Ilusiones Ópticas (2009) tiene mucho que ver con Valdivia. Casi todo el filme fue rodado en la región
de los Ríos incluso su director es nativo de la zona. Es por eso que según Jiménez, la película fue
pensada “en y desde Valdivia” y las historias tratan de gente común y corriente que está enfrentada
a sueños y frustraciones. Un alto ejecutivo de una empresa de salud (Álvaro Rudolphy) convence
a un hombre que acaba de recuperar la vista (Iván Alvarez de Ayala) para que haga publicidad a la
compañía; un ingeniero desempleado de esa misma firma (Gregory Cohen) es relegado a un taller
para cesantes, y un guardia de mall (Eduardo Paxeco) se enamora de una ladrona (Valentina Vargas).

Según el director, la historia se mueve en tres niveles que se comunican en algún momento de la
trama, donde los personajes “están enfrentados a una ciudad que ha cambiado su cara en forma
brusca en poco tiempo y eso, por momentos, les quita las señas de orientación, los deja huérfanos
de referencia y hace que sus vidas se puedan volver, a veces, un poco surrealistas”.

Cuéntanos sobre el proceso que te llevo a la realización de tu primer largometraje, ¿hace cuánto tiempo estás concibiendo la idea de hacer Ilusiones Ópticas?

Justamente lo pensé mientras estaba haciendo El Tesoro de los Caracoles (2004). Gracias a ese corto viajé varias veces a Valdivia, igual llevaba harto tiempo sin vivir allá y mi relación con la ciudad se había reducido a visitar a mi familia o a juntarme con algún amigo, pero no estaba tan atento a las cosas que estaban pasando. Trabajando en el corto comencé a relacionarme con otra gente y a mirar

¿Qué obras o directores te inspiran a hacer cine?, nómbrame algunos de tus favoritos y cuéntanos si  particularmente alguno te inspiró en la realización de tu película.

En general me gustan más películas que directores, por ejemplo Nubes Pasajeras (1996) de Aki Kaurismaki y El Miedo Devora Las Almas (1973) de R. W. Fassbinder, han sido importantes inspiraciones. También me gusta mucho el cine independiente norteamericano de directores como Jim Jarmusch, Wes Anderson, Todd Solondz y Preston Sturges.  Roy Andersson, el director sueco, también es otro de mis grandes referentes. Pieter Brueghel, el pintor holandés, es una influencia súper importante, de niño me gustaba esa cosa inocente, divertida y melancólica de sus cuadros donde habían un montón de cosas ocurriendo, algo que también está presente por ejemplo en el cine de Jacques Tati. También me gustan los cuentos infantiles alemanes de los Hermanos Grimm y E.T.A. Hoffmann con ese rollo de fábula, son influencias directas junto con escritores como Raymond Carver o Roberto Bolaño entre otros.

El guión lo escribiste en conjunto con Alicia Scherson, ¿qué te pareció esta experiencia?, a ella le preguntamos lo mismo en la edición pasada de Filmonauta…

Cuando empecé a escribir con Alicia estaba recién introduciéndome en el cine de una manera más
profesional y ella tenía mucha más experiencia que yo, quizás todavía la tiene pero ya nos hemos
ido nivelando. Fue súper importante contar con su complicidad y claro, nosotros tenemos harta
afinidad, nunca tuvimos grandes diferencias. Sí pequeños desacuerdos en detalles pero en general
somos bien amigos y obviamente que trabajar juntos fue súper agradable. Ahora, la manera que
tuvimos de concebir Ilusiones Ópticas fue como con “manos de pintura” por así decirlo. Nos íbamos
turnando el guión y cada vez que cambiaba de mano, discutíamos y luego volvíamos a ponernos de
acuerdo. Después al que le tocaba le hacía algunas modificaciones y en el fondo lo escribimos así,
de hecho, es bien difícil darme cuenta ahora cuales diálogos escribí yo y cuales escribió la Alicia. Hay
pequeñas cosas que claramente me acuerdo de que cabeza salieron pero te diría que son una parte
muy minoritaria del guión.

¿Cuánto se demoraron en terminarlo y llegar a la última versión?

Cuando partimos trabajando yo tenía un primer tratamiento que era aún más largo y complicado
que lo que es ahora la película. Sobre eso empezamos a trabajar con Alicia a mediados del 2004
y a mediados del 2006 terminamos, fueron dos años. Luego, en adelante, trabajé concretamente
sobre cuestiones que tenían que ver con locaciones, actores, o detalles que improvisé en el set que
tienen que ver con opciones que daba la materialidad misma del lugar donde estábamos haciendo la
película.

Sabemos que eres Valdiviano, ¿los personajes que nos presentas está inspirados en gente real que conocías?

Casi todas las historias tienen su inspiración en la vida real e incluso hay escenas concretas que son
citas a un suceso o persona de la vida real. Finalmente, cuando uno arma un personaje es como
una especie de monstruo que tiene los brazos de una persona, la cabeza de otro, etc; y uno agarra
todos esos pedazos como una especie de vampiro, le chupa sangre por aquí y por allá y se forma
un zombie con vida que bebe de múltiples fuentes. Pero sí, la gran mayoría de las historias tienen
una inspiración en la realidad que el proceso de escritura va formando en conjunto con ese toque de
distorsión que viene de la imaginación.

Los tres personajes principales parecen graciosos y provocan cierta empatía con el espectador pero una mirada más profunda nos muestra cierta disconformidad y resistencia a esa modernidad que mencionas…

Sí, cuando empecé a pensar la puesta en escena, me propuse que no fuera una simple ilustración de
la historia, si no que la película, en su forma, recogiese las ideas del guión de modo que el objeto
película no fuera simplemente un cuento, si no también un objeto cuya forma aportara narrativamente
a lo que se estaba contando más de fondo, como en un nivel más poético, más conceptual.
Ahí fue cuando decidí trabajar sobre la idea de superficie, que da esa característica visual un poco
plana que insinúa que hay algo detrás y que tal vez está quedando la embarrá, pero el desorden y el
dolor están siempre cubiertos. Con los actores trabajamos siempre desde la contención y la reserva
de la intimidad, que hace que cuando ésta aflora tenga esa torpeza media desesperada. Yo creo que
la combinación de todo eso da lo que mencionas tú, esa sensación de que estos personajes viven
situaciones dramáticas y claro, hay una cuestión social pero también hay algo que tiene que ver con
la intimidad que está con barreras para expresarse o para vivirse de manera más armónica, y en ese
sentido hay una resistencia de los personajes al sistema pero también a ellos mismos, y eso tiene
que ver con la confusión que hay a su alrededor.

En tu película se nota una interesante apuesta en la dirección de arte, la cual parece funcionar en perfecta armonía con los personajes, hay un muy buen trabajo de Sebastián Muñoz ahí, ¿cómo funcionaron?, ¿le diste libertad para desarrollar esta área o Sebastián recogió tus impresiones y las llevó a cabo?

Mira, la libertad de Sebastián tuvo que ver con que casi un año antes de filmar tuvimos muchas
reuniones, vimos películas, fotos, decidimos juntos cual iba a ser la paleta de colores que íbamos
a usar, pero una vez que eso se delimitó, no hubo mucho espacio para improvisar. Igual se nota, la
película es bien minuciosamente elaborada, no es suelta ni tiene ese feel que a veces tienen los filmes
más naturales, esta es una película más bien estricta. Obviamente, yo tengo harta confianza en
Sebastián, habíamos trabajado juntos y siempre me está proponiendo cosas, pero hubo un punto en
que llegamos a un acuerdo, entendimos como queríamos que fuera la película y de ahí en adelante
eso fue lo que se hizo.

Me llama la atención el uso de la cámara, no hay movimientos, ¿por qué usaste sólo planos fijos?

Mira, la cámara se mueve pero sólo cuando está montada sobre algo que se desplaza. Se mueve en
forma diegética, no hay dollys, no hay paneos, de hecho en el plano original había un solo paneo
que después quité. Traté de que la forma recogiera el espíritu y los temas de la película y como tiene
que ver con un mundo que hace promesas que no siempre se cumplen, todos los personajes están
en situaciones donde no saben muy bien que está pasando y en ese sentido, trabajamos la idea de fachada, de superficie y como te comentaba, eso está súper trabajado desde el tema del arte,
esa cosa artificial que en el fondo recoge esa falsedad o precariedad de un mundo que los mismos
personajes se han encargado de construir. Y desde el punto de vista de la cámara, me parecía que
la frontalidad y la simetría exacerbaba eso mismo. Es como si la puesta en escena fuera cómplice de
este orden obsesivo, neurótico pero que siempre tiene pequeñas fisuras donde la fachada tiene algo
detrás que no estamos viendo pero podemos intuir que algo pasa.

Ilusiones Ópticas se estrenó en nuestro país luego de un recorrido por importantes festivales internacionales como San Sebastián, Biarritz y Tokio, ¿cómo ha sido acogida por el público extranjero?

En San Sebastián y en Biarritz tuvimos funciones llenas y en general la gente se ríe harto, ha sido
súper positivo, hay aplausos. También los comentarios han estado bastantes buenos, salimos en la
revista Variety con una crítica derechamente positiva y en general, lo que me gusta de la película es
que no es festivalera ni funciona solamente para cinéfilos. En San Sebastián unas abuelas fueron dos
veces, les encantó, imagínate, un festival que tiene como quinientas películas para ver.

‘Me agrada ese carácter plebeyo que el cine puede tener y hoy en día la gente que está a cargo de la distribución y la exhibición a veces tiene criterios súper estrechos sobre lo que se supone que la gente quiere ver y está dispuesta a ver. Yo creo que la recepción del público es siempre incierta y si bien yo concedo que mi película en algún punto se sale de ciertas normas respecto de cómo se supone que los actores deben actuar o cómo se debe plantear la puesta en escena, también me doy cuenta que hay gente que no va nunca al cine y tiene como referentes experiencias de su vida. Eso para mí igual es importante, no estar encerrado en el mundo del cine arte de la gente más especializada.’

Y el público austral, ¿crees que se sentirán identificados con las historias?

Yo creo que sí. Cuando hice El Tesoro de los Caracoles (2004) y ya estaba rodado en posproducción, un montón de gente a la que le mostré el corto me dijo “esto es una locura, a la gente no le va a gustar, es muy freak como está planteado todo, es muy raro el arte, no se va a entender” y yo me había resignado a eso. Empezamos a mostrarlo y fue como un bombazo. En este caso igual tengo la sensación que la película tiene pequeños regalitos que la gente que no vive en Valdivia no necesariamente va a entender, en casi todas las escenas hay cosas especiales, detalles del sonido, etc; que le harán sentir a los valdivianos que Ilusiones Ópticas es un poco también de ellos, pues nunca había existido una película que fuera valdiviana de esta forma.

Ilusiones Ópticas nos abre un camino para reflexionar sobre temas como el trabajo y la modernidad en una sociedad de provincias, ¿crees que le hace falta a los nuevos realizadores forjar una mirada hacia lo local y rescatar esas historias que parecen atrapadas por los límites geográficos?

Yo siento, con todo respeto, que la mirada local se abandona mucho en las películas chilenas pero da lo mismo donde se estén haciendo. Por ejemplo La Nana (2009) es una película que sí desarrolla una mirada local sobre un cierto espacio específico como lo es el barrio alto, que es un mundo que Sebastián Silva conoce bien. El Pejesapo (2007) también hace eso, más allá que sea una película hecha en Santiago, tiene una mirada sobre una cuestión material concreta. Yo creo que hay mucho cine chileno que tiene esa cosa abstracta de la tele, eso de no estar ocurriendo en ninguna parte y fuera de Santiago no se hacen demasiadas cosas. En Valdivia hay un polo súper interesante, desproporcionadamente importante en relación al tamaño de la ciudad y ahí yo creo que están surgiendo ideas pero es una tarea pendiente, no sólo fuera de Santiago, en Santiago también.-

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(cc) Tapiz Magazine 2010
(c) Universidad de Chile 2010
// Sofía Oportot – Entender (Tapiz VideoClip)
// Dirección: Roberto Doveris + Nicolás Guzmán
// Dir. Arte: Nicolás Guzmán + Nicolás Oyarce
// Fotografía y Montaje: Roberto Doveris

//// Tapiz Producciones + Universidad de Chile 2010 /////

// Make up: Lorena Oyanguren
// Extras: Maria Solis de Ovando, Megumi Andrade, Begoña Aranda, Cristian Carocca, Leo Rivas, Muriel Tagle + Constanza Espina (StupidCer)
// Agradecimientos a Cata y al hermanos de Sofía, al ICEI de la Universidad de Chile, a Ricardo Metayer, a Ignacio Redard, a Carolina Larraín.

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Hola Carola, cuéntanos cómo surge tu interés en la música siendo licenciada en ciencias y física?

En realidad primero nació el interés por la música. Y aunque suene muy romántica la idea de que física y música se unieron armoniosamente desde siempre en mi vida, debo decir que es mentira. Fue muy difícil lograr fundir ambos intereses, aunque no quiero que por esto se entienda que no llegaron a ser complementarios. La dificultad siempre fue el tiempo: vi las mejores mentes de mi generación consumidas completamente por la física y yo, que me negaba a dejar de lado la música, muchas veces debí optar por una u otra. Creo que recién al final de la carrera logré por fin disfrutar y hacer convivir las ideas que la física y el arte aportaban a mi vida. Pero no fue gratis, fue todo un proceso de madurez dejar de ver la física desde la perspectiva matemática, empezar a tomarle el peso a la creatividad que existe detrás de ella y lograr sentir de verdad que en el fondo siempre estuve haciendo lo mismo, descubriendo cosas, redefiniendo palabras, acomodando signos, símbolos, escarbando un poco para intentar encontrar una verdad, o algo similar a eso.

Desde Cuando tocas guitarra y compones? Cómo surge la inspiración para hacerlo?

Con la guitarra partí a los ocho años y no vine a componer en serio sino hasta los veinte. No me atrevía a cantar, había algo en mi voz que me incomodaba, ese leve toque a niño que hay en las voces poco trabajadas. La verdad no me gustaba nada, pero aún así grabé un par de cosas que luego subí al myspace. Cuando eso sucedió, entonces pasé de la creación de guitarras, que era lo que consumía la mayor parte de mi tiempo, a la escritura de letras. Recuerdo que hubo un momento en que sentí mucho pudor, que fue cuando pensé en que estaba diciendo cosas de verdad personales y creo que me dio también un poco de miedo exponer tanto algunos sentimientos un poco privados hasta ese momento. Con el tiempo fui adquiriendo más seguridad y perdí esa vergüenza a expresarme. Eso me entregó muchas más libertades al momento de escribir, aunque el móvil continuó siendo innegablemente el amor y todo lo relacionado con eso ¿de qué más se pueden hacer letras hoy en día?, jajajaja.

Reconoces alguna influencia en tu música? Cuáles?

A ver, no quiero extenderme la verdad, pero para ser breve diré que en lo que ahora estoy trabajando con PONK hay un sonido folk en proceso, muy influenciado por The Dodos, Sigur Ros y quizás algo de pop que no logro definir muy bien de dónde viene. Pero eso es como una instantánea del panorama actual, si vamos a las generalidades me voy a referir a un tema, que es el que me impulsó a pensar en que quería hacer música y en cómo quería que sonara y este fue The maid we messed, de Matt Elliott. Creo que la idea de partir desde algo simple y empezar de a poco a llenar todos los espacios es realmente un tema en mi vida, y lo exteriorizo mucho en la música que hago. Me gusta el vértigo, disfrutar el crecimiento de la música, la mezcla de guitarras, sentir cada sonido y que existan esos detalles que al descubrirlos te hacen querer volver a escuchar. Por otra parte, algunas letras reciben fuertes influencias literarias, especialmente de Alejandra Pizarnik y no puedo negar lo mucho que mi formación científica ha influido en mí, porque he aprendido a sorprenderme de lo perfecto que es todo y he vuelto un poco a este estado de infancia en que el universo entero se vuelve algo nuevo. El redescubrimiento ha sido una inagotable fuente de inspiración.

Actualmente estás lanzando un EP junto a PONK. ¿Cómo ha sido trabajar con ellos? ¿Tienes en mente realizar un disco en el futuro?

Trabajar con ellos es gratísimo. Son personas simpáticas, talentosas, acogedoras, muy respetuosas con mi opinión al momento de tomar decisiones y profesionales al máximo. Creo que con ellos he ido avanzando de manera importante, pero la idea de hacer un disco pronto no me convence. Pienso que tengo muchos temas pendientes conmigo y mi música. Aún me muevo entre ideas que recién empiezan a converger, pero no lo suficiente. Primero hay que dejar andar el single, el video, el EP, tocar un poco más y después volver a repasar en el material que hay, siempre pensando un poco en dejar madurar la música y lo que a mi me pasa con ella también. Hay tiempo.

También realizaste junto a nuestro equipo de Tapiz un videoclip de la canción “Va”. ¿Qué te pareció esa experiencia?

Entretenida! Fue muy raro al comienzo, me sentía un poco incómoda, no sabía qué tenía que hacer, ni cómo hacerlo. Pero había mucha buena onda en el ambiente como para pasarlo mal por eso, así que al poco rato ya estaba completamente entregada en mi papel de mina un poco herida, un poco aburrida, disconforme quizás. Me encantó cómo se llevó a cabo la grabación y también la forma en que se concretó la idea. Cuando miro el resultado pienso en que el video no podía ser de otra forma.

Finalmente, tienes planes para el futuro? Cuando podremos escuchar tu música en vivo?

No me gusta mucho la idea de planear demasiado el futuro, porque la verdad es que nunca me ha resultado un plan. Tengo ganas de viajar, por razones de estudio y de ocio igual, y me gustaría aprovechar esos viajes para tocar un poco fuera de Santiago y fuera de Chile, si es que en algún momento mi música llega a gustar en otra parte. Siempre estoy componiendo, así que también quiero ir renovando el myspace (myspace.com/deplasticoverde) y ojalá aparecerme un poco en vivo. Ya toqué el 5 de Febrero en Matucana 100, taloneando a Javier Barría, y el 28 de Enero en el Bonita IndieBar, en Viña. También existe la posibilidad de tocar en Concepción, pero aún no existe fecha para eso.

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Sentirse un turista.

Alicia Scherson (1974) es de esas personas que toman las decisiones adecuadas casi por instinto. Creativa e inquieta, su vida ha estado llena de saltos al vacío que le han permitido llenarse de experiencias que se han convertido en su sello y fuente de inspiración. De a poco, la conversación nos va descubriendo su particular manera de aproximarse al Cine y las Artes, mirada que comenzó a forjar a partir de una casualidad: “un día vi en el diario una información sobre la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños en Cuba, me tincó, postulé y me seleccionaron. Nadie sabía nada, ni mi pololo de esa época ni mis papás. Fue un desastre pero también un giro del cual no me arrepiento”.

Esa misma inquietud fue la que luego de finalizar sus estudios en la isla, la trajo de vuelta a Chile a terminar la carrera de Biología que había abandonado, para luego becada por Fullbright, volver a irse esta vez a Chicago, a realizar un Master of Fine Arts. No en vano, esta joven realizadora puede hablar con absoluta propiedad sobre lo que significa sentirse un turista.

Dejando atrás el Santiago refinado de Play (2005), esta vez se traslada al Parque Nacional Siete Tazas para contarnos la historia de Carla (Aline Kuppenheim), una Bioquímica que tras una discusión con su pareja Joel (Marcelo Alonso) se queda sola, a la deriva de sus confusiones tratando de lidiar con una imponente naturaleza y con Ulrik, (Diego Noguera) un curioso extranjero con quien pasará unos días bastante singulares.

Es inevitable hacer una conexión entre tus dos películas pues en ambas sacas de contexto a tus personajes. En “Play”, Tristán y Cristina salen a explorar contornos opuestos de Santiago y en “Turistas”, Carla y Ulrik se escapan al corazón de un verde paisaje tan desconocido como acogedor. ¿Se relaciona esto de alguna manera con tu propia experiencia?

Sí, mi propia vida tiene mucho que ver con eso, con el rechazo a la comodidad y a dejarse estar donde mismo. Siempre tengo la curiosidad de conocer otros lugares, otros espacios y efectivamente, creo que la idea de jugar a ser otro, presente en mi primera película Play y también en Turistas, es algo que uno puede aprender cuando viaja o vive en otro lado. Incluso puede convertirse en un vicio. Puedes llegar a un lugar, reinventarte y nadie te conoce, no hay nada que te amarre y te acostumbras a sentirte extranjero, sentirte turista y empezar de nuevo. Llevo seis años en chile y ya me pica el bichito de emigrar de nuevo.

Me llama la atención los personajes femeninos en tus películas porque rompen con el estereotipo recurrente del cine chileno más comercial. Tus mujeres parecen más intransigentes y decididas pero son también bastante contradictorias…

Me cuesta hablar de cine chileno porque es tan poco, tan diverso y tan distinto que no sé muy bien como comparar entre películas, pero yo creo que sí. Trato obviamente de alejarme de los estereotipos con los que no me siento identificada, no por una cosa política, sino porque no podría sentirme cómoda creando personajes de mujeres enamoradizas o tontorronas, no son las mujeres que conozco. Tampoco es la idea forzar un personaje de mujer fuerte y en ese sentido, Carla es súper interesante porque encarna el derecho a contradecirse y a equivocarse, la negación de las certezas, a decir que si y que no y eso es algo que está muy prohibido en las mujeres.

Les das a tus personajes permiso para dudar…

Es que la gente que vive de certezas la encuentro súper aburrida tanto en la vida como en el cine. Un personaje que sabe lo que quiere y lo hace de manera voluntariosa se acaba ahí mismo. En mis películas, no son sólo los personajes femeninos los que rompen el estereotipo, si no que en general, me da lata que tengan muchas convicciones porque para la ficción no sirven. Creo que hay que darles un espacio de duda, que vayan para un lado, después para el otro y ahí que se juegue la película. Me atraen las experiencias de ese recorrer, de ese divagar, más que las grandes decisiones, porque no creo que alguien pueda jactarse de tener muchas certezas en el mundo de hoy.

Es curiosa la figura del inmigrante representada en Ulrik, muy bien interpretado por Diego Noguera. ¿Lo construiste completamente en el guión o se fue transformando con aportes del actor durante el desarrollo del film?

Yo encontré a Diego en un casting buscando a otro personaje para una producción que finalmente no realicé y me gustó mucho como actor. Tenía mis dudas si usarlo o no para el papel de Ulrik, seguí haciendo casting y finalmente me decidí por él. Desde ahí hicimos un proceso de construcción conjunta, de detalles físicos, el acento, la manera de caminar, de estar, de actuar y claramente él aportó bastante en cada parte de ese proceso.

Una escena clave es cuando Carla y Joel discuten en el auto sobre el término del embarazo y parece más una conversación sobre Biología que sobre la decisión de ser padres. Parte de tu formación proviene de las Ciencias e imagino que influye de alguna manera en el cine que haces y los personajes que construyes…

Siempre me preguntan de qué manera me influye el haber estudiado Biología y en realidad no lo sé, pero creo que hay algo en la manera de pensar de las Ciencias que a uno le queda marcada. En Turistas tenía ganas de jugar con un personaje como Carla, que su manera de pensar viniera de las Ciencias puras, las matemáticas, cosas que se pueden evaluar con resultados concretos, pero que a la vez tropezara en esas mismas argumentaciones. Va por ese camino porque es lo que conoce, pero termina dándose contra la pared porque toma una decisión, se equivoca y esa manera de argumentar no le sirve. Lo que me pareció importante resaltar precisamente en esa escena fue como se discutían los detalles de la confianza, porque esas son las negociaciones en las que nos movemos. Una pareja es siempre una negociación y la vida social también lo es.

Quizás esa mirada científica también se puede observar en los planos de diversos insectos que se entrecruzan con la historia central. Creo que más de un espectador se sentirá como un verdadero “turista” frente a esa fauna microscópica que nos muestras…

La gente está acostumbrada a asignarle significado específico a las cosas y cuando he mostrado la película en festivales extranjeros siempre me preguntan ¿qué significan los bichos? A mí me da mucha curiosidad eso, porque una araña no significa nada, una araña simplemente “es”, y es muy divertido como la gente siempre está en búsqueda de la metáfora, de descubrir un acertijo, de encontrarle un significado preciso y simbólico a las cosas. Yo me resisto mucho a eso y respondo “si los bichos están ahí”, me los tomo como extras. Si hubiera filmado en Santiago, tendría el plano de la señora que mira por la ventana o el peatón que cruza la calle. En el Parque Nacional mis extras eran los bichos y me preguntan también “¿por qué los filmaste tan de cerca?” y yo respondo “¡pero si los filmo de lejos no se ven, son chicos!” (risas).

En realidad me pongo una excusa porque claramente lo tenía pensado, tenía muchas ganas de mostrar esta vida paralela. Lo que tienen los bichos para mi es muy importante, es recordarle al espectador que su historia es un pequeño relato que se cruza con muchos otros, y que mientras estamos con un drama, la araña tiene su propio drama del que no nos enteramos. Recordarles a los mismos personajes que no son tan protagonistas y no son los únicos que tienen algo que contar.

El Futuro de Alicia…

El Fondo de Producción del Programa Internacional de Ibermedia favoreció un tercer proyecto de la realizadora titulado El Futuro, también ganador de un FFA del Consejo de las Artes y la Cultura. Basado en el relato de Roberto Bolaño Una Novelita Lumpen (2002), el eje principal de la película será la historia de Bianca y su hermano adolescente, quienes luego de perder a sus padres en un accidente automovilístico, intentarán robar a una mansión y ella hará lo imposible por seducir al adinerado dueño de casa.

¿Qué elementos de esta obra te inspiraron a realizar su adaptación al cine?

Nunca pensé en adaptar porque me gusta escribir guiones, pero cuando leí esta novela, la vi como una película mía instantáneamente. Me sentí muy conectada con el personaje principal, con la manera en cómo estaba construido y con el humor del autor. Me gusta mucho Bolaño pero ninguna de sus obras es muy adaptable, en cambio ésta es una novela súper visual, la adaptación fue muy fácil y ese humor macabro que plantea me parece súper atractivo de convertirlo en imágenes.

Te sedujo más la historia que el autor…

Lo que más me inspira definitivamente es la trama. Hay ciertas películas, ciertos directores y ciertos cuentos que se enmarcan en un juego mucho más entretenido con la idea de trama y en este caso, la novela de Bolaño tiene una historia muy potente. Sin embargo, el centro de la historia va justamente en los recovecos de ese relato y eso tiene mucho que ver con el cine que me interesa hacer. Ir por una tercera vía que es tomar la trama como un elemento más, sin esclavizarse a ella si no que experimentar con ella. Así como puedo jugar con la luz, la actuación y el montaje, puedo jugar también con la trama.

Pasando a otro tema, en el próximo Festival Internacional de Cine de Valdivia se estrena la ópera prima de Cristian Jiménez “Ilusiones Ópticas” (2009), en la cual figuras como co-guionista. ¿Qué te pareció esta experiencia?

Me encantó, no lo había hecho y me gustó mucho. Estoy súper abierta a trabajar con material ajeno pero tengo que tener una cierta conexión. En el caso de Cristián somos amigos, tenemos un humor bien parecido y si ves la película se reconocen ciertas cosas que tenemos en común, como la manera de enfrentar los diálogos y de desarrollar una historia. Yo me entregué totalmente a su visión que tenía una agenda más política, más cercana al mundo de provincia. Más sobre la sociedad que sobre los personajes.

También participarás en el proyecto “SCL”. Tengo entendido que será una serie de cinco capítulos donde compartirás créditos con realizadores como Matías Bize, Andrés Wood y José Luis Torres Leiva, entre otros…

Somos como diez o doce directores. Los de la generación joven casi en un noventa por ciento y otros más nuevos como Dominga Sotomayor que no tiene largo terminado aún y Sebastián Brahm que acaba de filmar una película. La idea surge de las productoras que son chileno-francesas y cuando sale este pequeño boom de directores, se les ocurre hacer un proyecto de participación conjunta sobre Santiago a la manera de París Je T’Aime (2006) y nos convocaron. Cada uno tiene que realizar un corto en una comuna, yo tengo Colina, no me preguntes porqué. Es un proyecto bien interesante que aún está en desarrollo.

¿Fue al azar la asignación de comunas?

No. Nosotros elegimos pero a mi Sebastián Lelio me “robó” Providencia y bueno, al final decidí ir a explorar a Colina.

¿Qué te parecen este tipo de propuestas que intentan imprimirle un sello generacional al cine actual?

Será interesante dejar un registro histórico de lo distintos que somos. Porque la gente trata mucho de hacer generación desde afuera y le ponen nombre: “el nuevo cine chileno”, “el otro nuevo cine chileno” y realmente sí, hay varias cosas que nos unen pero también muchas que nos separan. Fuimos súper conscientes de eso y nos negamos a tratar de forzar elementos de continuidad y dijimos “ya, aquí cada uno hace lo suyo”. El único elemento común es filmar en Santiago con la misma plata, el mismo tiempo y eso puede evidenciar cosas interesantes.

Por último Alicia, ¿estás de acuerdo con la responsabilidad que algunos le atribuyen al cine de mostrarnos más temáticas contingentes que ni la política ni los medios han sabido instalar en el debate público? ¿Crees que va por ese lado la falta de identidad que se le critica a nuestro cine en algunos festivales extranjeros?

Yo creo que forzar una idea institucional de identidad tiene el peligro de terminar encerrando a los grupos. Por ejemplo, se habla de identidad mapuche o gay, y en el fondo este invento de la diversidad termina siendo una pequeña prisión de identidad. Yo tengo mucho susto con eso, creo que efectivamente hay una necesidad de todas las Artes de mirar, mirarse y mirarnos, pero no una responsabilidad de opinar sobre ciertos temas. No creo que el cine o la ficción en general tengan que obligarse a eso.

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Cuando recuerda sus inicios como estudiante de Audiovisual, a José Luis Torres Leiva (35) se le vienen a la mente autores como Carl Dreyer o Robert Bresson, influencia que se percibe en esa suerte de “narrativa de la contemplación” con la que aborda cada una
de sus creaciones. Su gusto por la vieja escuela le llegó de manos del realizador nacional Cristián Sánchez, quien fue su profesor y al que recuerda con gran admiración. “Cuando recién entré a estudiar no lo conocía más que por sus películas que estaban en biblioteca, él mismo las había dejado ahí. Fue una influencia súper importante porque con él descubrí autores que en ese tiempo eran de difícil acceso y tanto su teoría como su visión de hacer cine fueron un gran impulso.”

Algunos hasta le han comparado con John Ford. Al preguntarle si se siente cercano a la visión del director norteamericano, reconoce con bastante pudor que le parece un halago y que es otro de sus grandes mentores. “De Ford me gusta mucho como construye sus personajes, la humanidad que les otorga dentro de un género específico que es el Western, eso me llama mucho la atención y es algo que se ve muy poco actualmente. Toda esa época está olvidada dentro de las escuelas, uno vuelve a ver ese cine y está todo ahí”, remarca.

Al momento de iniciarse como director, la apuesta autoral de Torres Leiva, desde un comienzo, destacó por exponer una narrativa audiovisual bastante particular, donde el tiempo es presentado casi como un estado original, prácticamente suspendido en pos de un ejercicio visual que surge a partir de una experiencia íntima y personal de observación y contemplación. En su primer documental Ningún Lugar en Ninguna Parte (2004) realizó un interesante trabajo en el barrio La Matriz en Valparaíso, lugar del que tiene numerosos recuerdos de infancia: “esta idea surgió a partir de imágenes, recuerdos y ganas de conocer mundos muy ajenos a mí, que de cierta manera me tocaban por algún lado y me interesé en explorarlos desde otro punto de vista”

Me gustaría saber cuál es tu modo de aproximarte a la creación, ¿desarrollas el guión y luego haces una búsqueda de las locaciones más cercanas a lo que tienes en mente o desde tu experiencia en un espacio determinado te surge la idea de realizar una película?

Es un poco de los dos. El barrio La Matriz siempre me intrigó. Cuando niño me impresionaba porque era algo que no entendía y no dimensionaba en su totalidad, después fui investigando más sobre las personas que habitaban esos espacios y me di cuenta que convivían de una manera que me llamaba mucho más la atención. En el caso de El Cielo, la Tierra y la Lluvia (2008) fue al revés, siempre quise realizarla en el sur a pesar de que no lo conocía tanto pero mi familia es de allá y mis tíos siempre contaban su vida en el campo y sus juegos cuando niños. Funciona harto para mí lo emotivo y la curiosidad de explorar esos mundos. En el diario vivir me cuesta interactuar con la gente pero cuando hay un proyecto audiovisual detrás, se me hace más fácil porque tengo esa meta de la realización. Al estar detrás de la cámara se me olvida toda la timidez y ha sido una suerte de terapia (risas).

Su primer largometraje de ficción El Cielo la Tierra y la Lluvia (2008) obtuvo importantes reconocimientos internacionales, participando en Rotterdam, Ficco y Corea, entre otros festivales. El jurado de la Asociación Internacional de Críticos en el certamen holandés le otorgó el premio FIPRESCI, indicando que “la película fue escogida por su cinematografía conmovedora combinada con el diseño de sonido sutil que integra de manera impecable y contrasta a seres humanos y la naturaleza”. Al respecto, Torres Leiva señala que lo que le interesa principalmente, a pesar de la buena crítica, es continuar haciendo cine en diversos formatos y seguir aprendiendo de cada cosa que hace.

En esta película participó un importante equipo de trabajo y también contaste con un mayor financiamiento, ¿cómo te sientes más cómodo? ¿Realizando películas más íntimas y personales o de mayor envergadura?

Cuando supe que iba a trabajar con un número tan grande de gente igual me complicó un poco, no sabía cómo afrontarlo, pero fue un rodaje que no tuvo ni una dificultad por ese lado y todos fueron súper generosos al entregarse a la película y lo que ésta necesitaba. Fue una muy bonita experiencia, no hubo necesidad tampoco de imponerse. Tuvimos un arduo trabajo previo que fue muy importante porque cada uno ya sabía lo que tenía que hacer y eso se complementó y fluyó súper bien en el rodaje. Con la fotografía y el arte, por ejemplo, hubo un súper buen diálogo.

Cada proyecto tiene su propia naturaleza y su propia necesidad pero si me preguntas qué me acomoda más, yo preferiría seguir haciendo películas más chicas, más independientes. Crear otro tipo de atmósferas durante el rodaje, justamente algo más íntimo.

En una entrevista mencionaste tu gusto por un documental de Chantal Akerman, “Sur” (1999) y remarcaste que te había llamado mucho la atención esa narrativa desde la omisión, una suerte de “poética de la omisión”, ¿se relaciona esta idea al trabajo que realizas en tus películas?

Sí, para mi es bien importante enfocarme en los lugares que tienen mucha historia por detrás pero desde otras perspectivas. Por ejemplo, en el hospital psiquiátrico, locación de El Tiempo que se Queda (2007) era tan fuerte estar en ese espacio, en esos pasillos y en esos pabellones, que todo lo que podría poner en esa imagen sobraba. En ese documental que mencionas, en particular, me llamó mucho la atención que el punto de inicio de la película fuera la muerte de un niño en el sur de EE.UU. La directora filma los lugares donde ocurrió este asesinato y como ya había pasado bastante tiempo, la gente había vuelto a su cotidiano e incluso en el mismo piso donde ese niño había estado muerto, la gente seguía haciendo su vida. Es interesante como ese lugar bajo esa historia adquirió otro peso y otra narración, fue algo súper potente.

Cuéntame sobre eso, tu próximo proyecto “Verano”, ¿en qué etapa está?

Es un proyecto de hace harto tiempo que se ha transformado mucho, era una película pensada en realizarse con un equipo pequeño, en video y con un espíritu bien distinto a la anterior. Si en El Cielo, la Tierra y la Lluvia (2008) me interesó explorar el tema de la soledad, la tristeza y la melancolía, Verano explora todo lo opuesto: la felicidad y esos pequeños momentos fugaces que son muy cotidianos, que provocan cierto placer y que son los que quedan finalmente en la memoria. Es muy simple como está planteada, transcurre en un día de verano, en vacaciones, en las termas de Cauquenes, un lugar que para mi es súper especial porque iba con mis abuelos algunos fines de de semana. Tengo recuerdos especiales de algunos lugares, volví a ir cuando ellos habían muerto y fue muy impresionante porque está igual. Fue muy fuerte ese recuerdo, imágenes de momentos infantiles que son como pequeñas lagunas, que están en tu mente y se activan. De ahí nació el proyecto, de querer hacer algo con eso.

Con respecto al cine contemporáneo nacional, ¿te conquistó alguna película estrenada el año pasado?

Lo que me parece interesante con el cine chileno es que son propuestas muy personales pero a la vez hay un diálogo entre todas las películas, puede ser que hablen de temas muy distintos pero sí hay algo que las conecta que a lo mejor puede ser generacional, una visión del Chile de hoy, de cómo vivimos ahora. Huacho (2009) me gustó mucho, es súper interesante lo que hace Alejandro Fernández. Conocía sus cortos, los temas que viene trabajando y lo que quiere hacer en el futuro y hay una coherencia ahí que me gusta mucho. Igual yo valoro eso, cuando alguien es consecuente con lo que piensa y lo transmite.-

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El año 2000 se estrenó en nuestro país un singular documental sobre el boxeador Martín Vargas. De los realizadores, Bettina Perut, David Bravo e Iván Osnovikoff poco se sabía, sólo que la idea había surgido de Silvio Caiozzi y que era una interesante propuesta de seguimiento que duró varios años. Luego vino Un Hombre Aparte (2002), obra basada en la vida del productor de boxeo Ricardo Liaño que, ganadora de varios premios, le dio un respetado espacio a la dupla Perut – Osnovikoff dentro de nuestra reducida “escena” audiovisual.

Cuando recuerdan sus primeras obras, ambos las definen como una suerte de escuela, una forma de aprender a desarrollar un trabajo audiovisual desde la transgresión de los formatos clásicos de construcción de relatos en los medios y en el cine. “Y esas búsquedas fueron parciales porque igual trabajamos con cámara en mano, grabamos cabezas hablando y recién con Un Hombre Aparte (2002) preparamos el camino para profundizar ese gusto por el ataque a lo instituido. Quisimos provocar a la tradición cinematográfica chilena por lo tanto fueron objetivos buscados tanto a nivel moral, ético y formal”, reflexiona Iván.

Bettina por su parte, recuerda los años de Chi-Chi-Chi Le-Le-Le Martín Vargas de Chile (2000), su primera producción documental: “no teníamos mucha experiencia audiovisual y por eso hubo muchos elementos periodísticos, todavía estaba esa cosa de las entrevistas, lo que te dicen las cabezas, algo súper tradicional. Cuando Iván dice que hay algo consciente, premeditado de provocar, yo siento que es hasta por ahí no más porque también es una forma nuestra de relacionarnos con los personajes, con la gente y con el mundo. El trato que le dimos a Liaño y la manera de relacionarnos con él no fue sólo por una mera intención de provocar”.

Iván Osnovikoff: No, pero me refiero a la película misma, nosotros teníamos claro que el final debía generar una sensación abismal frente al espectador, esa sensación de muerte, de sinsentido de la vida, lo hablamos antes de la película, a eso me refiero, no al tema de cómo se trata el personaje.

Bettina Perut: Ya, pero es que muchas veces nos han dicho que tenemos una mirada irónica y todas esas cosas no son a propósito, es nuestra manera de ver la vida, de relacionarnos con el mundo, no es que nos lo propongamos. De repente alguien dice que es despiadado y nosotros no nos estamos planteando eso.

Iván Osnovikoff: Es lo que se llama la “carcajada del sátiro”. Nuestra manera de ver las cosas.

Y esa búsqueda hacia la transgresión ¿está presente en los nuevos realizadores o nos estamos quedando estancados en los retratos biográficos de personajes históricos de carga política?

BP: Yo creo que se siguen privilegiando las temáticas por sobre la búsqueda estética.
IO: Y es un problema de la industria…
BP: ¿En qué sentido un problema de la industria?, si uno igual puede hacer ese tipo de cosas, nosotros las hacemos…
IO: Porque hemos aprendido a poder hacerlo. Hay quienes no pueden realizar una película si no logran un financiamiento que lo que beneficiará es un tema. Pero si, hay cambios…
BP: Hay intentos, pero conjugar el contenido con la forma y con el aspecto más estético, no.
IO: Pero por ejemplo ¿la Tiziana? (Panizza), ¿el Pancho Hervé?, ahí hay más consolidación. Claramente hay una explosión de producción, agrupándolos a todos desde los más malos a los más buenos. Cada vez hay más espacios para películas que hacen búsquedas no solamente formales si no conceptuales y nosotros no nos podemos quejar porque los últimos años nos ha ido bien con los fondos pero todavía hay privilegios, sobretodo a nivel institucional, de considerar que el documental es más temático que artístico, entonces hay más libertad creativa para las ficciones que para el documental. Hay una inercia muy grande sobre todo a nivel conceptual, de contenidos y de formas de abordar los temas.

¿Y a qué se debe?

IO: A tradiciones de producción y de pensamiento.
BP: Que no tienen que ver con dónde estudiaste ni quién te enseñó. Los realizadores que han hecho cosas más innovadoras, que han jugado con el lenguaje, con el aspecto formal y de contenido, simplemente tienen una capacidad de dar un paso más allá de lo establecido y eso está dado por otras variables.
IO: ¿Cuáles?
BP: La situación de vida y contenidos que vienen de otros lados. Por ejemplo, ni uno de nosotros estudió en escuelas de cine…
IO: Y de hecho es más difícil consolidarse…

“…si uno hace un buen documental sobre Derechos Humanos inmediatamente te aplauden en el Ministerio, en los partidos políticos, se te abren espacios, puedes exhibir acá y allá. Una película más difícil de ver, aunque sea muy buena, no va a tener esos aplausos fáciles. Muchas veces los realizadores toman caminos creativos y temáticos también en función de la facilidad de conseguir proyectos, hacer plata y lograr éxito”.

NOTICIAS, ¿CRÍTICA A LOS MEDIOS?

Luego del interesante debate de entrada entre los realizadores, pasamos a revisar Noticias (2009), su última obra presentada en el pasado Festival Internacional de Cine de Valdivia, la cual radicalizó al público en impresiones o a favor o en contra. Según Perut y Osnovikoff, la inquietud de desarrollar este documental comenzó tras la realización de Welcome To New York (2006) y es producto de las influencias que ambos tuvieron en la gran manzana. Esta vez quisieron realizar un trabajo más observacional a partir de una reflexión sobre la información segmentada que presentan los programas noticiosos. “se llamaba Malas Noticias primero, después nos pareció muy intencionado el nombre y lo redujimos a algo más frío, Noticias”, enfatiza Iván. “Nunca pretendimos hacer una crítica al periodismo, no va por ahí la cosa, no tiene ni una vinculación como se señala en algunas entrevistas que nos han hecho. No van a encontrar eso porque nunca tuvimos esa intención”, remata Bettina a propósito de las diversas interpretaciones que se han hecho del documental.

¿Y de qué trata entonces?

IO: Tiene que ver con lo relativo a los formatos de construcción de verdad, algo que claramente incumbe a la prensa, a los medios y a la TV, pero no es literalmente una crítica a los medios periodísticos. El ejercicio es que, para una misma realidad, nosotros construimos una sensación de verdad diferente: mirando, dando tiempos y seleccionando en forma distinta a como lo hace un noticiario, por ejemplo. Acentuando determinadas cosas y desacentuando la tensión en otras.
BP: Y cuando decimos que es la continuación de lo que hicimos en New York nos referimos a que es la continuación de nuestra búsqueda estética.
IO: Que con esta película se radicalizó aún más.

Noticias es una obra que refleja una acuciosa prolijidad en cada plano, cuéntenme, ¿qué dificultades tuvieron para lograr concretar esa aproximación in situ que hacen con la cámara por ejemplo con los cuerpos en la Morgue o con las tomas en la Posta?

BP: Nosotros leímos una crítica en Internet que decía que los planos eran tan prolijos que parecían como puestos, que le quitaban la fuerza de documental y de verdad de lo que se estaba viendo, ¡completamente errado! Es el resultado de estar presentes en el momento indicado, de rápidamente planificar las tomas, ver desde dónde observamos, dónde ponemos la cámara, cuánto rato, cómo aprovechamos las fuentes de luz y claro, hubo dificultades…

“…es muy distinto grabar a unos tipos conversando en el parque que a una señora en la Posta que está sintiendo dolor y se está quejando. Hay que moverse rápido, esperar, acercarse, cranear cómo poner la cámara y cómo hablarle a esta señora para conseguir que te deje grabarla, etc. Eso te lo da la experiencia y son decisiones que se toman en función de un objetivo claro que era hacer algo bello de ese sufrimiento, en ningún caso con un afán sensacionalista. A mí me gustaría que al menos alguien dijera, “puta que bonito” que esa muerte, dolor, horror y fealdad puedan convertirse en cosas bellas. Ese fue nuestro objetivo y nuestra búsqueda, no nos interesa provocar por provocar pero también estamos absolutamente conscientes que eso va a pasar”

¿Cuanto material grabaron en total?

IO: Como unas 180 horas pero de planos muy largos, no es que hayamos grabado muchas cosas que no sirvieron, si no que hay mucho tiempo de rodaje en cada situación.

En la pasada exhibición en Valdivia el público se dividió entre quienes consideraron el documental como una obra de avanzada y entre quienes lo repudiaron y le atribuyeron una morbosidad sin sentido. ¿Piensan estrenar comercialmente?, ¿qué reacción esperan del público?

IO: Sí, la estrenaremos en abril o mayo del 2010. Este año también estuvimos en Ámsterdam, en el
festival de documentales más importante y fue súper buena la reacción. Sabemos que entre un 10
y un 20% del público siempre va a abandonar la sala y que en determinado plano se levanta una
pareja y sale…
BP: Pero es normal, nos da lo mismo…
IO: Lo tenemos asumido y por otro lado, hay quienes nos han dicho que es bueno que Noticias
(2009) sea una película que expulse a cierto tipo de gente. Las discusiones han sido súper buenas,
interesantes los feedbacks y nos ha sorprendido el nivel de aceptación y valoración que ha tenido.
No solamente por lo arriesgado de la propuesta, sino por lo sólido de lo que se pone en discusión
finalmente.

¿Y quedaron conformes con el trabajo realizado?

BP: Es la primera vez que siento una satisfacción tan grande. Se dan muchos elementos en esta
película que estábamos buscando ambos pero habían quedado atrapados en Welcome to New York
(2006) y ahora se consolidaron. Siento un orgullo personal súper grande por eso y realmente no me
preocupa si te gustó o no, y te lo digo súper en buena. Igual es el descueve que a alguien le haya
maravillado y que eso incluya los planos del tipo con las moscas, etc. El documental habla por sí
solo y no es necesario preguntar nada. Yo agradezco que nadie pregunte ni quiera saber más allá.
IO: Y además salió todo bien porque es la película mejor financiada que hemos tenido, terminada
en HD, se ve y suena excelente. Estamos satisfechos y a propósito de la división del público, es
evidente que la película es moralmente subversiva y siempre habrá gente que se lo tomará como
ofensa personal y eso ya no es problema de uno. Es normal que pase y es bueno, es parte del éxito
del experimento que eso ocurra. Si hubiera fallado, no produciría ese nivel de rabia en cierto tipo de
público más conservador.

Para más información sobre los realizadores y su filmografía, puedes visitar el sitio www.perutosnovikoff.com, donde también se encuentran a la venta sus documentales:
- Chi-Chi-Chi Le-Le-Le Martín Vargas de Chile
- Un Hombre Aparte
- El Astuto Mono Pinochet Contra la Moneda de los Cerdos
- Welcome to New York

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Lo esperamos afuera del café en que quedamos de acuerdo. Aún no llega y tememos que nos plante. Somos cuatro ojos mirando las cabezas de la gente y todos los rapados son sospechosos de ser el hombre que tenemos en la foto del curriculum vitae que nos robamos. Hasta parecemos unas Penélopes esperando. De repente vemos a alguien arriba de una bicicleta preguntándole algo al quiosquero. Es él, y estaba perdido. Moisés Sepúlveda es cineasta, mago, profesor en la escuela de Cine y Televisión de la Universidad de Chile y director de videoclips. Junto a él hablamos de cosas entretenidas y hasta logramos que nos hiciera un truco de magia.

Entramos al local y agarramos el sofá más cómodo que pueda existir en la vía láctea del mercado cafetero agringado; apenas nos sentamos, el profesor Sepúlveda estira la mano y nos entrega una tarjeta de presentación. “Magia Close-up” es lo primero que se lee en ella y el dibujo de un joker típico de un juego de cartas. – ¿Eres mago? – le preguntamos, “si, pero no soy sólo mago. Eso sí, durante varios años he vivido de la magia”. No pensábamos encontrarnos con este lado ‘b’ de nuestro entrevistado, pero daría para una divertida y diferente conversación con trucos incluidos.

“Lo amateur y lo profesional en la magia es una línea súper delgada. Yo creo que los mejores magos no son solo magos”. Y bien sabe Moisés sobre esto. Egresado de la escuela de cine de la Universidad Arcis, ha dedicado su tiempo a ambas áreas, intentando complementarlas y sacando lo mejor de cada una para su vida profesional. “La magia es un modelo creativo que se parece al cine. Pero nunca he hecho algo de magia en cine ni de cine en magia, aunque abstractamente saco mucho de esto. De hecho una vez hice un documental de magos para la escuela, pero nada más que eso”.

Cómodos en estos grandes sillones, Moisés continúa contándonos sobre su vida profesional y cómo ésta ha influenciado en lo cotidiano.

M: soy muy perfeccionista. Rallo en lo neurótico, aunque obsesivo es lo que me define más que neurótico. No creo que sea un defecto, hasta el punto en que todas las cosas que tú hagas dependen de tu voluntad. Por ejemplo, el tema de los video clips no es para mí un negocio. Creo que para nadie. Honestamente creo que en Chile nadie gana plata haciendo video clips. Aunque me ha pasado que efectivamente he sido financiado, finalmente tiene que ver con que tenga muchas ganas de hacerlo. Entonces, si ser obsesivo está ligado a la voluntad y al pragmatismo creo que es necesario.

Moisés ha dirigido varios videos, entre ellos dos de Los Coléricos. “Chascona Chascona” y “Calas Blancas”. El video de Chascona Chascona, es una fotografía en eterna panorámica. ¿Cómo se hizo?

M: Se puso un trípode en un lugar. Se estuvo desde la mañana hasta el anochecer, en un mismo punto, sin mover nunca el trípode con la cámara, tomando la panorámica. Una foto, la siguiente, la siguiente, la siguiente: una ronda; esperábamos una hora, pasaba la luz: otra ronda, y así en adelante. Luego estas fotos fueron unidas, más las de la noche, porque en el video clip oscurece y amanece. La verdad es que fue una noche no más y luego se invirtieron unas fotos para que pareciera que amanece.

Luego fue unido como maqueta, en un programa para edición de video y se animó con la canción. Llegamos a la conclusión de que era demasiada información, entonces a cada vuelta le quitamos la mitad de su recorrido. Si tú te fijas, cada vuelta, en realidad no son 360°, son 180º.

Luego fue a photoshop durante dos semanas hasta que las fotos quedaron como si fuera una sola. Cuando llegaron a la panorámica perfecta, sin que se notaran las uniones –bueno, al menos la idea era que no se notara- (Eric León si notó las uniones porque el hombre es del puerto de San Antonio, donde se sacaron las fotos), logré animarlo, pero finalmente intervino un animador profesional…unas dos jornadas y lo afinó. Listo.

Actualmente Moisés estrenó un videoclip para la película “Turistas”, de Alicia Scherson, donde Icalma con Gepe son quienes ponen el tema principal y trabaja en un nuevo encargo para Los Coléricos, que están por lanzar su nuevo disco.

Mientras, Moisés seguramente seguirá haciendo clases, con su pega como asistente de dirección de Algo Habrán Hecho -una serie de televisión que va a salir en marzo por TVN- y haciendo magia de la entretenida, de esa en que conversas con el mago, te ríes y te quedas asombrado porque tu carta preferida, es la misma carta que tiene el hombre de la magia en la mano. ¿Qué tal?

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Recuerdo la noche inaugural del pasado festival //Cine B. A eso de las 22 hrs. del 7 de julio, luego
de la presentación de rigor, se exhibió Trekking (2009) de Rodrigo Marín, luego un fragmento de Una
Parte de Mi Vida de Óscar Cárdenas y para el cierre, Huacho (2009), film que ya estaba dando que
hablar por su paso por Cannes y que sin duda, fue el principal motivo del colapso de la sala 1 del
Centro Arte Alameda.

Antonino Ballestrazzi, Director del citado evento caracterizado por resistirse al convencional celuloide,
hace una aclaración previa: “nos carga exhibir en este formato pero haremos una excepción ya
que sólo tenemos una copia en 35 milímetros subtitulada”. Esta advertencia no tuvo mucha importancia
entre el público presente, pero a AFA (diminutivo común en el medio de Alejandro Fernández
Almendras), lo puso en suspenso apenas comenzó la exhibición: “fue una situación complicada
porque se vio rapidito, como a 28 cuadros por segundo, era otra película, tenía otro ritmo, de hecho
duró como 10 minutos menos; 80 y la película es de 90. Fue muy raro pero decidimos pre estrenar en
//Cine B porque en términos de espíritu, era mucho más cercano a la película, nos sentíamos más
cómodos en ese lugar que en otro festival más grande y también la fecha nos convenía”

Lejos de la anécdota y continuando con ese mismo “espíritu”, los estrenos oficiales se realizaron
en las propias ciudades-locaciones del film. Portezuelo -comuna a 34 km. de Chillán- y San Nicolás,
fueron las sedes de las primeras exhibiciones, que llenaron gimnasios y plazas públicas. “Fue muy
bien recibida, es una película que se entiende súper bien, se entienden los chistes y funciona con el
público. En Portezuelo hubo gimnasio lleno como con 700 personas, Cornelio era ídolo total, “Hijo
Ilustre” de la ciudad, ahora es mucho más conocido y respetado. Lo mismo le pasó a Alejandra,
habló con el alcalde de Chillán viejo y hasta consiguió pega con la película”, comenta Alejandro
aclarando que esto se debe a que Huacho (2009) es un film sin pretensiones que trata de la vida
común y corriente de una familia del campo, donde las distancias entre la ficción y el documental se
vuelven casi indistinguibles y los cuatro personajes principales (no actores) interpretan en gran parte
sus propias vidas.

A propósito de los personajes, Cornelio Villagrán ha participado activamente presentando la película, lo podemos escuchar en una frase promocional para radio. ¿Cuál es tu percepción de la influencia que ha tenido tanto en Clemira, Manuel, Alejandra y Cornelio el hecho de verse retratados en un film?

Ha sido súper bueno y tiene que ver con lo mismo que trata la película, la invisibilidad social de
un montón de gente y es por eso que la hice con actores no profesionales, quizás en otros lados
es común pero en Chile creo que es la primera vez. Huacho (2009) era por principio un film súper
amateur, Cornelio nunca habría viajado fuera de Chile si no fuera por la película, ya tiene 72 años y
nunca se habría subido a un avión, lo mismo con Manuel que llevamos a Lima. Eso es súper valioso,
la dignidad que aparece en la película se les devuelve a la vida real y además Huacho (2009) no fue
un exitazo de taquilla ni estuvo en todos los diarios, les dio una fama chiquitita que los validó en su
círculo pero no los volvió locos. Son personas centradas y no se les llenó la cabeza de pajaritos.

Cristian Venegas, un colaborador de este suplemento, nos comentó que en las exhibiciones de estreno en Chillán a pesar del éxito de convocatoria, algunos jóvenes abandonaron la película reclamando “dónde estaba la acción”. ¿Crees que esta reacción demuestra una deuda por parte del sector audiovisual hacia la formación de audiencias?

Yo creo que eso tiene que ver con los medios masivos y es un problema de audiencias no sólo en
cine sino también en literatura, música, teatro… en todo. Hay una profecía auto cumplida a partir
del mercado que dice que el arte es igual a entretenimiento y el arte que no es entretenimiento es
fome, no hay una valoración en ese sentido. En todo orden de cosas, las más valiosas son las menos
vistas a no ser que estén marketeadas súper bien como un espectáculo y es un tema que tiene
que ver con que a partir de los años 50’ empezó a funcionar la máquina con eso de valorar mucho
la arrogancia y con ello, la ignorancia de la gente.

Lo que más necesita ese mercado es una masa acrítica, que la gente no piense y que vaya por lo que le venden. Pensar que nosotros estamos fracasando en crear audiencias, no, uno tiene que preocuparse de hacer las películas que uno siente que son las que honestamente no tratan al público como retrasados mentales. Generalmente se hace el ejercicio de pensar “esto no se va a entender”, “hay que hacerlo más claro”, “la gente se va a aburrir”, o sea, ese tipo de cosas ganan público y es muy fácil que una persona sumida en la ignorancia de algo, consuma ese tipo de producto.

El éxito que ha tenido Huacho (2009) no sólo ha sido a nivel nacional. La película ha formado parte de numerosos festivales internacionales como Cannes, San Sebastián, Toronto, La Habana, Múnich, Bangkok, Mar del Plata… y la lista continúa. Sin embargo, el director recalca que desde donde mejor se entiende es de este lado del mundo, porque la gente conecta muy bien con los personajes sin el prejuicio de estar frente a una película hecha para festivales. “Afuera siempre está presente cierta expectativa de los gringos hacia el cine latinoamericano y frente a eso hay dos grandes posturas que son súper colonizantes: o les vendemos el exotismo, el realismo mágico, que aquí andamos con palmeras en la cabeza, que vemos fantasmas, que las casitas son de colores y la gente cree en tonterías, o frente a eso mismo hay una reacción inversa y se hacen películas de la ciudad, de gente joven súper sofisticada que habla inglés y que nunca tiene problemas de plata”, reflexiona y recalca que entre estos dos polos seguimos dependiendo culturalmente de lo que piensan los países
desarrollados.

¿Qué impresiones has tenido del público en el extranjero?

En Europa y en países más desarrollados, hay algunos que la reciben muy bien y hay otros que no,
porque sin ver la película ven la lista de actores, se informan de cómo se hizo, los fondos que tiene y
caen en el prejuicio que es una película hecha para festivales y para nada es así. Los únicos premios
que ha ganado han sido aquí, en Chile o en Latinoamérica y es porque la gente la entiende mejor.

Yo siento que Huacho (2009) muestra una realidad sin plantearse cómo se verá afuera. Por ejemplo,
el mismo productor alemán me decía “necesito ver un poco más el paisaje” y yo le respondía,
“bueno, si querís ver más el paisaje cómprate una postal o anda a Sernatur”. Esta película no tiene
el componente ni de lo exótico ni de lo sofisticado entonces queda en tierra de nadie. También ha
pasado que sin verla, algunos han pensado “esta es la típica película de los pobres” de la cosa social.
En general la película es bien recibida pero en un nivel súper íntimo, no te va a hacer explotar
en términos emotivos.

Te debe haber costado mantener tu visión…

Sí pero no tanto porque yo sabía a lo que iba. El hecho que haya estado financiada antes de hacerse
me dio un montón de confianza y claridad, no tenía intenciones de vender o transar esa visión porque
me parece que es ahí cuando empiezan las cosas a hacer agua. Prefiero equivocarme con lo que
estoy haciendo, que de hecho tiene errores, pero si no lo lograba concretar iba a estar transando.

EL SALTO A LA DIRECCIÓN

Muchos se preguntarán ¿a qué se debe el éxito de esta ópera prima y de este debutante director? AFA, de profesión Periodista, cuenta que desde niño fue cinéfilo y se dedicaba a investigar sobre directores. Gracias a su hermano llegó a sus manos la revista Enfoques que amplió sus horizontes y su gusto por el cine. Luego, en la Universidad, fue compañero de personajes como Álvaro Díaz y Pedro Peirano (31 Minutos) y junto a Ernesto Garrat (crítico de cine) se juntaban en el recreo a hablar de su pasión común. “Eso fue el año 92’, 93’ y no había cómo estudiar cine, era difícil. Después por el 2001, me metí a un curso en Nueva York y tuve un muy buen profesor que me mostró un nuevo tipo de cine que yo no sabía que existía. Además, en ese tiempo me compré también una cámara de video y empecé a grabar un montón de cosas”

Anteriormente ya probaste la mano dirigiendo los cortometrajes “Desde Lejos” (2006) que participó en Sanfic y “Lo que Trae la Lluvia” (2007) tuvo su paso por algunos festivales internacionales…

Lo que Trae la Lluvia (2007), estuvo en competencia en Berlín y ganó unos premios en España. También
ganó un festival de comidas en Bologna y fue súper bueno porque eran como 5000 Euros de premio,
¡un montón de plata! Me llamaron un día en la tarde, me contaron la noticia y yo dije “la raja”,
nunca había ganado tanto y creo que nunca lo haré con algo. Con Huacho (2009) no hemos ganado
nada en términos de plata, parece que los cortos son mejor negocio, es más barato, toma menos
tiempo, los puedes mandar a hartos lugares y si ganas y le va bien, puede ser una forma de vida.

¿De qué tratan estos cortos?

Desde Lejos (2006) es sobre un tipo que trabaja en la ciudad, en Chillán, va a ver a su mamá al
campo y pasa la tarde con ella. Lo que Trae la Lluvia (2007) es casi como el inicio de Huacho (2009).
De hecho pensamos en algún momento usar la plata del corto para hacer el largo pero después
decidimos hacer el corto tal cual como estaba planificado. Fue una buena idea porque nos permitió
conocernos más y sirvió para establecer un sistema de trabajo porque en el primer corto nadie
entendía nada, ni el sonidista, ni el Inti (Briones)… todos se preguntaban “qué está haciendo este
tipo”, entonces al final ver un buen resultado ayudó a cohesionarnos. Vamos a trabajar también en
la próxima película con el mismo equipo.

A propósito de eso, estás preparando tu segundo largometraje, Sentados Frente al Fuego…

Hemos estado medios flojos con la preproducción. Vamos a empezar a rodar la última semana de
mayo y terminamos en enero, son 4 estaciones. Es la historia de una pareja de mediana edad que
vive en el campo, ella tiene una enfermedad y durante ese periodo él la cuida y acompaña. Es una
historia súper íntima, chiquita, que tiene varias cosas en común con Huacho (2009) pero al mismo
tiempo es bastante distinta aunque igual de ambiciosa. Tiene una mirada sobre la irreversibilidad de
la muerte, sobre el fin de algo…

¿También trabajarás con actores no profesionales?

Probablemente la haremos con un actor como protagonista porque exige cosas distintas, además
necesita plantearse más desde el lado de la ficción, quizás tenga algo de música. De repente trato de
hacer esta otra película distinta a Huacho (2009) y me sale igual. Godard decía que uno no hace la
película que quiere si no la que le sale y eso es súper cierto

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El año pasado, mientras todos seguían haciendo planes exitistas o abrazando chovinismos en beneficio de la consolidación de una industria cinematográfica capaz de dar frutos, El Pejesapo (2007) se coló por las rendijas del cine nacional y explotó como una molotov. Película misteriosa, áspera y de un bajo presupuesto más que evidente, la ópera prima de un tal José Luis Sepúlveda formó, en apariencia, parte de la camada de producciones en digital que encontró espacio en el Centro Arte Alameda o en el Festival Cine B.

Sólo en apariencia, ya que Sepúlveda retiró su película de la programación del certamen en el 2007
– por considerarlo una ventana de promoción de los trabajos de la Escuela de Cine de Chile – y desde entonces, ha mantenido un bajo perfil que tiene intrigado a varios, en especial, al puñado de críticos
que, contra todo pronóstico, consideramos que El Pejesapo (2007) fue una de las mejores películas
chilenas estrenadas el año pasado.

“Es la raja que se valore porque cuesta hacer este tipo de cine”, opina el cineasta. “Todos tienen
una línea estructurada, pareciera que estuvieran haciendo la misma cosa. El montaje de las películas
pareciera que la hiciera el mismo montajista, la dirección de foto es casi siempre del mismo tipo. En
Chile hay un rollo con la elite”, dispara, descargando las balas de un cine de guerrilla radical hacia
un sistema fílmico que se ha vuelto cada vez más cerrado y homogéneo.

Con un prepuesto de 250 mil pesos, El Pejesapo (2007) muestra las andanzas de Daniel S.S. (Héctor
Silva), personaje desadaptado que, luego de un fallido intento de suicidio, busca una nueva oportunidad
en la vida en medio de un Santiago inhóspito. La mezcla de situaciones de ficción (una escena
de asesinato) con otras de carácter documental (la visita de Luisa Durán a la fábrica donde trabaja
el protagonista) nos sugiere cuestionamientos sobre la verdadera naturaleza de una obra cargada
de mística; una película granosa que ofrece algo que pocas veces el cine criollo entrega: coherencia
entre forma y fondo.

Reflejo del anticuerpo del sistema frente a una película como ésta se vio hace dos años en el Festival
de Cine de Valdivia, cuando participó en el Work in Progress. La explicación que le dieron a Sepúlveda
fue que su largometraje no es del nivel técnico que exige el certamen. “La verdad es que el jurado
llegó a la mitad de la película”, aclara el realizador, pero reconoce que su relación con el evento
sureño ha mejorado, como lo prueba la exhibición de su nueva cinta Mitómana en la edición de este
año.

-Esa estética cruda, deslavada y frontal es muy adecuada para el mundo que retratas. ¿Qué te pasa con la aproximación a la marginalidad del gran grueso del cine chileno?

Creo que no podí ir a comer un pastel a avenida Apoquindo y después venir a hacer una escena de pasta base.

-¿Consideras que la distancia de los realizadores con ese mundo es muy grande?

Depende del caso, pero creo que hay un aprovechamiento instrumental político. A la gente le gusta la morbosidad. Yo vivo en la población. Cuando chico vivía en la Villa Francia. Tengo amigos que están metidos en la pasta. Hay una mirada más horizontal.

La segunda parte de la entrevista se desarrolla en una calle de La Pintana, locación de Mitómana -la película que Sepúlveda acaba de realizar junto a su pareja, Carolina Adriazola- y también del FECISO, festival organizado por la dupla, que se lleva a cabo entre el 2 y el 6 de diciembre.

“Ahí mataron a un cabro chico cuando filmábamos la película”, cuenta el director, apuntando hacia un rincón donde unos niños juegan a la pelota. A pocos metros se extiende una extensa muralla transparente que marca el límite de una carretera que aún no ha sido inaugurada y que arrasó con parte de la población cuando fue construida.

“Mi próxima película se va a llamar Invasión y tratará el tema de cómo la gente se va compartimentando,
se va encerrando como si estuviera enrejada. Es un asunto social fuerte, especialmente desde
el punto de las familias”, adelanta.

Pero antes está el proceso de difusión de Mitómana, cinta que tiene como protagonista a una actriz que busca encarnar a un personaje. Nuevamente, la mentira y la verdad se fusionan en un ejercicio experimental que resulta fiel a la cosmovisión de sus creadores. Para el rodaje, la actriz Paola Lattus -Tony Manero (2008), Ilusiones Ópticas (2009)- se instaló en la casa de Sepúlveda y Adriazola durante un mes y, junto a los realizadores, recorrió este extraño territorio, atrapado entre la pobreza y los monstruos del progreso sin conciencia. La experiencia fue rara, distinta y finalmente satisfactoria para un par de cineastas poco habituados a los métodos profesionales de la intérprete protagónica.

“Fue cuático porque ella pertenece al academicismo del teatro”, confiesa el director. “Le quitamos
el computador y todo para concentrarnos 100% en lo que queríamos hacer. Nosotros veníamos
filmando con gente de la calle y con más experiencia de vida, porque la Paola es joven todavía. Pero
fue interesante el trabajo; duro y complicado eso sí”, agrega la co-directora.

¿Cómo se dio la mezcla de elementos de ficción con realidad documental esta vez?

JLS: Nuevamente ocupamos la calle como escenografía y fuimos viendo cómo se daban las relaciones.
La idea es ir probando conceptos, ideas. El proceso fue más intenso que con El Pejesapo (2007).
Fue complejo plantear un personaje que vaya tomando otras personalidades, hablar de la actuación,
del cine chileno, no es tan fácil.

¿Cuesta mucho que personas que no tienen experiencia en la actuación acepten aparecer en las películas?

JLS: Hemos tenido suerte en eso. Pero creo que la misma gente quiere expresar y uno tiene la posibilidad de darles ese privilegio.
CA: Siempre es más interesante trabajar con no-actores, aunque es más difícil por el compromiso. Hay gente que un día aparece y otro no. La relación humana es fundamental en este trabajo, llegar a la gente, motivarla.

¿De qué manera trabajaron a dos manos?

CA: Es algo que fluyó naturalmente. El guión lo trabajamos por secuencias, teníamos un supuesto
pero nunca nos cerramos frente a lo que podría pasar.
JLS: Hacemos los guiones como si fueran poesía. Nos gusta más eso, porque el sistema tradicional se
asocia más a un método oligárquico, vertical, donde colocamos un foco acá, la gente pasa por acá,
colocamos una cruz aquí… Eso no tiene ni un brillo, es un guión propio de “los malos están aquí y
ustedes ahora están acá y esto es un infierno”. Las cosas no son así.
CA: Para nosotros es importante no establecer juicios previos. Lo que nos interesa es escuchar.

Luego de un largo proceso de filmación (CA: “fue súper intermitente. No teníamos cámara, debíamos conseguirnos una”), Mitómana se pre-estrenó en el pasado Festival Internacional de Cine Valdivia, aunque se trató de un primer corte. Después sería el turno de una exhibición en el Festival de Cine Emergente de Con Con, pero a la dupla le falló el disco duro. Ahora, hace una semana, Sepúlveda y Adriazola concluyeron finalmente el montaje para el gran estreno en el festival que organizan. La proyección fue sobre un telón ubicado en el mismo perímetro donde filmaron.

El evento que se realiza desde el 2007 –denominado en extenso: Festival de Cine Social, Antisocial y Hermafrodita- incluyó también películas de jóvenes de la comuna además de producciones de Argentina, Colombia, Costa Rica, México y España. Como actividad complementaria se abrió un foro social en el que los habitantes de La Pintana pudieron dar a conocer sus inquietudes.

“Acá nunca llega la prensa y ellos siempre han estado con la gente para que se conozcan sus
problemas sociales”, cuenta la dirigenta Fernanda Marcos. “No tenemos apoyo del gobierno, ni
del municipio. Ellos tratan de ocultar lo que nos pasa. Los periodistas tienen miedo de venir y es
importante que se conozcan todos los dramas sociales, de drogadicción y de un montón de cosas
más. El festival presta apoyo para esto se pueda ver”. “Está hecho para que se hable de este tipo de
problemáticas, por eso no tenemos películas del cine Hoyts. Nos interesan los temas importantes y
reconocibles y que la gente pueda hablar de ellos”, acota Sepúlveda.

¿Ha sido muy difícil levantar un espacio como este?

JLS: Es difícil porque estas poblaciones quedan al desmedro político de las municipalidades. No se toma a la gente en serio. Se aprovechan y van en plan de apartamiento más que de escuchar. Estas mismas ventanas de exhibición proveen nuevas posibilidades de mirada, que es lo que nosotros estamos
buscando. También queremos que haya nuevos creadores, que no siempre sean los mismos.
CA: Este año ha llegado una cantidad de películas, por la posibilidad que da el digital de hacer algo con una cámara. Es súper interesante; algo que no se daba años atrás. Hay mucha gente interesada en participar específicamente en este festival porque es el único de este tipo.

¿Creen que el cine está finalmente acercándose a las personas?

JLS: Siempre ha sido de elite, pero al igual que la música puede acercarse más a la gente. La música de hecho ya lo logró.

El evento, para el que se arrendó una gran casa en Puente Alto capaz de albergar a todos los invitados, forma parte de un objetivo único que inquieta a José Luis Sepúlveda y Carola Adriazola: difundir, a través de películas o mediante foros, la vida de aquellas personas que suelen ser satanizadas por
los medios, olvidadas por las autoridades políticas y golpeadas por las alas metálicas del progreso.

“Lo bueno del cine es su poder de convocatoria”, explica Sepúlveda, como si su tarea fílmica no fuera más que un medio para llevar a cabo un plan mayor; político, pero distanciado de cualquier acción partidista; artística, aunque desvinculado del glamour barato del medio; humano, pese a su desligamiento de discursos manipuladores. Esto no es más que acción consecuente, urgente, vital, honesta.
“Nos interesa abordar problemas reales. Por eso para nosotros es importante que las películas tengan un carácter documental. La ficción es un gastadero de plata gigante, melodrama de cuicos como el Matías Bize. Es el cine que no me interesa, no me identifica”, remata Sepúlveda. Fuerte y claro.

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Rodrigo, estudiaste en la Escuela de Cine y al egresar te enfrentaste a un medio en donde es difícil producir y más aún filmar un largometraje. Cuéntanos cómo es que te propones llevar a cabo el proyecto de ‘Las niñas’ y cómo fue el proceso de terminar un film con muy pocos recursos.

Estudie Cine porque me gusta escribir, dirigir y editar. Me aburro con otras cosas. Cuando estaba en 4º año en la Escuela de Cine, estábamos haciendo un largometraje colectivo llamado ‘Los Bastardos’. Sabía que se iba a demorar un par de años en estar terminado. Además, éramos tres directores filmando en 16mm. Dos meses. Una experiencia genial, pero muy agotadora. Luego de eso vino ‘Las Niñas’, con un método de trabajo completamente distinto. Fue todo muy simple. Escribir, hablar con las actrices, reunir al equipo. Todo resultó muy armónico. El equipo y las actrices creyendo en la película completamente. Trabajamos muy relajados, sin expectativas. Disfrutando. Luego vino un proceso de montaje de ocho meses, en mi pieza. Encontrando la película. Después la vio un curador de un festival, le gusto y ahí comenzó a viajar.  Suena bastante simple, pero fue un trabajo diario por un año, desde escribir la escaleta hasta llegar al corte final. Creo que todo el proceso fue bien inconsciente, después me di cuenta de lo que había hecho y como había resultado. Pero creo que si uno trabaja con un buen equipo, todo resulta muy fácil. Pero la verdad es que una vez me regalaron una revista ‘Mecánica Popular’ y en la portada decía HAZ TU PROPIA PELÍCULA, leí el reportaje, seguí los pasos y aquí estamos.

De acuerdo a lo que has dicho, el guión del film fue trabajado con ambas protagonistas y esboza una relación muy real entre las dos, una química difícil de construir. ¿Cómo fue manejar la improvisación con las actrices y el equipo?

La improvisación es un método complicado, que está muy subestimado. La gente cree que improvisar es hablar y hablar y ya está. Antes de llegar al set, con las actrices conversamos y estudiamos cuáles eran los límites que iban a tener. Ellas sabían completamente qué puntos tocar y cuáles no. El equipo sabía cómo trabajaba y fueron muy profesionales en darme libertad de trabajo. Había confianza mutua. Además, en ese momento, había cierta inocencia en todos nosotros. Fue hace tres años. Saliendo de la Escuela de Cine, más relajados, con ganas de hacer cosas y experimentar. Ahora sería imposible repetir ese trabajo. Pero quién sabe. Si tengo actrices tan geniales como la Antonia y la Sofía, todo puede pasar.

En el film podemos ver ciertas citas a ‘Persona’ de I. Bergman: se trata de dos mujeres, una de ellas es una personalidad del espectáculo enferma y la otra es una amiga que cuida de ella, así como también está atravesada por el problema de lo que es real y lo que es falso, un tema que al autor sueco le apasionaba. ¿Cuáles son tus referentes cinematográficos y en qué te inspiras para escribir y dirigir?

Escribo a partir de mi experiencia. De situaciones que he visto. Tuve a Alberto Fuguet como profesor y él me enseñó a escribir, a encontrar al autor. Sé honesto y habla de tu mundo. Con esa premisa trato de envolver mis historias. Hay temas que me obsesionan: las relaciones humanas. Encuentro que el ser humano es lo más entretenido y especial del mundo. Las mujeres. La familia. Los orígenes. Las obsesiones. Las infidelidades. Bergman fue un director que investigó al ser humano, fue un científico que usó el cine como herramienta. Tocó temas complejos. ‘Persona’ es la película que veo cada cierto tiempo, me deja helado. Polanski fue otro. ‘Cuchillo en el Agua’ es genial. Ahora de los modernos me gustan los gringos, P.T Anderson, Alexander Payne. De los orientales me gusta lo que hace Raya Martin. Igual todos son distintos. Es que me gusta ver películas. Y sea lo que sea. Tontas, lentas, drama, comedia, antiguas, arty. Disfruto viendo Cine. Ahora he vuelto a la literatura… Murakami, Ford, Fuguet, Fresan son autores que leo y que tienen una escritura muy audiovisual. A veces me siento más cercano a los escritores de libros que a los directores de cine.

Finalmente, ¿podrías contarnos sobre tus próximos proyectos?

Hay una nueva película que está en desarrollo. Terminé de escribir la primera versión del guión en el verano. Es una película más compleja en producción y también en estructura. Ahora es en la naturaleza, en una montaña. Un padre y una hija se van de excursión. Tiene productor ejecutivo (Macarena López), así que los timing se están cumpliendo. Ganó CORFO el año pasado, así que como proyecto va muy ordenado.

Hay otro guión que está en proceso, algo más comercial, más exportable. Pero nada que ver con Pinochet o el régimen militar.

Pero la verdad ahora que se estrena ‘Las Niñas’ cierro ese proceso y quiero dormir un rato, hacer deporte, ver películas, llenarme de energía para poder hacer otra peli pronto. Dejar de hablar de ‘Las Niñas’ por un rato largo, concentrarme, escribir. ‘Las Niñas’ fue como un pololeo de tres años, que fue muy lindo, pero terminó. Igual le tengo cariño. En una de esas, volvemos.

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