ICEI de la Universidad de Chile, a Ricardo Metayer, a Ignacio Redard, a Carolina Larraín.

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Hola Carola, cuéntanos cómo surge tu interés en la música siendo licenciada en ciencias y física?

En realidad primero nació el interés por la música. Y aunque suene muy romántica la idea de que física y música se unieron armoniosamente desde siempre en mi vida, debo decir que es mentira. Fue muy difícil lograr fundir ambos intereses, aunque no quiero que por esto se entienda que no llegaron a ser complementarios. La dificultad siempre fue el tiempo: vi las mejores mentes de mi generación consumidas completamente por la física y yo, que me negaba a dejar de lado la música, muchas veces debí optar por una u otra. Creo que recién al final de la carrera logré por fin disfrutar y hacer convivir las ideas que la física y el arte aportaban a mi vida. Pero no fue gratis, fue todo un proceso de madurez dejar de ver la física desde la perspectiva matemática, empezar a tomarle el peso a la creatividad que existe detrás de ella y lograr sentir de verdad que en el fondo siempre estuve haciendo lo mismo, descubriendo cosas, redefiniendo palabras, acomodando signos, símbolos, escarbando un poco para intentar encontrar una verdad, o algo similar a eso.

Desde Cuando tocas guitarra y compones? Cómo surge la inspiración para hacerlo?

Con la guitarra partí a los ocho años y no vine a componer en serio sino hasta los veinte. No me atrevía a cantar, había algo en mi voz que me incomodaba, ese leve toque a niño que hay en las voces poco trabajadas. La verdad no me gustaba nada, pero aún así grabé un par de cosas que luego subí al myspace. Cuando eso sucedió, entonces pasé de la creación de guitarras, que era lo que consumía la mayor parte de mi tiempo, a la escritura de letras. Recuerdo que hubo un momento en que sentí mucho pudor, que fue cuando pensé en que estaba diciendo cosas de verdad personales y creo que me dio también un poco de miedo exponer tanto algunos sentimientos un poco privados hasta ese momento. Con el tiempo fui adquiriendo más seguridad y perdí esa vergüenza a expresarme. Eso me entregó muchas más libertades al momento de escribir, aunque el móvil continuó siendo innegablemente el amor y todo lo relacionado con eso ¿de qué más se pueden hacer letras hoy en día?, jajajaja.

Reconoces alguna influencia en tu música? Cuáles?

A ver, no quiero extenderme la verdad, pero para ser breve diré que en lo que ahora estoy trabajando con PONK hay un sonido folk en proceso, muy influenciado por The Dodos, Sigur Ros y quizás algo de pop que no logro definir muy bien de dónde viene. Pero eso es como una instantánea del panorama actual, si vamos a las generalidades me voy a referir a un tema, que es el que me impulsó a pensar en que quería hacer música y en cómo quería que sonara y este fue The maid we messed, de Matt Elliott. Creo que la idea de partir desde algo simple y empezar de a poco a llenar todos los espacios es realmente un tema en mi vida, y lo exteriorizo mucho en la música que hago. Me gusta el vértigo, disfrutar el crecimiento de la música, la mezcla de guitarras, sentir cada sonido y que existan esos detalles que al descubrirlos te hacen querer volver a escuchar. Por otra parte, algunas letras reciben fuertes influencias literarias, especialmente de Alejandra Pizarnik y no puedo negar lo mucho que mi formación científica ha influido en mí, porque he aprendido a sorprenderme de lo perfecto que es todo y he vuelto un poco a este estado de infancia en que el universo entero se vuelve algo nuevo. El redescubrimiento ha sido una inagotable fuente de inspiración.

Actualmente estás lanzando un EP junto a PONK. ¿Cómo ha sido trabajar con ellos? ¿Tienes en mente realizar un disco en el futuro?

Trabajar con ellos es gratísimo. Son personas simpáticas, talentosas, acogedoras, muy respetuosas con mi opinión al momento de tomar decisiones y profesionales al máximo. Creo que con ellos he ido avanzando de manera importante, pero la idea de hacer un disco pronto no me convence. Pienso que tengo muchos temas pendientes conmigo y mi música. Aún me muevo entre ideas que recién empiezan a converger, pero no lo suficiente. Primero hay que dejar andar el single, el video, el EP, tocar un poco más y después volver a repasar en el material que hay, siempre pensando un poco en dejar madurar la música y lo que a mi me pasa con ella también. Hay tiempo.

También realizaste junto a nuestro equipo de Tapiz un videoclip de la canción “Va”. ¿Qué te pareció esa experiencia?

Entretenida! Fue muy raro al comienzo, me sentía un poco incómoda, no sabía qué tenía que hacer, ni cómo hacerlo. Pero había mucha buena onda en el ambiente como para pasarlo mal por eso, así que al poco rato ya estaba completamente entregada en mi papel de mina un poco herida, un poco aburrida, disconforme quizás. Me encantó cómo se llevó a cabo la grabación y también la forma en que se concretó la idea. Cuando miro el resultado pienso en que el video no podía ser de otra forma.

Finalmente, tienes planes para el futuro? Cuando podremos escuchar tu música en vivo?

No me gusta mucho la idea de planear demasiado el futuro, porque la verdad es que nunca me ha resultado un plan. Tengo ganas de viajar, por razones de estudio y de ocio igual, y me gustaría aprovechar esos viajes para tocar un poco fuera de Santiago y fuera de Chile, si es que en algún momento mi música llega a gustar en otra parte. Siempre estoy componiendo, así que también quiero ir renovando el myspace (myspace.com/deplasticoverde) y ojalá aparecerme un poco en vivo. Ya toqué el 5 de Febrero en Matucana 100, taloneando a Javier Barría, y el 28 de Enero en el Bonita IndieBar, en Viña. También existe la posibilidad de tocar en Concepción, pero aún no existe fecha para eso.

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