Nea, te hemos visto en muchísimas colaboraciones y en diferentes estilos. Cuéntanos cómo ha sido ese largo proceso en el que también desarrollaste una veta de dj y cómo han influenciado todos esos proyectos tu propuesta en solitario. Sabemos que la respuesta puede ser muy extensa, pero adelante!

A ver… Yo dejé la universidad a medio camino y me puse a trabajar en Casa Club que era un lugar de encuentro de música alternativa. Ahí conocí a varios djs, estaba fascinada conociendo diferentes corrientes y estilos. Me puse a juntar mis discos también y empecé a mezclar en casa y hacer mixtapes, ya tenía mis tornas (mesa) marca chancho y unos vinilos con los que jugar. Pero después caché que me gustaba mucho poner música y llegaron las technics, sus fiestas caseras y un montón de vinilos instrumentales con los que hice muchos shows en USA con un rapero que me apañaba freestyleando. En ese tiempo iba y volvía de USA con más vinilos y práctica.

Acá en Chile, le compré un drum machine a Vicente Sanfuentes y empecé a jugar bastante en componer autodidactamente, a jamear con mis amigos y coleccionar instrumentos. Luego viviendo con Pedro Subercaseaux y Sebastián Silva me sumergí en el mundo creativo de CHC y di luz a mi carrera sobre los escenarios. Cantando y grabando con los chiquillos me di cuenta que era lo que más me gustaba hacer y lo que más quería desarrollar. Después tuve la oportunidad de grabar para Yaia, Los Mono, y dos discos más de CHC.

Conocer cómo trabajaban mis amigos, conocer máquinas, equipos, los cables, los ensayos, los sonidos, las grabaciones, el mix, fui juntando una maleta de experiencia y claro, siempre en casa componía y tocaba algo desarrollando así mi sonido propio. De hecho no tenía la ambición de sacar nada en ese minuto, pero en una exposición que hice tuve la iniciativa de regalar cien demos con seis canciones que compuse en mi casa y noté que algunas personas habían enganchado con los temas que había preparado, aunque fueran muy simples. Tanteando de esta forma me di cuenta que era lo próximo por hacer, mi disco… que nervio no?

Así como tus colaboraciones son de estilos muy variados, tus canciones en solitario también son bastante heterogéneas pasando desde los recursos electrónicos hasta propuestas más orgánicas y acústicas; incluso a veces se percibe un dejo de folk en las cuerdas. ¿En qué registro te sientes más cómoda y como te enfrentas a esa diferencia?

Mis gustos musicales han viajado por distintas influencias y sonidos. Partí poniendo mucho hip hop como dj, pero encasillarme y profundizar en una corriente no me era muy atractivo, fui de fiesta en fiesta conociendo qué ponían los otros djs, qué le gusta a la masa, qué le gusta a la escena under, oyendo bandas aquí y allá, investigando on line….en el fondo oigo música todo el día y tengo claro lo que me gusta y lo que no. Pero como decí tú es súper amplio el espectro de música que me gusta, entonces me propuse jugar por ahí, estaba claro que podían nacer temas interesantes en medio de todas estas distintas ondas y estilos.

En mi casa de chica había un piano y siempre tuve clases, me acuerdo que la profesora me decía ‘tú no lees la música, sólo oyes’, y creo que es así, desarrollé oído. La batería me vuelve loca; las guitarras me alucinan; el bajo, la media onda…pero recién agarré onda con tocar las cuerdas, es una constante para mí la de tocar y tocar aprendiendo sobre la marcha. Hubiera soñado con haber estado en escuela de música desde chica, y ahora tendiendo los instrumentos a mano y amigos pro aprovecho para ir aprendiendo. Por ejemplo al grabar no tengo problema con hacer un par de armonías y ponerle delay a las guitarras y que quede sonando rico, de hecho las melodías más simples me han servido para componer los temas más lindos. Es con la guitarra y el teclado que parto componiendo.

Hay algo africano en mi gusto y en mi sangre, las percusiones me estimulan bastante y las máquinas análogas, también.

A veces haces composiciones sin voz, como en ‘Glad to be sad’ o en ‘Deep heat’. Sin embargo tienes una voz bellísima que pudimos ver en la colaboración en ‘Efectos Espaciales’ (lejos la mejor canción del disco, de hecho) y también en temas tuyos como ‘Nexxtwo’ y ‘Abre la puerta’. ¿Cómo llegas a decidir si cantar una canción o no?

Yo disfruto mucho componiendo. Reconozco que mi gran herramienta es la voz y es lo que más he trabajado, pero descubriendo programas en el computador se me hizo un mundo infinito de posibilidades para componer y creo que a veces las palabras limitan mucho una canción, al tiro es un concepto. Las canciones instrumentales permiten viajar por matices de sensaciones y emociones, cada uno viaja hacia donde quiere como yo también lo hago cuando compongo música.

Igual escribir letras me gusta mucho, pero sólo para algunas canciones, ojalá no todas. También me gusta la voz con efectos y sin palabras, ruidos con la voz me llaman mucho la atención. El silencio suele ser lo más bello también, y atreverse a dejar esos espacios es genial, sin letras y sin muchos recursos.

Cuando estoy haciendo una canción hay espacios que me piden a gritos un poco de letra y de voz, y otros momentos que me gritan ‘sigue con los teclados’. Soy bien intuitiva también.

Y entonces, ahora, ¿Qué se siente despegar en solitario en un proyecto en el que tú eres el único rostro visible y donde todas las decisiones pasan por ti?

Creo que es el momento perfecto para esto. A ver, pasado un tiempo trabajando tras las cabezas de otros en otros grupos, y trabajar como instrumentista ha sido bonito e importantísimo, pero a la larga me dieron ganas de hablar por mí sola y mover mis propias composiciones. Mover a siete personas como en CHC y llegar a acuerdos, y entender que habían personas con más derecho que otros en las decisiones en cuanto a la estética y a la música, me llegó a latear un poco igual porque es difícil. También con Los Monos nos fue increíble en un momento, con el video y con el disco, y surgían las medias oportunidades, pero nos agarró en un momento complicado porque cada uno estaba en sus proyectos. Estaba demasiado claro que tenía que dedicarme a mi propio cuento también, como mis compañeros.

Mira, definitivamente mi carrera es la música. Por ende tengo que darle para adelante, esa es la onda. Creo que netamente se trata del siguiente paso de crecimiento personal que debo hacer y dedicándome a esto ahora siento que es el mejor momento de mi vida.

¿Influyen de alguna manera tus obras plásticas y tu carrera como artista visual en la música que compones?

Todo influye, desde como dormí anoche, lo que comí ayer, el clima, los colores, el collage que hice hoy y el tema que compuse ayer….el arte va con la música, y la música con el arte, en el día a día. En general trabajo las cosas a la par, mi pieza está llena de obras de artistas nacionales a quienes admiro, me hace feliz estar rodeada de arte y hacer música inspirada por ese ambiente. Haciendo collage escucho música y voy viendo los tracks que me gustan para colocar en las fiestas, por ejemplo. De hecho trabajando mis rollos plásticos es cuando más puedo escuchar música y es el tiempo que necesito para dedicarme a oír canciones y bandas que me interesan. Van perfectamente de la mano la plástica y la música para mí.

Claro, también está la idea de hacer una animación de collage para algún tema del disco. En general mi lema es cortar y pegar, hago lo mismo en la plástica que en la música. Yo veo a la música como un collage de imágenes igual que mis obras visuales. Y al mirar una obra también se puede escuchar la música de la historia que se observa.

Finalmente, ¿Qué podemos esperar del disco que editarás como solista y cuando podremos escucharlo?

Decidí, por todo lo que le queda para terminar, lanzarlo en marzo, aunque fue compuesto y elaborado completamente en el 2008. A ver, será un disco de diez canciones hiper ricas que fueron grabadas con mucho esmero, están sonando filete porque le hemos dedicado su tiempo y trabajo y Cristóbal Carvajal , el co productor, ha tirado todo a la parrilla para que quede sonando profesional.

Yo tenía mis humildes maquetas que se han transformado en los ricos grossos temas gracias a él. Como ya les conté, mi gusto diverso ha hecho que este disco también tenga un poco de todo, desde un tema electro-instrumental a otro acústico, como también otros hits terribles de prendidos, muy pop.

¡Es tan rico llegar directamente al público! Dar la cara por otros grupos ha sido lindo, pero nunca tanto como expresarme directamente desde mi corazón, cuerpo y alma hacia fuera.

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Rafael, ¿Cómo surge la idea de crear Sensorama 19-81, y qué te hizo llevar a LP lo que ya se había planteado en el EP homónimo del año 2007?

Hace un par de años me empecé a dar cuenta de que muchos de los temas que estaba componiendo seguían una misma línea y compartían varios elementos en común, como el hecho de que todos esos temas eran instrumentales, que a través de ellos intentaba plasmar ciertas imágenes, que al momento de estar componiéndolos no me restringía a la hora de elegir instrumentos; básicamente, que en todos esos temas el fin justificaba los medios y cualquier recurso era válido para conseguir la sonoridad que buscaba en cada uno de ellos. Lo primero que hice fue mirar en retrospectiva mis composiciones y separar aquellas que sentía que pertenecían a esta línea y luego busqué un seudónimo que las representara. Después seguí componiendo temas para Sensorama 19-81 pero ya con las ideas mas claras con respecto a lo que quería hacer, y de esa forma con temas nuevos fui perfilando el proyecto.

Ya a principios del 2007 tenía muchos temas compuestos y elegí algunos para subir al myspace que mis amigos me convencieron de crear para empezar a sacar a la luz el proyecto. Por asuntos de plata y tiempo yo sabia que durante el año 2007 no iba a poder grabar mi primer disco, así que decidí escoger 4 temas que en conjunto representaban muy bien lo que estaba haciendo, y les agregué una introducción y un final para redondear de esa forma el EP homónimo. Luego, hacia fines de año terminé de componer y arreglar los últimos temas y me senté a escoger dentro de una gran cantidad de material que tenía los temas que darían forma a este primer disco; dejando así los 12 temas que lo conforman.

¿Cuál es tu aproximación con la música (estudios) y desde dónde compones (desde la academia, desde una inquietud personal, desde imágenes… etc), bajo qué parámetros y con qué fines? … Muchas preguntas en una…

Cuando chico estuve 3 años en clases de piano clásico, esa fue la primera aproximación que tuve con el estudio de la música. Luego a los 14 tomé clases de guitarra eléctrica y un poco de teoría con un primo, y estuve así como dos años y medio hasta que decidí seguir por mi cuenta. Ya a los 17 años, edad en que empiezas a pensar que vas a hacer cuando salgas del colegio, tenía claro que quería dedicarme profesionalmente a la música y para eso sabia que tenia que estudiar una carrera ligada al área para entrar en el medio y mantenerme siempre componiendo y tocando; tenía pánico de volverme un aficionado a la música o un músico de fin de semana. Estuve un buen tiempo dudando en si estudiar composición o ingeniería en sonido, pero al final terminé entrando a la carrera de Composición y Arreglos en la Escuela Moderna porque sabía que en ingeniería había calculo y algebra y yo estuve a punto de repetir cuarto medio por matemáticas, así que descartado (risas).

Por otra parte, la forma en que compongo depende exclusivamente de qué es lo que estoy componiendo. Si estoy haciendo música en estilo utilizo ciertas herramientas propias de esa música, ya sea en alguna canción pop o rock, algo más folclórico, algo mas jazzero, algo mas docto etc…, pero en general la composición en estilo se da principalmente en entregas para la escuela, porque en mi casa compongo casi solamente música para Sensorama 19-81 y música de corte electroacústico y experimental.

Las composiciones de Sensorama 19-81 se inspiran principalmente en imágenes y sensaciones que quiero plasmar en un espacio en que sólo existe el silencio; esa sería mi tela en blanco. Jamás mezclo la academia con mis proyectos personales porque creo que hay que saber separar bien lo que proviene de uno mismo y lo que proviene de un libro. Me gusta mucho estudiar elementos de la música como la armonía, el contrapunto, la historia de la música, las herramientas de composición usadas en distintos estilos y el análisis, pero es mas bien un interés por aprender y por tener conocimientos del área en que me desarrollo más que para usarlas en mis trabajos personales. El conocimiento no suprime la espontaneidad, ni la sensibilidad ni la búsqueda personal, sólo hay que saber separar ambas cosas hasta el punto en que uno se sienta más cómodo.

Al momento de componer para Sensorama 19-81 no defino límites ni me autoimpongo parámetros, no trabajo con fórmulas ni técnicas a nivel general, cada tema tiene su propia fórmula y proceso creativo que es irrepetible, porque con cada tema compuesto uno va madurando musicalmente y las perspectivas van cambiando al igual que las expectativas sobre lo que se pretende lograr.

Al momento de componer tengo como fin el poder fusionar la necesidad de expresión y de comunicación con mis inquietudes estéticas; creo que ambas cosas tienen que ir de la mano para sentir que estoy desarrollando mi propio lenguaje y discurso musical con contenidos que no puedo expresar a través de otro medio, y que tienen que ver principalmente con mi vida personal y con mi percepción de la realidad.

¿Cómo podrías definir tu sonido y tu forma de comprender la música?

La verdad es que es difícil definir un sonido porque hablamos de un elemento muy subjetivo que es complicado de traducir a un concepto. Objetivamente podría hablar de ciertas características de éste, como la mezcla de instrumentos acústicos con otros electroacústicos y electrónicos, el uso de sonidos concretos procesados, la superposición de distintos planos que van desde la melodía principal hasta ciertos arreglos casi imperceptibles, la mezcla de una variada gama de influencias a nivel estético, la tendencia a mezclar sonoridades orgánicas y a veces incluso crudas con otras mas frías y toscas, etc…

Al fin y al cabo creo que estamos hablando de música popular en un contexto post-modernista, donde todo se recicla y reutiliza con el fin de lograr una forma de expresión con una estética contemporánea y a la vez íntima y personal, basada principalmente en la destrucción, recolección y reconstrucción.
Por otra parte, creo que en mi caso personal la comprensión de la música se da en distintos niveles, y eso depende de que tipo de música esté escuchando y bajo que contexto. Cuando compongo suelo detenerme y hacer distintas lecturas de la música dependiendo de cual sea mi inquietud del momento. Si mientras trabajo me doy cuenta de que estéticamente voy bien encaminado pero creo que se ha perdido la esencia de lo que originalmente había planteado, entonces paro y me dedico a escuchar una y otra vez la maqueta hasta descubrir el proceso que me hizo desviarme, busco soluciones, lo corrijo, y en el mejor de los casos descubro un nuevo camino que apareció sin darme cuenta y cambio el rumbo de lo que originalmente tenía propuesto, lo que hace que la composición se vaya actualizando constantemente y evolucione paralelamente siguiendo mis cambios de estado de ánimo, preocupaciones extramusicales y las inquietudes estéticas del momento.

En ese sentido esa lectura que le estoy dando es una dentro de muchas otras, que en conjunto me ayudan a comprender desde distintos puntos de vista lo que estoy haciendo, y que se aplican desde el momento en que parto hasta semanas después de que termino.

¿Qué influencias te han orientado en tu propia forma de componer? ¿Cuáles serían tus discos de cabecera? ¿Por qué?

Hace ya algunos años me empecé a dar cuenta de que toda la música que escuchaba me influenciaba de distintas formas a la hora de componer. Creo que es limitante el acto de componer teniendo en mente referentes puntuales. De forma natural he ido almacenando información en una especie de baúl en mi cabeza, donde quedan registrados todos los elementos que me parecen interesantes de distintos tipos de música, que va desde el canto gregoriano, la música étnica, toda la tradición de la música docta incluyendo la música contemporánea, la música electroacústica, experimental, algunos estilos del jazz, el blues, el rock y todos sus derivados, el pop etc… Me gusta mucho escuchar distintos tipos de música porque cada uno tiene distintas cosas que aportar a este ‘baul’. Luego al momento de componer simplemente voy reutilizando estos elementos de forma inconciente con el fin de producir ciertos efectos que quiero lograr. No suelo analizar mis temas mientras estoy trabajando; generalmente eso lo hago tiempo después a modo de ejercicio y me he encontrado con varias sorpresas. A veces me he dado cuenta que para cierto pasaje especifico de un tema utilicé, por ejemplo, líneas contrapuntísticas muy de Bach sobre progresiones de acordes absolutamente pop, con una base rítmica más soul y guitarras con distorsión estridente a lo Sonic Youth. Todo depende del resultado final al que quiero llegar, y cualquier detalle de cualquier tipo de música es válido.

Por lo mismo, mis discos de cabecera siempre van cambiando; generalmente tengo al lado de la radio unos diez o quince discos que escucho por unas dos o tres semanas y que de a poco voy reemplazando por otros. Alguno de los discos que he estado escuchando últimamente son ‘Gone with the wind’ de Dave Brubeck Quartet, ‘Mind Games’ de John Lennon, la banda sonora de ‘Un hombre y una mujer’ de Francis Lai, ‘A thousand leaves’ de Sonic Youth, ‘Neu 2′ de Neu, ‘World as will’ de Karkowski & Furudate, ‘Antics’ de Interpol, ‘Esencia + Música’ de Piazzolla, ‘Electrodynamics’ de Dick Hyman, ‘Parklife’ de Blur, etc…

¿Cómo ha sido el proceso de la creación del disco, siendo evidente que detrás hay una producción bastante grande que te obliga a recurrir a orquestas y a diferentes tipos de sonidos? ¿Cómo es trabajara al margen de los sellos y en contra de lo que se entiende por “comercial”?

Cuando decidí grabar este disco me propuse grabar todos los instrumentos de verdad sin usar sampler, a excepción de los sintetizadores y pianos eléctricos que son casi imposibles de conseguir. Esa es la gran diferencia de los 4 temas que aparecen en el EP homónimo con sus respectivas versiones en el disco; la batería, el bajo, el contrabajo, el cuarteto de cuerdas (violines, viola, cello) y el piano acústico son de verdad. Además hice arreglos nuevos para esos 4 temas y por otra parte agregué un tema con saxo tenor de verdad (‘Fantasmas a las 6.:00 am’), tema que no hubiese incluido sin un saxo real.
En el proceso de pre-producción tuve que conseguir músicos invitados y músicos de sesión, escribir las partituras de cada uno, entregarles las maquetas, solucionar dudas etc… Fue bastante difícil coordinar las horas de grabación con la disponibilidad de los músicos. Tuve que arrendar una guitarra eléctrica y un amplificador para que el sonido fuente fuese bueno, tuve que conseguir algunos micrófonos prestados, el piano de cola de la Escuela Moderna, que fue un cacho conseguirlo, y también la sala de estar de la casa de un amigo en donde grabé las cuerdas y el saxo por tener un lugar acústicamente aislado e ideal para grabar. Conseguir las cosas y organizar todo me desgastó bastante pero fue una buena experiencia porque aprendí como hacer las cosas de forma más fácil.
La grabación se realizó entre enero y marzo y fue súper entretenido porque de partida nunca había escuchado mis temas tocados por instrumentos de verdad. Pese a que muchas sesiones fueron muy difíciles y agotadoras porque a veces pasábamos tardes completas grabando una misma línea aprendí mucho de cada uno de los instrumentos que dirigí; definitivamente todo el trabajo en conjunto a los músicos fue muy constructivo. Lo más complicado fue la grabación de las guitarras porque yo estaba a cargo del computador, los micrófonos y los pedales de guitarra, además de tener que tocar, y todo eso en mi escritorio que es chico, aislado, con muchos equipos encendidos y a pleno verano; parecía un sauna. Además que me puse demasiado perfeccionista y me dio por grabar cinco o mas veces la misma toma para después elegir la mejor, y como es común, las primeras siempre eran las mejores.

Luego de grabar me dediqué a editar algunas cosas y a trabajar en los efectos de sonido que están en el disco.Durante abril y agosto se realizó la mezcla en los estudios Triana, a cargo de Alex Anwandter (Teleradio Donoso). Fue un proceso largo pero mucho más relajado para mí porque ya había una segunda opinión con respecto a todo, y eso te libera bastante. Fue bastante agradable trabajar con Alex porque aparte de que tiene buen gusto y maneja bien los equipos el ya conocía música mía y mis intereses musicales.

Haciendo una retrospectiva creo que fue una gran experiencia el hecho de haber sacado el disco por mi cuenta al margen de los sellos. El hecho de no trabajar con un productor me obligó a hacerme cargo de los músicos invitados y de sesión, de conseguir y coordinar todo, y de hacerme cargo por completo de la grabación. Por otra parte aprendí mucho trabajando con Adrian Benson en el arte del disco. Antes no tenia idea cuales eran las diferencias entre impresión digital, offset y serigrafía, del gramaje de los papeles, de cuando un color se revienta etc… Personalmente tuve que ir a las imprentas a revisar las pruebas de color del digipack y arreglar cosas en Photoshop. La página web la hice yo sin tener ningún conocimiento previo. Adrian hizo el logo pero yo tuve que aprender en una semana a usar el Dreamweaver y el Flash para sacar la pagina adelante.
Luego tuve que redactar el comunicado de prensa y llevarlo uno por uno a cada periodista. En fin, fue mucho trabajo pero la recompensa fue mayor, y agradezco no haber trabajado con un sello porque hubiese perdido la oportunidad de aprender a hacer muchas cosas. A futuro sería bueno que alguien se encargara de algunas cosas ligadas más a la producción ejecutiva, y sobre todo, que alguien se la juegue y ponga sus lukas porque quedé tan endeudado que voy a aparecer en Dicom, jaja.

En fin, el hecho es que se puede sacar un disco solista trabajando harto, es mucho trabajo, pero no hay excusas para no hacerlo.

Rafael, finalmente, ¿Qué esperas de la reacción del público nacional frente a tu música y cuándo podremos verte en vivo?

La verdad es que me gustaría poder acercar la música instrumental a las masas y poder generar la costumbre de sentarse o tenderse cómodamente a escuchar un disco de principio a fin. Siempre es bueno escuchar música para cantar o tararear, para bailar, para escuchar en la calle, para estar con amigos etc., pero poca gente se da el tiempo de escuchar un disco completo como método de relajación, para pensar, imaginar y soñar. Personalmente, todos los días pongo uno o dos discos completos mientras estoy tendido sobre mi cama mirando por la ventana, y me hace muy bien.

Con este disco quiero difundir mi proyecto y mi forma de hacer música, por lo mismo en la pagina web está disponible la opción de descargar íntegramente el álbum en la mejor resolución del formato mp3, porque quiero que no existan barreras económicas para poder acceder a la cultura; el disco esta inspirado en nuestra sociedad y de esa forma quiero retribuir con mi trabajo. Por supuesto que me gustaría que la gente que puede pagar cinco lukas por un disco original las pague, porque el trabajo de un músico es como el de cualquier otro profesional, no veo la diferencia ya que todos tenemos necesidades. Un amigo se reía de mí por haber puesto la opción de donar plata a través de Paypal por descargar el disco, pero me interesa crear la costumbre de pagar por la cultura, aunque sean 2 dólares por descargar el disco completo.

Por otra parte me gustaría que la gente le perdiera el miedo a la música instrumental, que usualmente la relacionan con la academia. Mucha gente dice: ‘es que yo no se nada de música’ o ‘no entiendo de que se trata’, y básicamente no hay nada que entender porque cada uno es libre de opinar y hacer sus propias interpretaciones independiente de la cultura musical que se tenga.

Me gustaría mucho que la gente posteara en el fotolog, en el grupo de facebook, en myspace o a través de un mail, contando cual es su opinión del disco y de que forma se relacionan con éste. Yo creo que seria demasiado valioso que alguien hiciera eso, porque las reseñas de periodistas son buenas e interesantes, pero saber de qué forma le llega al público mi trabajo seria invaluable.

Por último y para finalizar la entrevista les paso el dato de que con el músico Andrés Nusser (Astro en el espacio) estamos preparando un set en conjunto que se basa principalmente en la improvisación con instrumentos electrónicos y electroacústicos a tiempo real. No vamos a tocar temas del disco porque queremos hacer algo mucho mas espontáneo, parecido al momento en que uno esta improvisando para sacar ideas para crear un tema.
Yo creo que a fines de año vamos a dar algunas presentaciones, y animo a la gente para que vaya a vernos, que inviten a sus amigos, que dejen los prejuicios a un lado y le pierdan el miedo a lo instrumental y más experimental porque nunca se sabe cuando algo te va a sorprender.

Web: http://www.sensorama19-81.com/Retrato de un desconocido.rar

Links:

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http://www.myspace.com/sensorama1981
http://www.fotolog.com/sensorama1981

Grupo en facebook: http://www.new.facebook.com/home.php#/group.php?gid=26653503263

Contacto: contacto@sensorama19-81.com

Ventas: ventas@sensorama19-81.com

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Evelyn, ¿Cuéntanos cómo fue qué te interesaste en la música?

A ver… fue desde muy chica, yo hice danza desde los once y ahí estuve siete años completos. A mi me encantaba la idea de show woman, era algo así como una Rafaela Carrá (risas). Me gustaba tanto que me puse como un adulto, terminé la adolescencia siendo súper rigurosa y como la danza es parecida a la milicia, para poder ascender, me esforcé mucho y estaba muy seria con ese proyecto. Todo era ultra profesional, yo siendo muy chica tenía clases todos los días de dos de la tarde a nueve de la noche y me vinculaba a diario con personas que experimentaban varias formas de arte, probé danza contemporánea, danza teatro y otras cosas más. Por ahí, por los ochenta, yo conocí a un músico, Juan Carlos Oyarzún, y a través de él conocí a Cristián Arenas que es con quien formamos los Christianes. Esa es más o menos la historia, de la danza al canto (risas).

¿Cómo fue el proceso de formación de la banda y de creación de las canciones de este, tu primer grupo noventero (risas)?

Fuimos probando un par de canciones y ahí viene el cahuín porque surgió el romance (risas). Hicimos un par de covers y para mi todo era muy entretenido, pero él se embaló, compuso varias canciones y ahí se lo mostramos a Christian Heyne, el tercer miembro de la banda. Ahí empezamos a trabajar duro. Igual era distinto el ritmo porque no era tan riguroso como la danza, pero tampoco era tan desordenado como la mayoría de los músicos así que nos acoplamos re bien. Sacamos un single y todo iba súper hasta que a EMI se le ocurrió ‘potenciar’ el medio chileno (risas). Esto es por ahí por el ’94. Ahí empezaron otros tratos, otros métodos, tuvimos que seguir reglas y hubo acuerdos que no nos convenían, ellos iban por una línea que no estaban de acuerdo a la línea que nosotros habíamos pensado…. Fue muy raro todo porque es típico de acá que tratan de encasillarte o ponerte en algún lugar para poder aceptarte, siento que el chileno es un poco así, te mira y te clasifica pa’ poder digerirte y poder decirte me caes mal o me caes bien. No pueden decir que estás creando sino que de frentón estás copiando de acá o de allá, muy de los periodistas hacer ese tipo de supuestas reflexiones. Yo sentí cierta odiosidad con nosotros, siempre estuvo ese mito de que nosotros éramos conflictivos y en el fondo el problema fue que EMI tenía prioridad por ciertas bandas y nosotros estábamos al último de la pirámide (risas). Recién después de que el single sonó mucho rato (seis meses en los primeros lugares!!) quisieron hacernos un video, pero rotó poco en comparación a la canción y en el fondo fue una mala decisión.

¿Y cómo es que se disolvió el grupo si eran tan buenos!!?

La EMI empezó a presionar directamente. Querían un segundo disco y nos hostigaban de una forma terrible, nosotros nos demoramos bastante en hacer el primero y no quisieron darnos ese tiempo para poder crear, así que como además éramos conflictivos, según ellos, decidieron eliminarnos.

¿Y por eso terminó la banda?

Sí, fue bastante crítico. Entrar al medio y ver cómo se manejaban las cosas fue intenso, sobretodo con respecto a nuestra actitud con respecto a las presiones, cada uno de nosotros tres reaccionó diferente y tenía distintas ideas con respecto a la creación. Yo creía que no era justo porque además no nos apoyaban y más encima nos coartaban; yo tenía la disposición de seguir pero los otros dos chicos estaban con sus propias decisiones y bueno, el grupo se disolvió.

¿Y qué hiciste desde ese momento?

Yo tenía mi carrera, pero en ese minuto no quería hacer de forma académica. Busqué nuevas formas de aprender y descubrí a una maestra, ella venía de Nueva York y yo comencé a trabajar con ella, era su ayudante y hacía clases en Arcis. Me alejé harto de esa experiencia musical; a la larga para mi era inexplicable que todo se volcara de un momento a otro y la gente haya cambiado tanto, para mi era chocante y no quería saber nada de la música.

Y en qué momento… estás en tu casa… tomas una guitarra… no sé

No, mira… si el vínculo con Cristian Arenas yo nunca lo perdí, de hecho era mi pareja entonces siempre tuve ese acercamiento a la música, pero nunca proyectando nada ni pensando en sacar un disco. Yo en Christianes tenía conocimientos muy vagos, así que con él fui aprendiendo porque el componía para mi y yo intervenía en lo que él hacía, era su musa (risas). Yo hacía cambios pero no creaba directamente, estaba en un proceso de aprender más que nada. De hecho era él quién hacía y componía las canciones de Christianes, yo aprendía directamente de él. Él yo creo que era un genio, y aunque suene cursi, como artista caía bajo crisis y presiones y es difícil sortearlo, si eres demasiado sensible no es fácil poder entender esas caídas sin un cable a tierra. No es fácil llevarte esas crisis y además que no es una sola y ya, es una tras otra, en el arte estás con una crisis tras otra, así es.

Y ahora, finalmente pasando a tu proyecto actual, ¿qué tan diferente es componer en solitario y trabajar en solitario?

Yo me desligué un poco de Cristian Arenas, fue mi maestro y absorbí conocimientos, aunque él no quisiera (risas). Compuse al principio solo texto y voz, porque intenté probar con músicos pero no resultaba, yo quería algo minimal y ellos no lograban mantenerse en esa línea. Y yo necesitaba que el proyecto fuese así, además la mayoría de los músicos son testarudos, o más bien machistas, entonces tratan de imponerte. Tú les dices ‘esta canción es así…’ y te dicen, no, mejor es así… y en fin, me vi obligada a tomar la guitarra y hacerme cargo de lo que estaba haciendo. Esto fue como hace cuatro años, y se me acalambraban los dedos, muy caótico todo como cualquier aprendizaje.

¿Y por qué la guitarra?

Porque es el instrumento que se relaciona más inmediatamente con los oídos, es más transportable… la calidez de la guitarra acústica creo que funciona con las canciones que yo me imaginaba. Poder estar en cualquier lugar y tocar mis canciones era mi meta, poder construir desde lo poco. Y aprendí con un ‘hágalo usted mismo’ (risas), resolví al principio como podía acompañar con guitarra algunas cosas que ya había escrito y seguí componiendo.
Llevaba años componiendo, más de 4, y al final me quedé con las canciones más pop porque las otras eran demasiado experimentales.

¿Y te acomoda la veta más pop?

Si, me encanta, me fascina. También tiene que ver con lo minimal, encuentro que es de una belleza inigualable una propuesta bien hecha y mínima. Además cuando eres pretensioso nunca alcanzas, nunca es suficiente. Acá la voz y la guitarra es todo lo que hay, así que la potencia de la voz es fundamental y además las letras también son re importantes.

Y ¿cómo te enfrentaste a ese proceso, a escribir canciones, a trabajar con el lenguaje?

Yo siempre escribí pero nunca le mostré eso a nadie porque tuve mucho miedo de la crítica del otro. Pero llegó un momento que yo necesité expresar algo, que además era muy íntimo. No quise ser pretensiosa, no quise ser un genio de la música sino sólo satisfacer la necesidad de ese minuto. Yo al componer voy uniendo en una misma cosa melodía y texto, es muy del teatro, sola cantaba e iba avanzando en las composiciones.

Escogiste diez canciones, ¿Este es algo así como un disco?

Mmm, sí, un conjunto de canciones, algo así como un demo. Cada una tiene una historia muy distinta, algunas se separan por casi 5 años o más, y sólo toco esas diez canciones en vivo además, todo lo demás quedó en un baúl guardado porque las puedo volver a reformular en el futuro, pero por ahora sólo estas diez me satisfacen y son esas diez las que voy a cantar ahora.

¿Cómo ha sido la recepción?

Ha sido buena. Yo hago mi trabajo en espacios muy íntimos, tengo un contacto muy cercano con el público y me gusta mantenerme en ese acotado espacio. Es un juego, es muy entretenido, se genera una complicidad porque las canciones se sortean y el público las va escogiendo. A veces algunas canciones tienen mejor recepción que otras, a veces ni siquiera son las que más me gustan pero esa es la gracia, que todos disfrutemos.
Era esa la idea al comienzo, de hecho me hice un myspace sólo porque me lo pidideron. Es muy curioso porque la gente dice que ‘estoy volviendo’ pero yo nunca me fui a ninguna parte, es muy raro ¡Que bueno que volviste! (risas).

¿Tienes pensado ingresar nuevamente al mercado con estas canciones?

Es que no me molesta en absoluto tener las canciones así. No es necesario tener el disco todavía, este andar es más cómodo para mi, pero claro, sería bueno tener las lucas y poder producir el ‘objeto disco’ porque como objeto tiene un valor, es como la concreción de una obra. Pero en verdad mi apego no es tanto con esas cosas, además el plus de Internet ahora es increíble.

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Respecto a su trabajo nos cuenta que “… como idea central me gustaría destacar que yo persigo la naturalidad, el gesto, la sensibilidad, la simpleza, la belleza. Esos son los conceptos que me mueven como fotógrafo, esa es mi propuesta estética…”

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Sokio, partiendo del principio, ¿cómo surge tu interés en la música y cómo deriva en un gusto por la electrónica y el pop.?

Mi primer disco de vinilo, ‘Let It Be’ (lo tengo desde poco después de nacer, un regalo familiar), supongo que fue el comienzo de todo. Vengo trabajando desde hace mucho tiempo, desde los primeros aparatos que tuve y comencé a intervenir. Mi primera computadora fue un Timex Sinclair, que convertí en una máquina de ritmos. De ahí, logre hacerme de un pequeño sampler y así fue como partí haciendo canciones. Pero siempre ligado a instrumentos electrónicos, más porque era lo que tenía a mano que por opción. Creo que fue un gusto “formado” por muchos años de escuchar sintetizadores. Nunca tuve nada especial con las teclas, pero si con los sonidos producidos por medio de la síntesis. Una de las primeras bandas que me gustó fue Depeche Mode, y de ahí el salto a Kraftwerk y cosas más raras, fue muy fácil. También se dio porque los amigos que comencé a hacer en ese entonces, tenían un gusto particular por ese tipo de música.

Cuál es la diferencia entre trabajar solo una canción y hacer un trabajo en conjunto, ya que en tu disco podemos observar estas dos formas. Yo, por ejemplo, me inclino por las del primer grupo que de hecho son la mayoría, temas como ‘Step’, ‘arriba’ o ‘Punquet’ son buenísimos.

Siempre me ha gustado colaborar. Ya sea buscar colaboraciones o participar de proyectos ajenos, ya sea remezclando, arreglando o produciendo. ‘Columbia’ es un disco bien ecléctico, justamente por las participaciones externas. Ellas me ayudan a ver las cosas de otro modo y encontrar soluciones que no vería de otra forma. Creo que necesito en un disco mostrar esas dos vías. A veces necesito componer solo, mantenerme aislado y explicar algo solo desde mi punto de vista. Hay otros temas en cambio que piden a gritos una voz, una letra o un arreglo de guitarra, nada planeado por mi. En ese sentido creo ser bien receptivo, y no me interesa ser el director de orquesta maniático. Si bien no quiero dejar cabos sueltos, me gusta la idea de que otro haga su parte y me lleve hacia otro lugar. Algo así pasó con “Pueblo”, donde Carlos Cabezas recibió una versión, él me entrego otra diferente, y la del disco, bueno, es otra aún más alejada del original que propuse.

También ocurre que ‘Columbia’ es un disco un demoró mucho en salir a la luz. Casi cuatro años. Hay temas que comencé a realizar mientras vivía en Río de Janeiro entre el 2004 y 2005. El tiempo restante lo usé para mejorar temas, grabar algunas voces (Dadalú, Cabezas, Argenis Brito), mezclar y masterizar. Cuatro años es un tiempo que puede volverte loco. Cada cosa que haces es una invitación a rehacerlo todo. Y eso ocurrió varias veces. El tema “Dinheiro” (en vivo en el video) tiene 11 versiones. Creo que el próximo disco lo enfrentaré un poco más relajado o, por lo menos, en un plazo más acotado.

También se ve la presencia de otros arreglos, otros instrumentos. Cómo te enfrentas a tomar esa decisión y decir si en tal o cual temas incluyes guitarra, voz o un bajo.

Creo que esencialmente soy un músico que no se limita a un sonido en particular. Si bien los temas del disco se acercan al electro, también son pop a la vez. Me gusta la guitarra y el bajo tanto como a todo el mundo. Pero no creo que sean obligatorios. Hay varios sonidos en el disco que parecen sintes pero que en realidad son guitarras bien procesadas. Quiero decir que, más me preocupa como suenan las cosas, darle una vuelta de tuerca, evitando repetirse. También me gustan mucho las cuerdas, quizás mas adelante trabaje con arreglos para violín y cello, quien sabe.

Ya nos mencionaste un par. ¿Cuáles son otras de tus influencias? ¿Cuáles son tus bandas favoritas?

Mi favorito de todos los tiempos es Wire. De hecho fue gracias a conocerles que comencé a hacer música profesionalmente. Fue el disco “A Bell is a Cup” del año 1988. Ahí comencé a buscar todo de ellos. Otras influencias importantes son Philip Glass, Klaus Nomi, Depeche Mode, Bauhaus, Ride, Kraftwerk, Nitzer Ebb, Abba, Duran Duran, cualquier cosa de Vince Clark, Ellen Allien, Barbara Morgenstern, Panico, Indice de Desempleo, Freddy Musri, Mika Martini, Materia Prima, Djef, Simian Mobile Disco, Daft Punk, Karine Alexandrino y Otto.

Cuéntanos cómo fue sacar adelante tu proyecto, y cómo has percibido la recepción de tu trabajo en tu entorno y en el medio.

De alguna forma la parte simple es hacer la música. Ha sido buena la recepción, nunca esperé encontrar tanta gente que pudiera disfrutar de mi trabajo y eso me alegra. Ahora, hacer llegar tu música a los medios es una cuestión de mucho trabajo, sobre todo si no tienes una maquinaria acompañándote. No tengo una productora, por lo que parte del trabajo lo repartimos con mi hermano Daniel Díaz, quien además es mi socio en Ponk.cl, nuestro sello. También hemos tendido colaboración de diversas personas que nos han ayudado a abrir puertas y eso es algo que no puedo olvidar. Es una recompensa por tanto tiempo dedicado a este proyecto. La prensa también ha hablado del disco de buena forma. También importante es lo que ha ocurrido con “Así tal cual”, el tema junto a Dadalú que ha tenido una buena aceptación en varias radios de Santiago y que se está convirtiendo en algo así como “el hit del verano”. Es raro, pero agradable, saber que hay mucha gente a la que le gusta tu música.

En tu música se percibe un ligero desplazamiento al electro para la pista de baile, sin embargo también hay una búsqueda por el pop y por otros estilos incluso más oscuros. ¿Cómo definirías tu música?

Creo que mi proyecto no se centra en un estilo determinado. Creo que eso es lo básico. No quiero sentirme limitado por estilos o modas. Si hoy quiero hacer pop, pues lo haré sin problemas, y mañana hacer minimal o tech house, bueno, lo haré. Nada me ata. Lo principal es construir buenas canciones.

En ‘Columbia’, tu primer disco, se ve que hay letras muy elaboradas. ¿En qué te inspiras y cómo las elaboras?

Creo que como todas las cosas, intento sintetizar un estado. Resumirlo, acotarlo y encontrar en pocas palabras, lo más importante, lo medular de la sensación a describir. Ahí tengo un terreno muy fértil donde jugar, y proponer imágenes. ‘Sing Song Alone’ es un resumen de ello. Aunque la letra la hice pensando en mi estadía en Brasil, no necesariamente habla para todo el mundo de eso. Puedes aplicarla a otras situaciones, y es ahí, en ese puzzle, que puedes tomar las piezas y ordenarlas a tu antojo.

Finalmente, ¿cuáles son los siguientes pasos que piensas dar en relación a futuras composiciones?

Por el momento promover el disco haciendo la mayor cantidad de presentaciones posibles. Ya tengo agendadas algunas presentaciones en Río de Janeiro, São Paulo y Paris para el 2009. Por mientras, está comenzando la promoción en México, estoy llevando el video clip de “Así tal cual” a los canales de música, y como soy ansioso, ya he comenzado a preparar nuevo material para un segundo disco. Nuevamente estoy grabando con artistas brasileros, y veré qué otras colaboraciones aparecen. Tengo muchas ganas de trabajar con algunos artistas chilenos, y veré como se dan las conversaciones.

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¿Cómo y cuándo empiezas a relacionarte con la literatura y la escritura?

Mi relación con la literatura es bien típica. De chica me leían cuentos, leía y también escribía. Empecé a estudiar literatura con esa ingenuidad, de escribir, entre otras cosas. Pero como le pasa a muchos, con la teoría uno se abruma y al entrar a la carrera empecé a dejar la escritura de lado, aunque siempre me mantuve escribiendo. De hecho, estuve en el taller de poesía Códices, que se imparte en la misma universidad, pero que es un espacio mínimo dentro de ella. Para mí es muy importante el ejercicio de escribir creativamente, es algo que se puede trabajar mucho, tiene mucho oficio, es muy estimulante y en el trabajo de taller aporta mucho que te lean, comentar, etc. El espacio de la universidad da para eso y fomentar y legitimar ese lugar es muy importante. Sin embargo, cuando me puse realmente productiva fue cuando dejé de estudiar. Ahí me vino la cosa de escribir más y más seriamente, me liberé un poco de esa mirada teórica.

Escribes tanto poesía como narrativa. ¿Qué te aporta cada una de ellas? ¿Ves alguna diferencia entre ambas?

El tema de los géneros literarios nunca me ha acomodado, uno puede escribir una pieza poética que puede ser un relato o un poema. Pero también me pasa que sé que son formatos distintos y me siento a gusto en los dos. A mí me gusta trabajar en paralelo las dos cosas, porque creo que es conectarse con la palabra desde dos lugares distintos, encontrarse con la palabra de distintas maneras, casi depende de mi estado de ánimo.

Tu primer libro es un poemario titulado Lamerse. ¿Qué importancia tiene para ti como primer libro?

Es un libro o una obra de iniciación y tiene que ver con reconocerse, con visualizarse, una cosa muy desde dentro, un viaje introspectivo. Para mí fue muy importante armar ese mapa, reconocerme en la escritura y reconocer al otro y al afuera en la escritura. Es algo súper primero, ya un poco lo solté y quedó como un cuerpo autónomo, lo que me permitió comenzar a escribir sobre otras cosas.

Llama la atención en tus textos el interés por la anécdota, por las cosas mínimas.

Sí, creo que está en mi cabeza, es una forma de estar en el mundo. Me gusta indagar la cotidianidad, que es un mundo que ya se da por hecho, pero dándole una vuelta. El sentido que tiene la vida es construir momentos singulares, cuestión que sucede en la medida que uno quite los elementos que hacen que se pierdan las instancias humanas, de conversación, eso de tomarte un helado, de dar una vuelta. La gracia es tomar siempre la misma micro pero ir fijándote en el camino y ver cosas distintas.

También hay un trabajo sobre el espacio de lo doméstico, de la casa. Aunque después de eso llegas a un exterior.

De eso se puede hablar mucho, está todo eso de la teoría femenina de la literatura. La literatura femenina por siglos ha estado situada en el espacio doméstico, porque tampoco se ha permitido que salga de allí, por eso es la antesala de la otra escritura, posterior. No quiero decir con eso que el espacio doméstico se cierre, para mí es un espacio privilegiado para la escritura, me gusta mucho, yo soy muy ‘intimista’. Pero sí creo que es bueno salir de ahí, es un primer lugar y va muy de acuerdo al tránsito de la escritura femenina. Que lata reconocerme tan ahí, pero es verdad.

¿Haces entonces una distinción entre una escritura femenina y una masculina o entre esta y otras escrituras?

Me parece que es muy importante tener esa distinción de la literatura femenina simplemente porque la producción femenina es distinta a la producción hegemónica, es distinta al canon. Es un lugar mucho menos trabajado, estudiado, revisado y por eso hay mucha pega que hacer, mucho que indagar. Me pasa que, aunque suene políticamente incorrecto, no creo que sea plantear una desigualdad o una diferencia entre hombres y mujeres, sino simplemente hablar de distintas sensibilidades, como lo femenino en el mundo. Tiene que ver con esto de público y privado, y tiene que ver con empezar a soltar esas dicotomías. En la medida en que uno se permite mirar y decir que acá hay lugares que no estamos reconociendo o zonas no tan trabajadas, podemos empezar a desarmar ciertas estructuras, porque yo sí me siento viviendo en un país machista en que opera la lógica patriarcal, palabras que cuando uno las ocupa da pudor porque son muy de un discurso teórico, pero me parece que ese discurso sí tiene asidero en la realidad, y me parece legítimo reconocerlo. Me pasa, eso sí, que cuando escribo suelto todo eso, me posiciono desde mí, que creo es lo más honesto que se puede hacer.

Fuiste invitada a los encuentros de poesía “Salida al mar” y “Poquita fe”, además organizaste el ciclo de poesía y narrativa “Palabras en el parque”. ¿Cómo fueron estas experiencias?

Aunque fueron experiencias distintas, rescato el hecho de crear esos espacios de encuentro y diálogo. Si no sucedieran hay escritores que nunca se verían las caras y ahora con todo tan digitalizado pareciera que no es necesario encontrarse, hablar, compartir y escucharse. Yo encuentro que es valioso y creo que esta bueno usar esos espacios. Además, la escritura y la oralidad son dos espacios distintos, la segunda tiene la gracia del valor del momento.

¿En qué estas ahora, tienes algún proyecto en marcha?

Estoy escribiendo un poemario, “La virgen de las antenas”. Me interesó esa imagen, es rarísimo porque veo todos los días desde mi ventana a una virgen blanca que además está embarazada allá en el cerro, arriba de todos. Me parece muy simbólico de Chile. También tengo ganas de sacar mi libro de cuentos “Hablar con la pared”, que también puede ser una novela. Tengo proyectos en teatro y voy a empezar a filmar un cortometraje del que escribí el guión. Me interesa explorar todos los espacios que me da la escritura.

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Realización:

Jaime Arrau – Fotografía y retoque
Marcelo Celis – Maquillaje y Peinado
Francisca Álvarez – Producción
Danae Barla – Modelo

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Tiziana, cuéntanos… ¿cuándo y cómo surge tu interés en el cine?

Cuando era chica me gustaba ir al cine porque sentía que después de que terminaba la película me quedaba con una sensación como de estar a 10 cm. del suelo, como en un estado extraño, quizá parecido a ese cuando uno se despierta después de haber soñado algo que te deja una emoción pegada al cuerpo todo el día y no sabes muy bien por qué. Esos estados puramente emocionales, se parecen a haber vivido algo, pero sin “las marcas de lo real”.
La verdad es que siempre pensé que iba a escribir. De ese mundo provengo, porque me gustaba leer esas novelas que te hacen literalmente visualizar, como una película dirigida por mí, hacer la puesta en escena mental como yo quería. Después descubrí que la poesía lo que hace es fragmentar el discurso, instalando imágenes potentes en sí mismas, un juego de asociaciones mediante el montaje (yuxtaposición) que hasta hoy me interesa.
En la universidad descubrí que en mí el mecanismo del cine y la literatura era el mismo. Ambos construyen imágenes, atmósferas, paisajes emocionales, aunque el cine era aún más directo y comencé a dejarme seducir lentamente. El primer espacio que me dio la posibilidad de cruzar ambas cosas fue un programa de televisión en el que trabajé durante tres años y que fue perfecto para combinar ambos mundos: “El Show de los Libros”. Allí pude experimentar a través del lenguaje audiovisual piezas inspiradas en textos literarios. El montaje, el registro y la puesta en escena se metieron de frentón en mi manera de comprender el mundo y no lo abandoné nunca más.

En tus películas podemos ver una propuesta personal y distinta. ¿Cómo llegaste a plantearte esta manera de narrar y qué hechos, películas, personas o cosas te influenciaron para derivar en esta propuesta?

Cuando era adolescente escribía diarios de vida, tuve muchísimos cuadernos y eran bien cursis, con fotos pegadas, recortes, poesías, dibujos, collages de la vida cotidiana. Estaba obsesionada con que nadie los fuera a leer, les ponía candados y luego los escondía en el closet. En esa época uno descubre la intimidad y el portazo pasa a ser parte del soundtrack de la adolescencia, como gesto de dejar el mundo afuera, con la puerta con llave, escuchando música y escribiendo en el diario de vida en un intento por reclamar intimidad ante las transgresiones del mundo adulto o del mundo entero.
Esto para mí sigue teniendo mucho sentido, el mundo personal que te construyes en soledad, el diálogo interno.
Los cuadernos luego fueron derivando hacia escritos más conceptuales, desde la prosa a la poesía. Trabajé textos en varios talleres literarios y aunque me pasé a la imagen mecánica, sigo escribiendo.
También se suma el hecho de ser hija de inmigrantes, en ese espacio las cartas se sumaron a los diarios de vida como vía expresiva. Mis abuelos recibiendo y enviando cartas constantemente, de allá para acá en el lenguaje de las distancias, antes de la era e-mail, por lo que los afectos familiares se estrecharon mediante lo literario. Yo me instalé desde ahí para hacer estas “Cartas Visuales”, tal vez una forma de re-crear ritos, tal vez a falta de otros mitos constitutivos en los cuales reconocer identidad. Hay personas que encuentran que eso es la fe, pero yo no tengo esa suerte.

Tengo mis compañeros de ruta: la poesía y los diarios de Claudio Bertoni, la poesía peligrosa y arriesgada de Germán Carrasco, la melancolía permanente en Jorge Teillier, la prosa vertiginosa y adictiva de Paul Auster. Tengo debilidad por el New American Cinema: Maya Deren, Stan Brakhage, Jonas Mekas,
Marie Menken. También me gusta la escocesa Margaret Tait y el cine de reciclaje de Bill Morrison.

En ‘Dear Nonna’ y en ‘Remitente’ se habla de muchas cosas al mismo tiempo, todo parece estar narrado desde un punto de vista particular (el tuyo) y de una forma profundamente plástica. ¿Qué aproximación tienes respecto a las artes visuales y qué te pasa cuando en vez de ser catalogados como un film, estos dos documentales son vistos como ‘video-arte?

No me importa mucho como sea catalogado, la verdad. Hoy los géneros están siendo cuestionados y sólo se habla de películas, filmes que te emocionen, que te hagan pensar o que te dejen una sensación que no puedes describir. A mí me interesa el cine como lenguaje expresivo, aproximarme emotivamente en la narración, para eso estoy en la búsqueda de estructuras distintas a la dramática. La expresividad, lo personal como única verdad cinematográfica posible, Oscar Wilde decía que todo lo que no es autobiografía es plagio….en fin, si son tan importantes las etiquetas, pues entonces diría que es cine de ensayo.

Me cargan esos discursos de gente que cree que el cine es algo sagrado, intocable, para elegidos, que sólo existe una manera de comprender y concebir el lenguaje audiovisual. Creo que hay que tomarse el cine por asalto: apropiarse de todo, de sus formas narrativas, de las estructuras posibles, torcer su gramática para instalar discurso expresivo, estética propia, aunque ésta sea agresiva, cursi o kitsch. Ese es un espacio ganado para todas las artes, ¿Por qué no para esta reciente que es el cine?

De la las artes visuales me interesa el reciclaje, el found footage en la estética de la ruina. El super 8mm me da esa posibilidad, desarrollar formalismo, centrar la percepción y discurso en lo que estás viendo, en una sola imagen, que no es nítida, que es frágil e imperfecta por esencia y que eso la hace bella. Por eso no le encuentro sentido al montaje en continuidad espacio-temporal, me siento más cómoda y veo más cosas en la fragmentación que en la linealidad. En mi trabajo hay referencias a una literalidad entre la palabra y lo que ves (decimos perro, vemos perro), procesos que se va disociando hacia el final de la película en una búsqueda propia de sentido, en lugares por separado, pero que somos capaces de asociar de otras maneras misteriosas.

A pesar de que filmo mis propias imágenes en ello también hay actitud de reciclaje, en el sentido que para re-utilizar tienes que buscar. Yo recolecto materiales en un montón de partes, desde películas familiares anónimas, hasta viejos cassettes que hacíamos con mi hermana con la grabadora ochentera de mi papá. Luego que he acumulado cosas suficientes para este collage, me entretiene ir amasando los materiales en el montaje, ir buscándole su lugar, asociándolos o simplemente por el placer de contemplar lo que queda de una imagen o su potencia estética por puro hedonismo, para intentar conectar emotivamente. Si al final de este proceso no hay comunicación, no me importa mucho, parte de la comunicación es asumir que no va haber conexión posible. Eso es parte del misterio indescifrable que se establece entre el espectador y una obra personal.

Estas dos películas forman parte de una trilogía cuya tercera parte aún no estrenas (recién se estrenó ‘Remitente’ en el festival de cine de Valdivia). ¿Cuándo podremos ver esta película de cierre y qué búsquedas específicas estás trabajando en ella?

Dear Nonna y Remitente son parte de una trilogía que se llama Cartas Visuales, donde cada cortometraje es un ejercicio epistolar con distintos destinatarios. En la primera había una intención por explicarme a mí misma la naturaleza de los recuerdos, cosa que al parecer no puedo hacer sino desde la nostalgia. En la segunda hay un trabajo que rodea el olvido, buscando imágenes en Santiago para comprender el reverso del recuerdo.

Por ahora lo que quiero trabajar en la última carta es un intento por entender el flujo del tiempo a través del espacio que no-habitan mis dos abuelas inmigrantes italianas. El registro devela sus últimos momentos en la vida, imágenes que retratan a dos mujeres que no hablan, que no pueden moverse, que no comen por sus propios medios y que son cuidadas por otras dos mujeres que dedican sus vidas a ellas. Esta nueva carta podría ser una reflexión sobre el paso del tiempo, el olvido (alzhaimer y vejez), donde las imágenes buscarán lugar en el silencio, en habitaciones cerradas donde es difícil encontrar sentido y las percepciones disminuyen como el ritmo de sus latidos.

Quiero seguir trabajando en super 8 mm como soporte de memoria individual y como obstrucción a la cantidad de material que puedo filmar (que es infinitamente inferior al que podría hacer en video). Eso me obliga a ser doblemente conciente ante las imágenes que quiero hacer, decido en el registro, más que en el montaje. Por eso, no hay mucha edición posterior, lo que se ve en la película también es develar las decisiones que tuvieron lugar en ese momento, eso es parte de este “diario de vida”, tiene el valor de documentar ese momento. Para el montaje dejo decisiones de yuxtaposición entre secuencias y la relación imagen-sonido.

Trabajaste con otra documentalista en ‘74 metros cuadrados’, Paola castillo. ¿Cómo es co-dirigir un film y qué crees que tiene Paola, en particular, que pudo dialogar con tu propia mirada sobre el cine y sobre lo visual?

Con la Paola nos conocemos de la época en que trabajamos juntas para el programa de TVN, El Show de los Libros. En ese rigor nos hicimos amigas, compinches inseparables, creo que lo primero desde donde enganchamos fue en la pasión y en la fuerza puesta en el trabajo, eso es algo que reconozco en mí y que admiro de ella.

Si yo soy a mí misma en mi trabajo personal, el que tengo con la Paola es el allá afuera. Tal vez porque las dos estudiamos periodismo por una curiosidad de conocer el mundo, por conocer gente distinta, por contar historias de realidades lejanas. Era un hambre por saber qué hay más allá y aunque ninguna de las dos ejerció la profesión propiamente tal, las dos estudiamos cine después.

Cinematográficamente el encuentro fue en el documental La Ultima Huella, donde Paola me invitó a participar en la investigación y el guión. Fue un proyecto largo, viajamos 4 veces a Puerto Williams, un lugar increíble con gente hermosa; eso selló para siempre un pacto tácito. En ese documental hay una manera de mirar el mundo. La historia retrata la vida de dos hermanas que son las últimas de su especie, la cultura yagán se muere con ellas. Para nosotros esto era: estas abuelas no las podía entender nadie y lo que era peor, nadie más podría comprender el mundo como ellas. Lo que se acababa entonces era una manera de concebir la vida en este planeta.
Creo que en esa vuelta lo que nosotros entendimos también es que habíamos escogido un lenguaje para expresarnos. El audiovisual es para nosotras un idioma desde el cual darnos a entender, desde la metáfora proponer una mirada.

Lo que me pasa trabajando con Paola es que siento que ponemos una mirada muy parecida sobre las historias que nos interesa contar. El documental que estamos co-dirigiendo hoy es así también. 74 metros cuadrados es una historia de 150 familias en Valparaíso que están por dejar de vivir en campamentos para tener una casa digna. Hay una problemática social si se quiere, pero también esas historias nos permiten expresar una visión de mundo, una opinión, en este caso sobre los modos de habitar, de cómo nos determina el lugar donde vivimos y cómo las personas construimos nuestras ciudades.

También has trabajado para la televisión (Canal 13) que al parecer es lo opuesto a tus obras personales. ¿En qué punto colindan estas formas de trabajar la imagen y la narración?

Trabajé mucho tiempo en la producción independiente, haciendo series documentales para la televisión y también estuve dos años en el área de reportajes de canal 13 en un proyecto documental con un notable equipo de realizadores. Sobre todo allí con ese programa (Testigo) siento que no sólo contribuimos a diseñar un tratamiento audiovisual que no se había visto antes en la tv, sino que además las historias ayudaron a saldar algunos temas pendientes de la televisión abierta. Se desempolvaron archivos inéditos, que nunca se mostraron durante la dictadura, habló gente por primera vez de heridas sociales profundas, en fin fue un trabajo largo y difícil, pero que llegó a mucha gente y contribuyó a abrir la línea editorial del canal y por ende su credibilidad. Porque esa es la gran ventaja de la televisión, a la cantidad de personas que puedes llegar con una historia…ese diálogo es difícil de lograr en otro medio.

Con mi trabajo mas personal, colindan en el sentido de que trabajar para la TV te obliga a someterte a un método, a un rigor, tiempos concretos y a veces eso ayuda a poner en orden las ideas y darles una estructura para que salgan adelante. Pero también en términos de lenguaje tuve la posibilidad de hacer muchas cosas allí, seguimientos observacionales, trabajar con documentales testimoniales, hacer puestas en escena, etc. Tal vez por eso estoy en una búsqueda totalmente distinta a eso, películas donde no hay entrevistas, y donde las estructuras sean distintas a la dramática, para ir probando otras maneras de comprender y conectar emocionalmente. Tal vez si nuestra televisión tocara todos los temas, interpretara más con reportajes jugados, nuestros documentales de creación se distanciarían mucho más del reportaje periodístico para explorar, desde la forma (el lenguaje cinematográfico), las implicancias profundas de lo que está en pantalla.

Finalmente, y luego de tan extensa entrevista, me interesa el hecho de que también eres profesora de alumnos de cine en la Universidad de Chile. Cómo es tu experiencia de la docencia y cuéntanos de qué forma ha afectado tu forma de plantearte el hacer cine, si es que lo ha hecho.

Para mí, la clase de cine documental que hago en la Universidad de Chile es un espacio para situar el género como un lugar de exploración, de experimentación en el lenguaje. Eso es lo que me interesa transmitir: que los temas e historias probablemente ya están tocados de cierto modo, lo interesante es el cómo está hecho y que es allí donde reside el contenido del filme. Los grandes documentalistas en el mundo, por lo general han tatuado para siempre el mapa estético de la realización.

También me pasa que mostrando una y otra vez las mismas películas, casi siempre les encuentro algo nuevo…eso es misterioso, pero me fascina. Y por supuesto que en el análisis posterior con los estudiantes, siempre aparecen nuevas miradas, nuevas percepciones tanto de las películas como de las teorías. Me gusta compartir ahí películas que son amores personales, por lo general cosas nuevas, pequeños descubrimientos que son inclasificables y de las cuales aparecen reflexiones interesantes. Los estudiantes son seres estimulados y vivos…eso es más de lo que uno puede decir de mucha gente…

¿Crees que haya futuras generaciones que puedan expandir el mundo del cine Chileno que en cierto momento se vio conflictuado con tu propuesta por ser atrevida y ‘diferente’, por decirlo así? ¿Cómo te tomas el hecho, por ejemplo, que tus películas no sean exhibidas en el Fidocs (Festival internacional de documentales de Santiago)?

Creo que no todas las películas funcionan para todos los festivales. Creo también que a veces hay una sola idea determinada de lo puede o no ser un documental (si es que eso es relevante) y de sus fronteras. Pero por sobre todo creo que hay subjetividades, en el sentido de que hay personas con las que conectas con una película y otras con las que no. Yo sé que mi trabajo tiene eso…lo típico que se dice “o lo amas o lo odias” y eso pasa con todas las películas “o conectas o no”. En este caso es una cosa casi puramente estética, pues no es que yo esté diciendo algo que pueda ser censurable, algo tan filudo que al ser excluido se transforme en una bandera de lucha… mi trabajo no sale en los medios, no golpea los titulares, no está en los festivales mainstream, se proyecta en festivales pequeños, en secciones donde el asunto no está en la urgencia del tema, sino en instalar experiencias cinéticas. Creo que puede haber trabajos mucho más interesantes que el mío, pero el mío es un modo de ver las cosas y cuando en Chile exista espacio para toda esa diversidad de miradas, sabremos que vamos bien…

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