Hola Alfredo, tu proyecto Lainus surgió cuando vivías en Nueva Zelanda y viniste a Chile a presentarlo al público local, sin embargo hoy ya no vienes de visita sino que te has asentado en Santiago y estás preparando el lanzamiento de tu segundo LP. ¿Cómo ha sido el proceso de creación musical en condiciones tan nómades y entre medio de importantes cambios en tu vida? ¿Qué huellas hay en Patio de estos giros y decisiones que has tomado en tu vida personal?

Mi vida ha sido así, bastante gitana. Estos últimos 4 años estuve viviendo en Nueva Zelanda, y estando allá decidí viajar a Chile por unos meses y entre otras cosas editar Hipotálamo.
A mi vuelta a NZ empecé con el proceso compositivo de Patio que fue hecho en un período de bastantes cambios, de un quiebre emocional heavy y a la vez con muchas cosas nuevas que se me venían. En algún minuto pensé en cantar en inglés, pero no funcionó, lo que tenía que decir había que decirlo en mi lengua
Asi que definitivamente Patio es una foto de ese instante.

Una de las grandes diferencias entre Hipotálamo y Patio es el uso de la voz. En esta oportunidad has decidido interpretar tú mismo la letra de las canciones y, además, en términos de estructura, pareces mucho más cercano al esquema del tema pop estrofa/coro con melodías muy cercanas y hasta pegajosas. ¿Por qué te planteaste este cambio en el perfil de Lainus?

Con el disco Hipotálamo nunca planee nada, me senté al frente del computador haber que salía, y en Patio fue un poco de lo mismo, pero en vez de una búsqueda de una atmósfera fui en búsqueda de una canción, y en vez de secuencias y programar cosas, fuI a tomar mi guitarra.

Después sólo fue grabar y grabar en una pequeña Tascam de un amigo, y de ahí la idea era ir plasmando lo mejorcito al computer, desde ideas muy básicas hasta improvisaciones con amigos músicos de NZ y así se armo. Pero sí, siempre busque el factor coro en todas las canciones. Jamás me imaginé estas canciones cantadas por alguien más, en Hipotálamo las letras eran mas etéreas y abstractas, en Patio son totalmente autoreferentes.

Tu música parece cálida, colorida y muy amigable, lo cual es producto de las melodías dulces, el ritmo pausado y de los sonidos que utilizas. ¿Cómo te planteaste hacer el cruce entre música electrónica y pop? ¿Qué tipo de relación tienes con la música hecha en el notebook y los matices orgánicos que incluyes en las canciones?. Te lo pregunto pues tu proyecto homónimo, Alfredo Ibarra, es netamente electrónico mientras que Lainus se aleja algo de esa visión.

Si hubiera empezado a mezclar el disco con las grabaciones que tenia de un comienzo, (hablo de la guitarra y voz), habría terminado con un disco folk , quise alejarme totalmente de eso. Una vez que me puse a componer para el disco Patio, empecé en paralelo a armarme una especie de biblioteca de sonidos, desde bajos, hasta pequeños samplers de ruidos, y fui armando capas y capas de sonidos y comencé a utilizarlas en las grabaciones que ya tenia, y así la guitarra fue pasando a segundo plano en algunas canciones. En otras no funcionó y opté por dejar la guitarra como instrumento principal con algún ruido ambiente incidental u otro efecto.

Y de esa biblioteca de sonidos que tenía fui armando en paralelo algo más dance y experimental, que salió bajo mi nombre por el sello Pueblo Nuevo… se llama Cuando las cosas Saltan

En Lainus, tanto en el primer como en el segundo disco, se puede percibir un dejo de nostalgia en los sonidos. Una intimidad que hace de cada canción una experiencia muy personal, pero siempre un poco triste. ¿Por qué?

Triste? … jajaja, quizás, no sé.
Lo que si tienen un cierto grado de nostalgia, de que quizás hubieron tiempos mejores, de una ”infancia eterna” como canto en Estancia, pero creo que detrás siempre hay como un push hacia algo mejor, como te decía antes, tiene mucho que ver en el período que uno esta. Ahora por ejemplo ya tengo como 15 canciones para empezar a armar un tercer disco y el enfoque es totalmente distinto, mucho mas arriba.

Finalmente, ¿qué planes tienes para el futuro? ¿Piensas trabajar otros proyectos paralelos? ¿Cuándo podremos tener acceso a tu nuevo LP de forma íntegra?

Por el minuto me muero por tocar en vivo, así que estoy ensayando junto a Ignacio Cuevas que tiene un proyecto de música electro llamado Gracq, que esta buenísimo. Y en paralelo haciendo música para documentales e instalaciones de todo tipo.

Patio, no sé aún, me encanta todo lo que tiene que ver Internet y la música, pero también quiero editarlo en formato “real”, me gusta tener el disco y hojear el arte, tiene que ver con todo el concepto que hay detrás. Así que en eso estoy, conversando con algunos sellos de acá, sino, autoedición e independencia.

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Diego, tu interés por la música comenzó desde muy pequeño. ¿Podrías contarnos como fue ese proceso y cuándo decides comenzar a componer tus propias canciones?

Siempre existió una gran cantidad de discos en mi casa, en donde trate de absorber todo ese material musical desde bien chico. Aprendí a tocar a los 6 o 7 años, en ese momento, ingrese a estudiar guitarra clásica en un lugar donde estaba toda la música no me interesaba y faltaba toda la que me atraía, luego me di cuenta que se transformo en una virtud y una base fundamental para tocar como lo hago ahora. Lo recuerdo como una época de permanente búsqueda, crecimiento y evolución. Lo primero que llego fue The Beatles y de ahí las ganas de componer y hacer todo. Finalmente después de varias bandas decidí tomar el proyecto con mi nombre y de juntar un puñado de canciones y agruparlas en un concepto personal.

Formaste parte de una banda, pero desde Canciones para escuchar a mediodía (2005 EP) has comenzado a trabajar en solitario, sacando tres discos en ese formato. ¿Te acomoda trabajar solo por tu cuenta? ¿Qué es lo bueno y lo malo de ser solista en el medio musical chileno?

Mi primer álbum es: ‘’De Lo Humano Sin Corazón’’ (2008). Pero antes de eso existen dos trabajos que no considero dentro de mi discografia oficial, fueron discos hechos para que se desarrollaran en vivo con una banda y no en su formato individual. Me parecía interesante conducir al proyecto en su secuencia inicial, como realmente nacen las canciones, crudas y desnudas. Trabajar con los elementos de la manera mas recudida posible en un lugar donde se tiene el control total de la situación, mayor libertad y no existen grandes filtros. Por ende la propuesta es mucho más honesta y cercana. Es un trabajo de hormiga, pero se hacen las cosas bien.

La guitarra tiene un alto protagonismo en tu música, pero también hay presencia de piano, teclados, percusión y otros delicados arreglos que hacen de Nadar un disco pop extremadamente sofisticado. ¿Cómo elaboras todos esos detalles? Cuéntannos del proceso de armar el disco…

En ‘Nadar’ (2009) tome riesgos, el 70% del disco fue compuesto en piano, instrumento que aprendí a tocarlo en el proceso de composición. Me demore un año en lanzarlo y es un álbum que se acerca mucho a como lo tenia en la cabeza. Lo grabe en mi casa, de la forma más natural posible, sin horarios específicos de grabación. Siempre digo que es un disco muy parecido a un Soundtrack, además de su directa relación con el cine, las canciones entregan un lenguaje parecido a guión cinematografico. Tiene citas a Charlie Kaufman y Jon Brion. Es el disco que siempre quise hacer y habla de la soledad desde su lado mas necesario para el crecimiento y la búsqueda personal, habla de viajes y carreteras, de perderse y luego encontrarse.

Tus melodías son nostálgicas, dan la sensación de que las compones en momentos de mucha intimidad, quizás solo en tu habitación. ¿Qué nivel de cercanía tienes entre tu vida personal y las letras que entonas en las canciones? ¿El tono tranquilo

Hay algunos textos bien personales, otros no. Me gusta elaborar en cada disco una construcción meticulosa en que todas las canciones tengan relación con la obra. Una vez me dijeron que mis textos eran postales o imagines en movimiento, estuve muy de acuerdo con eso, se construyen en base situaciones o momentos específicos mi vida

Finalmente Diego, ¿Qué podemos esperar para el futuro? ¿Qué proyectos tienes en mente en este minuto?

Estoy trabajando en un nuevo disco que se diferencia mucho a todo lo que he hecho y sonoramente funciona desde un lugar que nunca había explorado. Es bien luminoso, romántico y la vitalidad que te produce esa sensación, del amor y el efecto de sentirlo en plenitud. Tiene una gran cantidad de maquinas, siendo la guitarra acústica el único instrumento real. Va a sonar como los primeros discos de Cerati o los discos noventeros de Melero.
Pienso volver nuevamente a Buenos Aires, ya que hay harta gente que sigue el rastro desde mi visita en octubre del año pasado. Quiero tocar en muchas ciudades, localidades en donde a llegado mi música y no he podido visitar. Espero tener noticias del nuevo disco de aquí a mediados de este año, tenerlo en mi mano y publicarlo como en la vieja escuela y decir en algún momento en el futuro que saque discos como se hacían antes.

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Beach House – Teen Dream

El nuevo disco de los Beach House es tal cual lo anuncia su título: un sueño adolescente. Convengamos en que Beach House supo nacer en el momento preciso, que es una banda ideal para los tiempos que estamos viviendo. Hijos privilegiados de Pitchfork, con la ondita setentera a flor de piel, con toda la ensoñación de un adolescente, con olor a playa y a campo, pintaditos para la foto polaroid, siempre bien vestidos y sonrientes. Teen Dream es la continuación del tan alabado Devotion, pero si Devotion era un disco muy etéreo y nostálgico, Teen Dream ha puesto los pies un poquito más en la tierra, y eso se nota. Si Devotion era indudablemente otoñal, Teen Dream es primavera pura.

La canción elegida para abrir el disco es Zebra, que nos introduce de lleno en la onda somnolienta y de feliz languidez, de esas languideces que te dan cuando estás tumbado en la playa contemplando la forma de las nubes, si saben a lo que me refiero. Zebra, a mi parecer, lo explica todo: la potencia de una voz encantadora que está cayendo del cielo, suaves guitarreos y conmovedoras armonías, todo con ese sonido que parece sacado de un cassette polvoriento.

No hay que ser un genio para afirmar que uno de los grandes aciertos de Beach House es la voz de Victoria Legrand, un imán que te atrae y no te suelta, que te obliga a atravesar hasta el final el camino de estas diez canciones. Un camino soleado, donde hasta la tristeza puede brillar, y donde esta vez estamos obligados a caminar un poco más deprisa.
Las canciones de este disco están bien pensadas, bien combinadas y muy bien hechas. Funcionan por separado pero en conjunto arman una atmósfera de ensueño.

Real Love hace recordar a Cat Power en Myra Lee, por el dulce forcejeo de la voz y su preponderancia por sobre el piano y uno que otro sonido ambiental.
En tanto Lover of mine y Norway incorporan algunos sintetizadores que junto a la batería electrónica y a la voz siempre rasposa y angelical de Victoria componen canciones llenas de optimismo y contagiante energía.
No hay más que decir, solo queda escuchar Teen Dream de principio a fin y dejarse llevar. El disco sale oficialmente editado por el sello Subpop el 26 de enero de 2010.

Lady GaGa – The Fame Monster

Hace 1 año nadie conocía a Lady GaGa. Al irrumpir en la escena musical con su primer disco “The Fame” algunos la amaron, otros la odiaron y los menos la obviaron. En este se presentaba como una señorita de gracioso nombre, con canciones listas para la pista de baile, ganas de pasarla bien y beats y synthes que afirmaban su premisa warholiana “Pop music will never be low-brow”, pero sus verdaderas ambiciones iban mucho más alla de su presupuesto. Su extravagante personalidad, feroces decisiones estilísticas, sus manierismos fuera del escenario y, sobre todo, buenas canciones la llevaron a la cumbre de los charts mundiales.

Con “The Fame Monster” Lady GaGa perfecciona su estilo, encausa su concepto y se permite tiempo para experimentar desde sus propias nostalgias, pero mejor no encasillarla, mejor darle el beneficio de la duda, pues su determinación ha hecho de si misma una estrella que, para bien o para mal, esta o ha pasado por la boca de todos. Los números la respaldan, el presupuesto no es un problema, las entradas a sus shows se agotan, el mundo la esta mirando y ella esta agradecida y al mando.

Las 8 canciones que componen este disco originalmente solo formarían parte de una reedición de “The Fame”, pero algo muy bueno paso en el estudio, decidiendo Lady GaGa que el disco podia comprenderse como una entidad propia. Si el 1er disco era el lado glamouroso del espectaculo, The Fame Monster muestra el lado oscuro, casi sordido, de la fama. “I wanna just dance/ But he took me home instead”, canta en Monster, donde se enamora perdidamente de un lobo disfrazado. Al final el tipo le come el corazón y hasta el cerebro. No sé ustedes, pero yo veo ahí una clara alusión a los vicios del negocio.

Declara su independencia, su sabida ambigüedad en “So happy I could die” y persiste en sus ganas de pasarlo bien, urgiendo a sus pretendientes a dejarla bailar en paz en “Telephone” producida por DarkChild (Britney Spears, Toni Braxton) y con un featuring estelar, Beyoncé. Evoca a Ace of Base, en “Alejandro” donde se debate entre muchos amantes latinos, pero con los que no pretende ni necesita nada serio. Con “Speechless” entrega su propia version de una balada a lo Queen, con una voz potente, y en la que creo que John Lennon también influyo. Nos muestra su corazón por un par de minutos. El resto del tiempo se distancia, construyendo un misterio, agrandando su propio mito.

Gran parte tienen en el éxito de GaGa, y ella lo comparte orgullosa, su cercano grupo de diseñadores “Haus of GaGa”, quienes son como familia para la cantante, reforzando así la comparacion warholiana. Son sus decisiones estilísticas tan afectadas e intrincadas como audaces y arriesgadas la clave, la fórmula que con videos como el del 1er single “Bad Romance” está convirtiendo a la señorita GaGa en un icono de la moda tan influyente como la mismísima Anna Wintour. Eso es una exageración, pero por cierto que hay datos que asombran: Vogue USA tiene una tirada semanal de 1, 2 millones de ejemplares al mes, y el video de “Bad Romance” tiene más de 30 millones de visitas en Youtube. Lady GaGa tiene la ventaja de una vitrina muy amplia, además de la accesibilidad de su mensaje.

Es un fenómeno bizarro e interesante, y me atrevo a aseverar que en tiempos en que la música mainstream se vuelve cada vez más monótona y efecticista, Lady GaGa es justo lo que hacia falta para, con su carácter, pasión y profunda superficialidad, llevar la música pop al siguiente nivel.

Elvis Costello – Secret, Profane and Sugarcane

Si a estas alturas Elvis Costello hiciera un solo disco mediocre no quedaría más remedio que tirarse por la ventana y perder toda esperanza en la humanidad. La verdad es que Costello viene de vuelta, quizás no lo ha hecho todo, pero todo lo que ha hecho lo ha hecho a la perfección. Costello se inició en el Londres de fines de los 70, junto a la oleada new wave combinó la estética y el sonido punk, el pop, el rock e incluso el country. Y todo lo hizo bien. Actuó en algunas películas, se casó con Diana Krall, Bret Easton Ellis lo homenajeó en el título de su primer libro, brilló en el jazz junto a Burt Bacharach, y así, grabó más de treinta discos. Elvis Costello ha sabido galopar entre los más diversos géneros musicales, siempre con la ambición y la precisión necesarias para componer canciones firmes y consistentes.

Esta vez Costello resplandece en Secret, Profane and Sugarcane, el que vendría siendo su disco número treinta y siete con una vuelta total hacia un lugar en donde el músico parece sentirse como en casa: el folk y el country.
El disco fue grabado en Nashville, la ciudad del country, y digamos que esto se nota. El sonido es en su mayoría acústico, sin baterías, con guitarras que predominan, pero también violines, banjos y acordeones. En general, podríamos catalogar gran parte de estas canciones como baladas folk, bien guitarreadas, con mucho ritmo y entusiasmo, con letras y voces perfectamente complementadas. A mi parecer, el mayor logro de Secret, Profane and Sugarcane es la energía y el ambiente que logra crear y traspasar a quien lo escucha. Y es que dan ganas de mover la cabeza y los pies, de cantar a toda voz o simplemente de andar feliz por la vida con los audífonos puestos. Si no me creen, escuchen My all time doll, un folk redondito pero apoteósico con una buena letra sobre el desamor, mi favorita.

También hay baladas más lánguidas pero no por eso vamos a desmerecerlas. Rozan la tristeza pero no llegan a alcanzarla: She was no good, I dreamed of my old lover, How deep is the red. Las hay también derechamente country, como Sulphur to sugarcane, Complicated shadows o Hidden shame, éstas dos últimas incluso dedicadas a Johnny Cash.

Elvis Costello una vez más ha sabido confeccionar un disco sólido, casi exclusivamente acústico, intachablemente armado, sin dejar nada al azar ni a la especulación, todo está puesto ahí por alguna razón y todo funciona a la perfección.

Jay Z – The Blueprint 3

Dejemos esto muy claro: Jay-Z es el jefe. Felizmente casado con la igualmente exitosa Beyoncé -la pudieron ver en los EMA’s dándole las gracias a Jay por “putting a ring on it”-, asentado en la cima del juego, y aunque ya no este detrás de Def Jam Records, sigue siendo él quien establece las reglas de sus tratos. El Sr. Carter vuelve con su 11avo disco numero 1 en Billboard -mas que Elvis Presley, pero aun detrás de los Beatles- The Blueprint 3, parte de la trilogía en que Jay se adelanta a lo que viene y pone a disposición de los demás -rezagados jugadores- las instrucciones, el plano de lo que esta por venir y que al apretar play ya esta aquí.

Por supuesto que a la primera escucha suena majestuoso, invitados de lujo, productores renombrados, pero luego comienzas a diseccionar las letras y te das cuenta de que aunque llenas de rimas dignas de citar en tu estado de facebook, msn y/o twitter, a las canciones les falta un discurso coherente, un concepto que las una y les de sentido. Redundan todas en lo arriba que esta y lo bueno y exitoso que es, eso ya lo sabemos, ahora qué?

En el 1er single “D.O.A (Death of Auto-Tune)” Hova, quién estilísticamente esta en su mejor momento, -de negro, chaqueta de cuero, gorra de los Yankees y Wayfarers siempre puestos- reprocha a aquellos que usan pantalones demasiado ajustados, colores brillantes y son de voz ligera. Les pide menos jocosidad y más agresión. Y elige atacar a un blanco demasiado fácil: los que usan auto-tune -entre ellos su productor, el iracundo Kanye West, quién edito un disco íntegramente rapeado -hasta cantado- usando Auto-Tune “808′s…”. Pero no lo nombra, he cool, al unico que si nombra, además de hacer una mencion a Weezy, es a T-Pain. T-Pain? En serio, Jay? Lo cierto es que el juego que lidera ya no es lo que solia ser. No es ni urgente ni social ni serio, y no hay reales contendores. Es un negocio y Jay-Z, pese a escupir joyitas como “I know we facin’ a recession but the music y’all makin’ gon’ make it the great depression”, simplemente no tiene hacia quién apuntar.
Jay se enfrenta al fantasma que ni siquiera alcanzo a merodear a 2pac y Biggie: la madurez. Ya no es un rapero emergente ni atribulado, su éxito es sólido y estable. Vino desde abajo pero esos dias estan muy lejos, ahora es el rey.”I don’t run map no more. I run the map” advierte en “What We Talking About”, que cuenta con la colaboración de Luke Steele, mitad de la banda indietrónica Empire of The Sun. Hace un buen rato que Jay ha estado flirteando con crossovers. Lo vimos en su colaboración con Coldplay, su interpretación de ‘Wonderwall’ en Glastounbury, su aparición junto a Beyoncé entre el público de Grizzly Bear y mas recientemente se rumorea que invitó a MGMT a trabajar con él pero los chicos declinaron.

Es claro que son tiempos complicados para un ridah, es todo civilizado y elegante, raps plagados de metáforas ingeniosas y grandilocuentes que hablan sobre riquezas, mujeres, cuánto apestan los “haters” y lo frescas que son sus tenidas; canciones hechas para liderar los charts y encender las pistas de baile con beats futuristas y endemoniados. Todos quieren ir un paso adelante, y usualmente Jay Z lleva diez de ventaja, pero últimamente se le están acercando, y es desalentador.

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Sebastián, para comenzar cuéntanos cómo es que comenzaste a interesarte en la música, a tocar el piano, cantar, componer…

Desde muy chico soy musical. A los 5 mi papá me llevó a un estudio porque cantaba todo el día y resulta que me interesó mucho más y no paré nunca. Una tía me enseñó a tocar algo de guitarra como a los 10 y después me metí a estudiar en una academia de canto, fui a un festival en Egipto y a la vuelta me sentí súper inspirado y me puse a componer canciones con la guitarra de ahí para siempre. Luego en la u me las di de autosuficiente y comencé a desechar la idea de tener acompañantes musicales – a posteriori de frustrarme un millón de veces por no encontrar los adecuados- y traté de empezar a tocar más solo, a componer más con un conocimiento de teoría musical que ahora me hacía sentir más seguro.

Estas 13 canciones las has ido componiendo durante largo tiempo, ¿Cómo sientes que ha sido el proceso desde que decidiste comenzar a cantar hasta hoy que acabas de editar tu primer LP?

Siento que todo este proceso es un fiel reflejo de lo que yo soy como persona. Así como en la vida uno va quemando etapas desde que te gustan los power rangers, te crees medio gótico, te haces ateo, o cualquier otra cosa… Así también siento mi recorrido musical: He ido cambiando de objetivos y de gustos y ahora entiendo la música de una forma más íntima conmigo que no necesita una validación externa tan potente como antes. Creo que vivir a través del arte, para mí, ha sido un curso intensivo de lidiar con mis trancas y de crecimiento personal, pero no en la onda zen, sino de aceptar lo que uno es, lo que uno quiere, las carencias, lo que te hace feliz, etc. Yo no podría ser de otra forma que cantando y haciendo música.

En los demos sólo podíamos apreciar el piano y tu voz, sin embargo en Sal Va Dor (2010) hay presencia de guitarras, teclados, cello, coros, percusiones y sintetizadores. ¿Cómo fue este enriquecimiento en los detalles de cada canción?

El Mellamosebastian – el proyecto solista riguroso- nació por la frustración de no sentir a nadie comprometido con la forma que tengo de pensar la música – colegas, me refiero-. El 2009 estuve tocando con una amiga cellista durante mucho tiempo y esas fueron las primeras grabaciones que hicimos bajo el nombre de Sevafeliz, pero finalmente no pudimos compaginar nuestros tiempos ni prioridades. Decidí hacer el disco solo entonces, con mi amigo más querido que siempre me aviva la cueca artística. Grabamos poco a poco todos los ingredientes del disco, yo tocaba y secuenciaba y él me ayudó con la mezcla. Siempre me sucede que aparecen muchas ideas en mi cabeza para una canción que se contraponen y se sobreponen entonces, esta fue la oportunidad para – de una forma no tan exagerada – intervenirlas con más detalles de los que puedo hacer sólo con mi voz y con el piano. Me gusta esa dualidad, de que el disco y la propuesta en vivo sea tan diferente y sorprenda…Es más libre, más espontáneo.

En el disco están presentes la colaboración de Raúl Durán (QuieroStar) y de Sofía Oportot (QuieroStar y Lulu Jam) ¿Podrías contarnos cómo participaron?

Bueno, a la Sofía la conocí hace mucho tiempo y siempre me ha encantado su personalidad, su talento y su forma de ver la música y la vida. Necesitaba que grabáramos esa canción que compusimos para un concierto que hicimos el 2009 – con Sevafeliz y el Coro experimental – porque resultó ser demasiado chistosa y cotidiana. El Raúl es un amigo del alma y mi compinche musical y me ayudó en el disco haciendo mil cosas que al final nos terminaban estresando pero que resultaron muy lindas: Mezcló el disco, lo masterizó, grabó palmas, grabó coros, me ayudó en la selección de las canciones, hizo la ilustración, entre otras muchas cosas. El disco lo grabamos en menos de un mes, fue un trabajo muy Express y necesario para mi vida.

En tus canciones se retrata de forma muy clara una etapa en la vida… algo así como el camino intermedio entre la adolescencia y la adultez, cuando uno comienza a vivir solo, no tiene mucha plata pero se la juega entre los estudios, el primer trabajo, los primeros pololeos serios y el carrete. ¿Cómo te inspiras para crear las letras?

Me inspiro en la vida que me toca vivir, yo creo. En lo que escucho, en lo que veo todos los días pero pienso que hay un punto universal en estas composiciones que hablan de cosas cotidianas: Es como si a través de lo singular, de las vivencias que a uno le toca vivir, puedas llegar a conectarte con el colectivo, porque no se trata de no tener plata para la micro, de estar enamorado, de odiar/querer a tu mamá o de mandar a la chucha a los pololos; se trata de que estoy viviendo mi vida y la estoy contando con la música de verdad y, pienso, que la verdad hace sentido en las otras personas cuando se percibe a través del humor, de la ternura, de la rabia, o de lo que sea. No es componer sobre la acción, es cantar el sentimiento que eso me hace adentro y eso es el punto común. Si tengo que responder resumido ahora, diría que me inspiro con lo que siento, con lo que veo. Haciendo como un espejo.

Para finalizar, ¿Qué planes tienes para este año? ¿Cuándo podremos ver alguna presentación en vivo?

Los planes que tengo para este año son hacer arte, tratar de encontrar gente que esté en la misma parada que yo musicalmente y también personas que gusten de escuchar esto que no tiene unas ambiciones de globalización ni de “industria del entretenimiento musical”. Encontrar personas que quieran ser sinceras por un rato y que no necesiten de un dj after tocata para ir a escucharnos— me encantaría hacer un circuito de personas que quieran reírse y escucharse, mucha o poca, pero tocar y compartir. Hacer reflexiones con la música y con la vida a través del canto— Y lo más concreto por ahora es que estoy ensayando con un grupo de actores unas performances bien divertidas para presentar el disco salvador durante el año en distintos escenarios para que la gente escuche esta propuesta que por lo menos tiene el mérito de ser distinta entre tanta cosa igual, o entre tanta cosa Indie (en el peor sentido de la palabra) que se olvida de por qué hacemos música, arte, y qué queremos decir con eso. Yo creo que el plan fundamental que tengo para este año es DECIR ALGO, distinto, hacerme escuchar con confianza. Las fechas estarán publicadas en el myspace muy pronto para que nos veamos y cantemos y riamos y lloremos un poco quizá.

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(cc) Tapiz Magazine 2010
(c) Universidad de Chile 2010
// Sofía Oportot – Entender (Tapiz VideoClip)
// Dirección: Roberto Doveris + Nicolás Guzmán
// Dir. Arte: Nicolás Guzmán + Nicolás Oyarce
// Fotografía y Montaje: Roberto Doveris

//// Tapiz Producciones + Universidad de Chile 2010 /////

// Make up: Lorena Oyanguren
// Extras: Maria Solis de Ovando, Megumi Andrade, Begoña Aranda, Cristian Carocca, Leo Rivas, Muriel Tagle + Constanza Espina (StupidCer)
// Agradecimientos a Cata y al hermanos de Sofía, al ICEI de la Universidad de Chile, a Ricardo Metayer, a Ignacio Redard, a Carolina Larraín.

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Hola Carola, cuéntanos cómo surge tu interés en la música siendo licenciada en ciencias y física?

En realidad primero nació el interés por la música. Y aunque suene muy romántica la idea de que física y música se unieron armoniosamente desde siempre en mi vida, debo decir que es mentira. Fue muy difícil lograr fundir ambos intereses, aunque no quiero que por esto se entienda que no llegaron a ser complementarios. La dificultad siempre fue el tiempo: vi las mejores mentes de mi generación consumidas completamente por la física y yo, que me negaba a dejar de lado la música, muchas veces debí optar por una u otra. Creo que recién al final de la carrera logré por fin disfrutar y hacer convivir las ideas que la física y el arte aportaban a mi vida. Pero no fue gratis, fue todo un proceso de madurez dejar de ver la física desde la perspectiva matemática, empezar a tomarle el peso a la creatividad que existe detrás de ella y lograr sentir de verdad que en el fondo siempre estuve haciendo lo mismo, descubriendo cosas, redefiniendo palabras, acomodando signos, símbolos, escarbando un poco para intentar encontrar una verdad, o algo similar a eso.

Desde Cuando tocas guitarra y compones? Cómo surge la inspiración para hacerlo?

Con la guitarra partí a los ocho años y no vine a componer en serio sino hasta los veinte. No me atrevía a cantar, había algo en mi voz que me incomodaba, ese leve toque a niño que hay en las voces poco trabajadas. La verdad no me gustaba nada, pero aún así grabé un par de cosas que luego subí al myspace. Cuando eso sucedió, entonces pasé de la creación de guitarras, que era lo que consumía la mayor parte de mi tiempo, a la escritura de letras. Recuerdo que hubo un momento en que sentí mucho pudor, que fue cuando pensé en que estaba diciendo cosas de verdad personales y creo que me dio también un poco de miedo exponer tanto algunos sentimientos un poco privados hasta ese momento. Con el tiempo fui adquiriendo más seguridad y perdí esa vergüenza a expresarme. Eso me entregó muchas más libertades al momento de escribir, aunque el móvil continuó siendo innegablemente el amor y todo lo relacionado con eso ¿de qué más se pueden hacer letras hoy en día?, jajajaja.

Reconoces alguna influencia en tu música? Cuáles?

A ver, no quiero extenderme la verdad, pero para ser breve diré que en lo que ahora estoy trabajando con PONK hay un sonido folk en proceso, muy influenciado por The Dodos, Sigur Ros y quizás algo de pop que no logro definir muy bien de dónde viene. Pero eso es como una instantánea del panorama actual, si vamos a las generalidades me voy a referir a un tema, que es el que me impulsó a pensar en que quería hacer música y en cómo quería que sonara y este fue The maid we messed, de Matt Elliott. Creo que la idea de partir desde algo simple y empezar de a poco a llenar todos los espacios es realmente un tema en mi vida, y lo exteriorizo mucho en la música que hago. Me gusta el vértigo, disfrutar el crecimiento de la música, la mezcla de guitarras, sentir cada sonido y que existan esos detalles que al descubrirlos te hacen querer volver a escuchar. Por otra parte, algunas letras reciben fuertes influencias literarias, especialmente de Alejandra Pizarnik y no puedo negar lo mucho que mi formación científica ha influido en mí, porque he aprendido a sorprenderme de lo perfecto que es todo y he vuelto un poco a este estado de infancia en que el universo entero se vuelve algo nuevo. El redescubrimiento ha sido una inagotable fuente de inspiración.

Actualmente estás lanzando un EP junto a PONK. ¿Cómo ha sido trabajar con ellos? ¿Tienes en mente realizar un disco en el futuro?

Trabajar con ellos es gratísimo. Son personas simpáticas, talentosas, acogedoras, muy respetuosas con mi opinión al momento de tomar decisiones y profesionales al máximo. Creo que con ellos he ido avanzando de manera importante, pero la idea de hacer un disco pronto no me convence. Pienso que tengo muchos temas pendientes conmigo y mi música. Aún me muevo entre ideas que recién empiezan a converger, pero no lo suficiente. Primero hay que dejar andar el single, el video, el EP, tocar un poco más y después volver a repasar en el material que hay, siempre pensando un poco en dejar madurar la música y lo que a mi me pasa con ella también. Hay tiempo.

También realizaste junto a nuestro equipo de Tapiz un videoclip de la canción “Va”. ¿Qué te pareció esa experiencia?

Entretenida! Fue muy raro al comienzo, me sentía un poco incómoda, no sabía qué tenía que hacer, ni cómo hacerlo. Pero había mucha buena onda en el ambiente como para pasarlo mal por eso, así que al poco rato ya estaba completamente entregada en mi papel de mina un poco herida, un poco aburrida, disconforme quizás. Me encantó cómo se llevó a cabo la grabación y también la forma en que se concretó la idea. Cuando miro el resultado pienso en que el video no podía ser de otra forma.

Finalmente, tienes planes para el futuro? Cuando podremos escuchar tu música en vivo?

No me gusta mucho la idea de planear demasiado el futuro, porque la verdad es que nunca me ha resultado un plan. Tengo ganas de viajar, por razones de estudio y de ocio igual, y me gustaría aprovechar esos viajes para tocar un poco fuera de Santiago y fuera de Chile, si es que en algún momento mi música llega a gustar en otra parte. Siempre estoy componiendo, así que también quiero ir renovando el myspace (myspace.com/deplasticoverde) y ojalá aparecerme un poco en vivo. Ya toqué el 5 de Febrero en Matucana 100, taloneando a Javier Barría, y el 28 de Enero en el Bonita IndieBar, en Viña. También existe la posibilidad de tocar en Concepción, pero aún no existe fecha para eso.

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La música que ustedes tocan es un pop relajado, como un electro pop, pero después de todo lo que me han dicho no sé qué nombre ponerle al estilo que tocan.

Victoria (V): Yo creo que la palabra electropop pasó de moda. Cada vez que digo que hago electropop me dicen “naa… pop chileno”. La cosa es que es pop porque se dice que es la música más procesable, no son canciones muy largas.
Alejandro (A): Son bailables
(V): Claro son bailables
(A): Se prestan para remixes
(V): Si pones a una persona mayor tampoco se estresa, puede ser muy ambiental.
(A): Son melódicas.

¿Qué opinan del tipo de música que ustedes tocan que es más digerible, procesable como ustedes dicen, les acomoda mucho?

(V): A mi me acomoda muchísimo el tipo de música. Cuando compongo no me planteo “voy a hacer algo que a la gente le guste”. No. Hago lo que me sale. De hecho soy baladista yo creo, inicialmente, y después las canciones terminan de otra manera.
(A): A nosotros nos gusta lo acústico, darle la potencia de lo acústico a algo que tiene fundación electrónica. Yo creo que no son excluyentes ambos mundos (lo acústico y lo electrónico). Y claro, como dice Victoria, se es más baladista, pero las canciones se van haciendo solas. Tú tienes una frase que es muy bonita, que me gusta mucho…
(V): Ah! “Uno no las hace, ellas te dicen como son”
(A): Las canciones
(V): Las canciones te vienen
(V): claro. Yo nunca me he propuesto hacer una canción pop, en que sea pegote. NO. Simplemente, en el momento en que me estoy quedando dormida, empiezo a escuchar una melodía, escucho los coros, escucho la instrumentación, escucho todo. Y me levanto y grabo para que no se me olvide, y así empiezo a armar las canciones. A mi me hace feliz hacer las canciones de esa manera, ¡te llegan!

Llevándolos para otro lado. ¿Qué significa ser mujer y estar haciendo música, Francisca?

(V): Al principio para mi fue difícil adaptarme. Porque yo llegué a Vegas, por ejemplo en el año 2003, porque llamaron a audiciones.
(A): Así la conocí
(V): Y yo era súper polla, eso fue lo difícil. No tenia idea de cómo funcionaba una banda, todos eran un poco más grandes que yo (tenía 24 años), era la única mujer. Pero ahí me encandilé y me dije “esto es lo mío”. Es más masculino el mundo, las mujeres son como las regalonas.
(A): Creo que tú has sido súper ejecutiva. Desde el momento en que se armó Victoria Mus has tenido que correr para todos lados, ir a mostrar los discos en persona. Y estás bien sola, te ha tocado hacerlo siempre tú.
(V): Después pensé que esto tenía que funcionar y busqué a alguien que me agendara tocatas, tiré mails y me respondió un manager que es Maxi Rodriguez, el manager que ahora está con Inestable, Mawashi y conmigo.

DE VIDEOS Y DESCARGAS

Tienes tu video, De Cordillera a Mar, en YOUTUBE y estás en PONK…

(V): Bueno, los chicos de PONK eran mis compañeros de Vegas y llegué ahí porque de una u otra forma siempre hemos estado relacionados. Sokio me produjo el disco cuando volví de méxico…

PONK tiene un sistema que es para descargar gratis. A ti no te pasa algo viendo que llevas tal cantidad de descargas y que quizás esas las podrías haber cobrado.

(V): Lo que pasa es que hoy ¿quién paga por la música? Nadie. Es idealista estar pensando en eso de que alguien te descubra, que te meta a un sello, que te vendan el disco, que te hacen todo. En el fondo es la adaptación para sobrevivir, y me parece fantástico.

(A): El concepto Indie es bien importante, no podemos hacer la vista gorda. Es muy iluso pensar que vamos a ganar dinero solo con la venta de discos. Hay que pensar en las tocatas, en otras cosas. Si a la gente le gusta el producto igual va a comprar el disco.

¿En ese sentido cómo lo hicieron con el video?

(A): Fue muy fortuita la manera de llegar a la productora, Quijote Films.
(V): A los chicos de la productora les interesaba mucho hacer un video clip, sabiendo que a ellos no les podíamos dar mucho dinero, pero finalmente fue un excelente producto y terminamos siendo todos amigos. Es una joyita.
(A): Ahora el video se está moviendo harto. Está en Sub TV, está en MTV.
(V): En la programación nocturna, pero está. En Via X…

Bueno, cuáles serían sus palabras finales

(V): Bueno la propuesta de Victoria Mus es esta, humildemente: intentar hacer electrónico con acústico, que las canciones no sean estáticas, que la letra le llegue a la gente…
(A): Y la frase para el bronce tuya: que las canciones uno no las hace, ellas te dicen como son.

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Mientras conversábamos con Pioline, los productores se encargaban de ornamentar el lugar. Una gran alfombra roja tapizaba el suelo para dar la bienvenida a los invitados. Faltaba poco más de una hora para que subieran a escena pero la gente ya comenzaba a llegar.

¿Dónde componen, tienen un lugar particular de inspiración?

“Ahh, sin duda París. Con su ruido, la gente, el movimiento, París nos inspira mucho. Tenemos un departamento en el centro de la ciudad y ahí componemos la mayoría de nuestras canciones pero también nos gusta estar en un lugar tranquilo para conectarnos con nuestro interior, encerrarnos y quedarnos solos… para escucharnos”.

La mayoría de las letras de Fantomatisme y de todos sus trabajos nacieron en ese departamento de París – y otras en Barcelona. Pero el proceso de producción de este cuarto disco fue distinto a los anteriores.

“Cuando llegamos al estudio no teníamos grabado ni un demo, solo teníamos las canciones escritas y alguna idea… ahí empezamos a crear”, recuerda la cantante mientras prende otro cigarro.

Fantomatisme es suave, como Armelle. En este cuarto desplazamiento por los sonidos de Holden nos encontramos con melodías un tanto más experimentales en comparación con las escuchadas en Chevrotine, acá la voz de Armelle se potencia en una espiral que envuelve, casi como un sedante.

La armonía a estas alturas se hace presente entre guitarra, voz y sintetizadores. La delicada pregunta Où sont vos bras, monsieur, nos sitúa en un viaje con imágenes de atardecer, al tiempo que La Carta, original de Violeta Parra, presenta el rock que esperábamos en Fantomatisme.
El equilibrio es preciso. De lo suave a lo áspero y con cambios oportunos de ritmo, el nuevo trabajo de Holden nos inmerge en un mar de ecos productores de ensoñación.

Pero nos falta la mot-clé, la palabra. ¿Por qué Fantomatisme? Un nombre que no nos dice mucho –y no solo porque está en francés. “Ah, fue muy raro. Yo estaba descansando, relajada, mientras leía un libro de Georges Perec (“Tentative d’épuisement d’un lieu parisien”) y de pronto en el medio de la página apareció esa palabra, ¡paf! Fantomatisme… entonces supe que tenía que ser nuestro título. Pero si quieren entenderlo bien van a tener que leer el libro”, nos desafía Pioline, riendo.

Holden au Chili

Más allá de que Cristóbal Carvajal sea chileno, el lazo que une a Holden con este país es fuerte: “Vinimos a grabar nuestro disco a Santiago, en un súper estudio”, comenta Pioline. Además de Fantomatisme, los franceses produjeron sus dos últimos LP en Santiago con el alemán Uwe Schmidt (Atom Heart), bajo el sello Gitano Records.

La banda realizó una extensa gira por el país entre el 1 y el 12 de octubre, pasando por ciudades como Puerto Varas, Temuco y Concepción. La idea es presentar Fantomatisme en el lugar donde vio la luz.

Además, Pioline confiesa sentirse muy tranquila acá: “Nos gusta mucho venir a Chile, venir a grabar y venir a tocar. Es distinto de París… tuvimos dos años locos de gira por Francia y otros lugares pero estar aquí, donde eres más anónimo, te da mucha tranquilidad”.

Pero ya no son tan anónimos, pues los fanáticos no cesan de llegar.

Armelle dice que conoce músicos chilenos interesantes. “Me gustan La Mano Ajena y Perrosky, mucho. Pero no estoy enterada de los artistas nuevos, este Cristóbal no nos cuenta nada”, bromea aludiendo al chileno. “El último que conocí y me gustó es, hum… ¿Gepe? Sí, muy bueno”.

Con un suave “chao” afrancesado Armelle se despide, cálida. La vocalista de ojos transparentes y perdidos se prepara junto a sus compañeros. El show está por comenzar.

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Gánate toda la energía de Picnic Kibun condensada en un disco debut que esperábamos desde el año 2007, cuando super45 los coronaba como la mejor revelación del año junto a Valentina Fel.

Hoy, dos años después tenemos, tenemos ante nosotros  “Fiebre Tagadá”, un torrente de ritmo y energía que ahora puede ser tuyo.  Si quieres ganárte el disco debes postear con tu nombre completo y tu mail, para que te podamos contactar si sales escogido.

EL GANADOR ES ISRAEL BUSTOS, feliz cumpleaños

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LOS GANADORES:

1. Fernanda
2. fabián mora
3. Israel Bustos
4. Camila Alamo
5. Simon loayza
6. Jorge Molina Martínez
7. Cynthia Shuffer
8. Camila Núñez
9. Yadir Gómez -
10. Gerardo Figueroa
11. Oscar carrasco Mendoza
12. Alondra Machuca
13. Pancha Vera
14. Barbara Contreras
15. Cristian venegas
16. Macarena
17. claudia carrasco
18. Cristian Campusano Guzmán
19. Francisca Vargas
20. Kattherine San Martín
21. jocelyn aguilera
22. Marlyam
23. Cristian Carrawsco F.
24. Rodrigo Valenzuela
25. Rafa saikofan
26. JOSE JARA RAMIREZ
27. Maria
28. Alberto Sepúlveda H.
29. Ximena Henriquez Herrera

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