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Esta colección de figuras imposibles sigue en proceso de creación y expansión, pero ya puedes adquirir cualquiera de los ejemplares expuestos en las imágenes. Para entrar en contacto con ella debes escribir a marapacita(arroba)hotmail.com.

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Estimados, cuéntennos quiénes conforman el colectivo y cómo es que surge la iniciativa de crear esta plataforma de creación.

Hace un poco mas de dos años, el Colectivo Bla! (colectivobla.cl)  comenzó  a funcionar en un subterráneo con algunos instrumentos musicales, computadoras y muchas ideas. Empezó con la creación de intervenciones urbanas mediante el uso de diferentes técnicas, formas y formatos provenientes del diseño, la publicidad y la comunicación.

El Colectivo está compuesto por diferentes proyectos que son dirigidos por algún integrante del grupo. Más que un colectivo de personas, es un colectivo de proyectos en que participan varias personas que se suman voluntariamente a participar de ellos. Hace un año y medio que estamos sobre la superficie, en Purísima 136  del barrio Bellavista. Lo conformaos Payo Sochting (Ilustrador  & diseñador grafico),  Felipe Zegers (Publicista & Editor), Martín Covarrubias (Publicista & Ceramista?), Tote Valenzuela (Periodista & Redactor) y también lo integran el Grupo Grifo, representados por Sr F y Potoloco, y Ciudad Color, representados por Martín Color.

Ustedes provienen de diferentes áreas, y sus trabajos también hacen un interesante cruce entre las artes visuales, la publicidad y la intervención. ¿Cómo enfrentan esta labor interdisciplinaria?

Con mucho gusto en realidad, la posibilidad de ocupar las herramientas comunicacionales de manera correcta es una gran responsabilidad.

Estamos en la era de la comunicación y con esta crecida de nuevos medios y formatos hay mucha basura y ruido dando vueltas, y nuestra idea es darle un giro y que apelando a la inteligencia de la personas, su creatividad y la simpleza con que se puede comunicar o  poder plantear una idea, hacer un llamado de atención .

En sus trabajos es posible observar un gran interés por la urbe, por intervenir el espacio que habitamos. ¿Desde qué inquietudes ustedes terminan elaborando esta mirada lúdica (y algo irónica) sobre lo social, sobre nuestra ciudad?

Creemos que la ciudad  la hacemos todos, con lo bueno y lo malo. Mediante nuestras intervenciones pretendemos aportar y generar diálogo en la ciudad, siempre de manera positiva, que sea un aporte al lugar. De esa manera se  hace un llamado de atención en la rutina y se convoca gente que tiene los mismos principios ciudadanos, y así se pueden llegar a objetivos mas grandes.

Ustedes han tenido la oportunidad de trabajar de distintas formas, han realizado cosas por encargo a importantes empresas y también se han manifestado de forma independiente, como cuando intervinieron Santiago en respuesta a la ley de propiedad intelectual. ¿Cómo se sienten más cómodos trabajando? ¿Qué libertades tienen al momento de prestar servicios a una empresa? ¿Cómo podrían describir esos distintos modos de enfrentarse a la creación?

Siempre preferimos manifestarnos de manera independiente, pero para poder financiar estas campañas y la vida diaria del colectivo, se requiere de un poco de dinero, entonces nosotros  realizamos estos encargos y proyectos para las empresas privadas, pero siempre siguiendo el mensaje de nuestros amigos grifos, “ADVERTENCIA: El dinero puede causar adicción.”

Finalmente, ¿Qué proyectos tienen pensados para el futuro?

Se creó recientemente C.A.R.T.E.L (Centro y Archivo Recopilatorio de Trabajos de Expresiones Libres) organización que administra y mantienen la No Galería (www.nogaleria.cl), un sitio que  busca ser un medio de difusión y exhibición para diferentes artistas y gestores interesados en el tema de la intervención urbana, incluyendo distintos tipos de trabajos. Este sitio está siendo inaugurado en el mes de agosto.

No Galería pretende conformar un espacio de muestra que sirva para que artistas varios puedan exponer sus trabajos en un lugar expuesto y concurrido de Santiago.

Otro proyecto en gestión es TUMEJORPINTA! que  consiste en renovar fachadas de algunas zonas o de algunos barrios representativos. La idea es, con la ayuda de destacados muralistas, pintar los frontis y espacios autorizados de algún  barrio a determinar de una forma única y propia que acentúe el carácter y la identidad del sector elegido, pensando que esta idea puede ser reproducida en cualquier ciudad de chile y del planeta.

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Recientemente los accesorios de Solange fueron seleccionados para el Shangai Fashion Week en China, acompañando la colección de María Paz Valdivieso (en las fotos).

Encuentras los diseños de Solange bajo la marca Weke en:

Caldo Bazar
José Victorino Lastarria 307, tienda 1, 2º Piso – Plaza Mulato Gil de Castro – Barrio Lastarria.

Cactai
Drugstore, Local 017 (subterráneo) – Providencia 2124

Porquetevistes
Gerstrudis Echeñique 360 – Las Condes

O puedes contactarla en weke.fieltro(arroba)gmail.com

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Nea, te hemos visto en muchísimas colaboraciones y en diferentes estilos. Cuéntanos cómo ha sido ese largo proceso en el que también desarrollaste una veta de dj y cómo han influenciado todos esos proyectos tu propuesta en solitario. Sabemos que la respuesta puede ser muy extensa, pero adelante!

A ver… Yo dejé la universidad a medio camino y me puse a trabajar en Casa Club que era un lugar de encuentro de música alternativa. Ahí conocí a varios djs, estaba fascinada conociendo diferentes corrientes y estilos. Me puse a juntar mis discos también y empecé a mezclar en casa y hacer mixtapes, ya tenía mis tornas (mesa) marca chancho y unos vinilos con los que jugar. Pero después caché que me gustaba mucho poner música y llegaron las technics, sus fiestas caseras y un montón de vinilos instrumentales con los que hice muchos shows en USA con un rapero que me apañaba freestyleando. En ese tiempo iba y volvía de USA con más vinilos y práctica.

Acá en Chile, le compré un drum machine a Vicente Sanfuentes y empecé a jugar bastante en componer autodidactamente, a jamear con mis amigos y coleccionar instrumentos. Luego viviendo con Pedro Subercaseaux y Sebastián Silva me sumergí en el mundo creativo de CHC y di luz a mi carrera sobre los escenarios. Cantando y grabando con los chiquillos me di cuenta que era lo que más me gustaba hacer y lo que más quería desarrollar. Después tuve la oportunidad de grabar para Yaia, Los Mono, y dos discos más de CHC.

Conocer cómo trabajaban mis amigos, conocer máquinas, equipos, los cables, los ensayos, los sonidos, las grabaciones, el mix, fui juntando una maleta de experiencia y claro, siempre en casa componía y tocaba algo desarrollando así mi sonido propio. De hecho no tenía la ambición de sacar nada en ese minuto, pero en una exposición que hice tuve la iniciativa de regalar cien demos con seis canciones que compuse en mi casa y noté que algunas personas habían enganchado con los temas que había preparado, aunque fueran muy simples. Tanteando de esta forma me di cuenta que era lo próximo por hacer, mi disco… que nervio no?

Así como tus colaboraciones son de estilos muy variados, tus canciones en solitario también son bastante heterogéneas pasando desde los recursos electrónicos hasta propuestas más orgánicas y acústicas; incluso a veces se percibe un dejo de folk en las cuerdas. ¿En qué registro te sientes más cómoda y como te enfrentas a esa diferencia?

Mis gustos musicales han viajado por distintas influencias y sonidos. Partí poniendo mucho hip hop como dj, pero encasillarme y profundizar en una corriente no me era muy atractivo, fui de fiesta en fiesta conociendo qué ponían los otros djs, qué le gusta a la masa, qué le gusta a la escena under, oyendo bandas aquí y allá, investigando on line….en el fondo oigo música todo el día y tengo claro lo que me gusta y lo que no. Pero como decí tú es súper amplio el espectro de música que me gusta, entonces me propuse jugar por ahí, estaba claro que podían nacer temas interesantes en medio de todas estas distintas ondas y estilos.

En mi casa de chica había un piano y siempre tuve clases, me acuerdo que la profesora me decía ‘tú no lees la música, sólo oyes’, y creo que es así, desarrollé oído. La batería me vuelve loca; las guitarras me alucinan; el bajo, la media onda…pero recién agarré onda con tocar las cuerdas, es una constante para mí la de tocar y tocar aprendiendo sobre la marcha. Hubiera soñado con haber estado en escuela de música desde chica, y ahora tendiendo los instrumentos a mano y amigos pro aprovecho para ir aprendiendo. Por ejemplo al grabar no tengo problema con hacer un par de armonías y ponerle delay a las guitarras y que quede sonando rico, de hecho las melodías más simples me han servido para componer los temas más lindos. Es con la guitarra y el teclado que parto componiendo.

Hay algo africano en mi gusto y en mi sangre, las percusiones me estimulan bastante y las máquinas análogas, también.

A veces haces composiciones sin voz, como en ‘Glad to be sad’ o en ‘Deep heat’. Sin embargo tienes una voz bellísima que pudimos ver en la colaboración en ‘Efectos Espaciales’ (lejos la mejor canción del disco, de hecho) y también en temas tuyos como ‘Nexxtwo’ y ‘Abre la puerta’. ¿Cómo llegas a decidir si cantar una canción o no?

Yo disfruto mucho componiendo. Reconozco que mi gran herramienta es la voz y es lo que más he trabajado, pero descubriendo programas en el computador se me hizo un mundo infinito de posibilidades para componer y creo que a veces las palabras limitan mucho una canción, al tiro es un concepto. Las canciones instrumentales permiten viajar por matices de sensaciones y emociones, cada uno viaja hacia donde quiere como yo también lo hago cuando compongo música.

Igual escribir letras me gusta mucho, pero sólo para algunas canciones, ojalá no todas. También me gusta la voz con efectos y sin palabras, ruidos con la voz me llaman mucho la atención. El silencio suele ser lo más bello también, y atreverse a dejar esos espacios es genial, sin letras y sin muchos recursos.

Cuando estoy haciendo una canción hay espacios que me piden a gritos un poco de letra y de voz, y otros momentos que me gritan ‘sigue con los teclados’. Soy bien intuitiva también.

Y entonces, ahora, ¿Qué se siente despegar en solitario en un proyecto en el que tú eres el único rostro visible y donde todas las decisiones pasan por ti?

Creo que es el momento perfecto para esto. A ver, pasado un tiempo trabajando tras las cabezas de otros en otros grupos, y trabajar como instrumentista ha sido bonito e importantísimo, pero a la larga me dieron ganas de hablar por mí sola y mover mis propias composiciones. Mover a siete personas como en CHC y llegar a acuerdos, y entender que habían personas con más derecho que otros en las decisiones en cuanto a la estética y a la música, me llegó a latear un poco igual porque es difícil. También con Los Monos nos fue increíble en un momento, con el video y con el disco, y surgían las medias oportunidades, pero nos agarró en un momento complicado porque cada uno estaba en sus proyectos. Estaba demasiado claro que tenía que dedicarme a mi propio cuento también, como mis compañeros.

Mira, definitivamente mi carrera es la música. Por ende tengo que darle para adelante, esa es la onda. Creo que netamente se trata del siguiente paso de crecimiento personal que debo hacer y dedicándome a esto ahora siento que es el mejor momento de mi vida.

¿Influyen de alguna manera tus obras plásticas y tu carrera como artista visual en la música que compones?

Todo influye, desde como dormí anoche, lo que comí ayer, el clima, los colores, el collage que hice hoy y el tema que compuse ayer….el arte va con la música, y la música con el arte, en el día a día. En general trabajo las cosas a la par, mi pieza está llena de obras de artistas nacionales a quienes admiro, me hace feliz estar rodeada de arte y hacer música inspirada por ese ambiente. Haciendo collage escucho música y voy viendo los tracks que me gustan para colocar en las fiestas, por ejemplo. De hecho trabajando mis rollos plásticos es cuando más puedo escuchar música y es el tiempo que necesito para dedicarme a oír canciones y bandas que me interesan. Van perfectamente de la mano la plástica y la música para mí.

Claro, también está la idea de hacer una animación de collage para algún tema del disco. En general mi lema es cortar y pegar, hago lo mismo en la plástica que en la música. Yo veo a la música como un collage de imágenes igual que mis obras visuales. Y al mirar una obra también se puede escuchar la música de la historia que se observa.

Finalmente, ¿Qué podemos esperar del disco que editarás como solista y cuando podremos escucharlo?

Decidí, por todo lo que le queda para terminar, lanzarlo en marzo, aunque fue compuesto y elaborado completamente en el 2008. A ver, será un disco de diez canciones hiper ricas que fueron grabadas con mucho esmero, están sonando filete porque le hemos dedicado su tiempo y trabajo y Cristóbal Carvajal , el co productor, ha tirado todo a la parrilla para que quede sonando profesional.

Yo tenía mis humildes maquetas que se han transformado en los ricos grossos temas gracias a él. Como ya les conté, mi gusto diverso ha hecho que este disco también tenga un poco de todo, desde un tema electro-instrumental a otro acústico, como también otros hits terribles de prendidos, muy pop.

¡Es tan rico llegar directamente al público! Dar la cara por otros grupos ha sido lindo, pero nunca tanto como expresarme directamente desde mi corazón, cuerpo y alma hacia fuera.

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Tiziana, cuéntanos… ¿cuándo y cómo surge tu interés en el cine?

Cuando era chica me gustaba ir al cine porque sentía que después de que terminaba la película me quedaba con una sensación como de estar a 10 cm. del suelo, como en un estado extraño, quizá parecido a ese cuando uno se despierta después de haber soñado algo que te deja una emoción pegada al cuerpo todo el día y no sabes muy bien por qué. Esos estados puramente emocionales, se parecen a haber vivido algo, pero sin “las marcas de lo real”.
La verdad es que siempre pensé que iba a escribir. De ese mundo provengo, porque me gustaba leer esas novelas que te hacen literalmente visualizar, como una película dirigida por mí, hacer la puesta en escena mental como yo quería. Después descubrí que la poesía lo que hace es fragmentar el discurso, instalando imágenes potentes en sí mismas, un juego de asociaciones mediante el montaje (yuxtaposición) que hasta hoy me interesa.
En la universidad descubrí que en mí el mecanismo del cine y la literatura era el mismo. Ambos construyen imágenes, atmósferas, paisajes emocionales, aunque el cine era aún más directo y comencé a dejarme seducir lentamente. El primer espacio que me dio la posibilidad de cruzar ambas cosas fue un programa de televisión en el que trabajé durante tres años y que fue perfecto para combinar ambos mundos: “El Show de los Libros”. Allí pude experimentar a través del lenguaje audiovisual piezas inspiradas en textos literarios. El montaje, el registro y la puesta en escena se metieron de frentón en mi manera de comprender el mundo y no lo abandoné nunca más.

En tus películas podemos ver una propuesta personal y distinta. ¿Cómo llegaste a plantearte esta manera de narrar y qué hechos, películas, personas o cosas te influenciaron para derivar en esta propuesta?

Cuando era adolescente escribía diarios de vida, tuve muchísimos cuadernos y eran bien cursis, con fotos pegadas, recortes, poesías, dibujos, collages de la vida cotidiana. Estaba obsesionada con que nadie los fuera a leer, les ponía candados y luego los escondía en el closet. En esa época uno descubre la intimidad y el portazo pasa a ser parte del soundtrack de la adolescencia, como gesto de dejar el mundo afuera, con la puerta con llave, escuchando música y escribiendo en el diario de vida en un intento por reclamar intimidad ante las transgresiones del mundo adulto o del mundo entero.
Esto para mí sigue teniendo mucho sentido, el mundo personal que te construyes en soledad, el diálogo interno.
Los cuadernos luego fueron derivando hacia escritos más conceptuales, desde la prosa a la poesía. Trabajé textos en varios talleres literarios y aunque me pasé a la imagen mecánica, sigo escribiendo.
También se suma el hecho de ser hija de inmigrantes, en ese espacio las cartas se sumaron a los diarios de vida como vía expresiva. Mis abuelos recibiendo y enviando cartas constantemente, de allá para acá en el lenguaje de las distancias, antes de la era e-mail, por lo que los afectos familiares se estrecharon mediante lo literario. Yo me instalé desde ahí para hacer estas “Cartas Visuales”, tal vez una forma de re-crear ritos, tal vez a falta de otros mitos constitutivos en los cuales reconocer identidad. Hay personas que encuentran que eso es la fe, pero yo no tengo esa suerte.

Tengo mis compañeros de ruta: la poesía y los diarios de Claudio Bertoni, la poesía peligrosa y arriesgada de Germán Carrasco, la melancolía permanente en Jorge Teillier, la prosa vertiginosa y adictiva de Paul Auster. Tengo debilidad por el New American Cinema: Maya Deren, Stan Brakhage, Jonas Mekas,
Marie Menken. También me gusta la escocesa Margaret Tait y el cine de reciclaje de Bill Morrison.

En ‘Dear Nonna’ y en ‘Remitente’ se habla de muchas cosas al mismo tiempo, todo parece estar narrado desde un punto de vista particular (el tuyo) y de una forma profundamente plástica. ¿Qué aproximación tienes respecto a las artes visuales y qué te pasa cuando en vez de ser catalogados como un film, estos dos documentales son vistos como ‘video-arte?

No me importa mucho como sea catalogado, la verdad. Hoy los géneros están siendo cuestionados y sólo se habla de películas, filmes que te emocionen, que te hagan pensar o que te dejen una sensación que no puedes describir. A mí me interesa el cine como lenguaje expresivo, aproximarme emotivamente en la narración, para eso estoy en la búsqueda de estructuras distintas a la dramática. La expresividad, lo personal como única verdad cinematográfica posible, Oscar Wilde decía que todo lo que no es autobiografía es plagio….en fin, si son tan importantes las etiquetas, pues entonces diría que es cine de ensayo.

Me cargan esos discursos de gente que cree que el cine es algo sagrado, intocable, para elegidos, que sólo existe una manera de comprender y concebir el lenguaje audiovisual. Creo que hay que tomarse el cine por asalto: apropiarse de todo, de sus formas narrativas, de las estructuras posibles, torcer su gramática para instalar discurso expresivo, estética propia, aunque ésta sea agresiva, cursi o kitsch. Ese es un espacio ganado para todas las artes, ¿Por qué no para esta reciente que es el cine?

De la las artes visuales me interesa el reciclaje, el found footage en la estética de la ruina. El super 8mm me da esa posibilidad, desarrollar formalismo, centrar la percepción y discurso en lo que estás viendo, en una sola imagen, que no es nítida, que es frágil e imperfecta por esencia y que eso la hace bella. Por eso no le encuentro sentido al montaje en continuidad espacio-temporal, me siento más cómoda y veo más cosas en la fragmentación que en la linealidad. En mi trabajo hay referencias a una literalidad entre la palabra y lo que ves (decimos perro, vemos perro), procesos que se va disociando hacia el final de la película en una búsqueda propia de sentido, en lugares por separado, pero que somos capaces de asociar de otras maneras misteriosas.

A pesar de que filmo mis propias imágenes en ello también hay actitud de reciclaje, en el sentido que para re-utilizar tienes que buscar. Yo recolecto materiales en un montón de partes, desde películas familiares anónimas, hasta viejos cassettes que hacíamos con mi hermana con la grabadora ochentera de mi papá. Luego que he acumulado cosas suficientes para este collage, me entretiene ir amasando los materiales en el montaje, ir buscándole su lugar, asociándolos o simplemente por el placer de contemplar lo que queda de una imagen o su potencia estética por puro hedonismo, para intentar conectar emotivamente. Si al final de este proceso no hay comunicación, no me importa mucho, parte de la comunicación es asumir que no va haber conexión posible. Eso es parte del misterio indescifrable que se establece entre el espectador y una obra personal.

Estas dos películas forman parte de una trilogía cuya tercera parte aún no estrenas (recién se estrenó ‘Remitente’ en el festival de cine de Valdivia). ¿Cuándo podremos ver esta película de cierre y qué búsquedas específicas estás trabajando en ella?

Dear Nonna y Remitente son parte de una trilogía que se llama Cartas Visuales, donde cada cortometraje es un ejercicio epistolar con distintos destinatarios. En la primera había una intención por explicarme a mí misma la naturaleza de los recuerdos, cosa que al parecer no puedo hacer sino desde la nostalgia. En la segunda hay un trabajo que rodea el olvido, buscando imágenes en Santiago para comprender el reverso del recuerdo.

Por ahora lo que quiero trabajar en la última carta es un intento por entender el flujo del tiempo a través del espacio que no-habitan mis dos abuelas inmigrantes italianas. El registro devela sus últimos momentos en la vida, imágenes que retratan a dos mujeres que no hablan, que no pueden moverse, que no comen por sus propios medios y que son cuidadas por otras dos mujeres que dedican sus vidas a ellas. Esta nueva carta podría ser una reflexión sobre el paso del tiempo, el olvido (alzhaimer y vejez), donde las imágenes buscarán lugar en el silencio, en habitaciones cerradas donde es difícil encontrar sentido y las percepciones disminuyen como el ritmo de sus latidos.

Quiero seguir trabajando en super 8 mm como soporte de memoria individual y como obstrucción a la cantidad de material que puedo filmar (que es infinitamente inferior al que podría hacer en video). Eso me obliga a ser doblemente conciente ante las imágenes que quiero hacer, decido en el registro, más que en el montaje. Por eso, no hay mucha edición posterior, lo que se ve en la película también es develar las decisiones que tuvieron lugar en ese momento, eso es parte de este “diario de vida”, tiene el valor de documentar ese momento. Para el montaje dejo decisiones de yuxtaposición entre secuencias y la relación imagen-sonido.

Trabajaste con otra documentalista en ‘74 metros cuadrados’, Paola castillo. ¿Cómo es co-dirigir un film y qué crees que tiene Paola, en particular, que pudo dialogar con tu propia mirada sobre el cine y sobre lo visual?

Con la Paola nos conocemos de la época en que trabajamos juntas para el programa de TVN, El Show de los Libros. En ese rigor nos hicimos amigas, compinches inseparables, creo que lo primero desde donde enganchamos fue en la pasión y en la fuerza puesta en el trabajo, eso es algo que reconozco en mí y que admiro de ella.

Si yo soy a mí misma en mi trabajo personal, el que tengo con la Paola es el allá afuera. Tal vez porque las dos estudiamos periodismo por una curiosidad de conocer el mundo, por conocer gente distinta, por contar historias de realidades lejanas. Era un hambre por saber qué hay más allá y aunque ninguna de las dos ejerció la profesión propiamente tal, las dos estudiamos cine después.

Cinematográficamente el encuentro fue en el documental La Ultima Huella, donde Paola me invitó a participar en la investigación y el guión. Fue un proyecto largo, viajamos 4 veces a Puerto Williams, un lugar increíble con gente hermosa; eso selló para siempre un pacto tácito. En ese documental hay una manera de mirar el mundo. La historia retrata la vida de dos hermanas que son las últimas de su especie, la cultura yagán se muere con ellas. Para nosotros esto era: estas abuelas no las podía entender nadie y lo que era peor, nadie más podría comprender el mundo como ellas. Lo que se acababa entonces era una manera de concebir la vida en este planeta.
Creo que en esa vuelta lo que nosotros entendimos también es que habíamos escogido un lenguaje para expresarnos. El audiovisual es para nosotras un idioma desde el cual darnos a entender, desde la metáfora proponer una mirada.

Lo que me pasa trabajando con Paola es que siento que ponemos una mirada muy parecida sobre las historias que nos interesa contar. El documental que estamos co-dirigiendo hoy es así también. 74 metros cuadrados es una historia de 150 familias en Valparaíso que están por dejar de vivir en campamentos para tener una casa digna. Hay una problemática social si se quiere, pero también esas historias nos permiten expresar una visión de mundo, una opinión, en este caso sobre los modos de habitar, de cómo nos determina el lugar donde vivimos y cómo las personas construimos nuestras ciudades.

También has trabajado para la televisión (Canal 13) que al parecer es lo opuesto a tus obras personales. ¿En qué punto colindan estas formas de trabajar la imagen y la narración?

Trabajé mucho tiempo en la producción independiente, haciendo series documentales para la televisión y también estuve dos años en el área de reportajes de canal 13 en un proyecto documental con un notable equipo de realizadores. Sobre todo allí con ese programa (Testigo) siento que no sólo contribuimos a diseñar un tratamiento audiovisual que no se había visto antes en la tv, sino que además las historias ayudaron a saldar algunos temas pendientes de la televisión abierta. Se desempolvaron archivos inéditos, que nunca se mostraron durante la dictadura, habló gente por primera vez de heridas sociales profundas, en fin fue un trabajo largo y difícil, pero que llegó a mucha gente y contribuyó a abrir la línea editorial del canal y por ende su credibilidad. Porque esa es la gran ventaja de la televisión, a la cantidad de personas que puedes llegar con una historia…ese diálogo es difícil de lograr en otro medio.

Con mi trabajo mas personal, colindan en el sentido de que trabajar para la TV te obliga a someterte a un método, a un rigor, tiempos concretos y a veces eso ayuda a poner en orden las ideas y darles una estructura para que salgan adelante. Pero también en términos de lenguaje tuve la posibilidad de hacer muchas cosas allí, seguimientos observacionales, trabajar con documentales testimoniales, hacer puestas en escena, etc. Tal vez por eso estoy en una búsqueda totalmente distinta a eso, películas donde no hay entrevistas, y donde las estructuras sean distintas a la dramática, para ir probando otras maneras de comprender y conectar emocionalmente. Tal vez si nuestra televisión tocara todos los temas, interpretara más con reportajes jugados, nuestros documentales de creación se distanciarían mucho más del reportaje periodístico para explorar, desde la forma (el lenguaje cinematográfico), las implicancias profundas de lo que está en pantalla.

Finalmente, y luego de tan extensa entrevista, me interesa el hecho de que también eres profesora de alumnos de cine en la Universidad de Chile. Cómo es tu experiencia de la docencia y cuéntanos de qué forma ha afectado tu forma de plantearte el hacer cine, si es que lo ha hecho.

Para mí, la clase de cine documental que hago en la Universidad de Chile es un espacio para situar el género como un lugar de exploración, de experimentación en el lenguaje. Eso es lo que me interesa transmitir: que los temas e historias probablemente ya están tocados de cierto modo, lo interesante es el cómo está hecho y que es allí donde reside el contenido del filme. Los grandes documentalistas en el mundo, por lo general han tatuado para siempre el mapa estético de la realización.

También me pasa que mostrando una y otra vez las mismas películas, casi siempre les encuentro algo nuevo…eso es misterioso, pero me fascina. Y por supuesto que en el análisis posterior con los estudiantes, siempre aparecen nuevas miradas, nuevas percepciones tanto de las películas como de las teorías. Me gusta compartir ahí películas que son amores personales, por lo general cosas nuevas, pequeños descubrimientos que son inclasificables y de las cuales aparecen reflexiones interesantes. Los estudiantes son seres estimulados y vivos…eso es más de lo que uno puede decir de mucha gente…

¿Crees que haya futuras generaciones que puedan expandir el mundo del cine Chileno que en cierto momento se vio conflictuado con tu propuesta por ser atrevida y ‘diferente’, por decirlo así? ¿Cómo te tomas el hecho, por ejemplo, que tus películas no sean exhibidas en el Fidocs (Festival internacional de documentales de Santiago)?

Creo que no todas las películas funcionan para todos los festivales. Creo también que a veces hay una sola idea determinada de lo puede o no ser un documental (si es que eso es relevante) y de sus fronteras. Pero por sobre todo creo que hay subjetividades, en el sentido de que hay personas con las que conectas con una película y otras con las que no. Yo sé que mi trabajo tiene eso…lo típico que se dice “o lo amas o lo odias” y eso pasa con todas las películas “o conectas o no”. En este caso es una cosa casi puramente estética, pues no es que yo esté diciendo algo que pueda ser censurable, algo tan filudo que al ser excluido se transforme en una bandera de lucha… mi trabajo no sale en los medios, no golpea los titulares, no está en los festivales mainstream, se proyecta en festivales pequeños, en secciones donde el asunto no está en la urgencia del tema, sino en instalar experiencias cinéticas. Creo que puede haber trabajos mucho más interesantes que el mío, pero el mío es un modo de ver las cosas y cuando en Chile exista espacio para toda esa diversidad de miradas, sabremos que vamos bien…

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Contacto:

www.flickr.com/yonotengoseisdedos

www.fotolog.com/seisdedos_ha

yonotengo6d2(arroba)gmail.com

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¿Cuando surge tu interés por la realización de estos juguetes-diseño?

Mi interés por la realización de estos juguetes nace cuando conocí el universo del ART TOY. Este tipo de arte underground estaba siendo experimentado por muchos artistas alrededor del mundo, sólo bastaba echar un vistazo en la Web y darse cuenta. Y entre la cantidad infinita de propuestas, en todo tipo de material, encontré una que me llamó mucho la atención: el trabajo basado en la papiroflexia desarrollado por Shin Tanaka, pionero en la creación de los paper toys. Con él trabajé customizando (enchulando, adaptando o transformando a mi gusto) varios de sus personajes, hasta que decidí crear mis propios juguetes.

Estos juguetes nacieron bajo varios conceptos y la premisa principal era buscar una nueva plataforma o superficie donde diseñar. La mejor manera era por medio de algo fácilmente digerible y ahí aparece la idea de mezclar la técnica japonesa clásica del origami con diseños influenciados por la ‘pop culture’ y el ‘street art’

¿Cómo te preparaste para poder desarrollar ‘Cubo toy’?

Desde que era niño siempre me gustó dibujar e imaginar figuras nuevas. Me gustaba estar constantemente rayando no solo papel, sino también otras superficies, hasta las paredes de mi casa (por lo que mi madre sufrió más de alguna vez).
Decidí estudiar Diseño Gráfico Publicitario en la Universidad de Antofagasta y ahí pude por fin dar rienda suelta a mi imaginación.
Haber estudiado diseño significa hoy en día todo para mí… ahora soy un diseñador profesional con una preparación humanista, plástica y científica-tecnológica muy completa, y me siento preparado para trabajar imágenes, signos y símbolos visuales. Estoy muy satisfecho de la carrera.

¿Cuanto tiempo inviertes en hacer un cubotoy? ¿Qué materiales ocupas?

Cada pieza, cada brazo, cada zapatilla es armada por mi, todo el trabajo es desarrollado de forma “artesanal” por dos manos, 10 dedos y muchas ganas!
Cada cubotoy significa un tiempo de armado distinto. Algunos con formas más simplificadas como ZETA me toma aproximadamente 2 horas, pero en cambio, J-Fox me toma en promedio 3 horas de trabajo de armado. Y las cajas de cada personaje, que cuentan con un visor y alguna leyenda, por lo general demoran poco.

Estos papertoys están impresos en papel de 90 g/m2 con Láser, por lo que la calidad impresa es inigualable. Luego el papel impreso con las plantillas es recubierto por adhesivo transparente que le da mayor resistencia y le otorga un aspecto de plástico; eso se recorta por piezas, se pegan y se arma.

¿Cuáles son tus referentes más directos?

Michael Lau, diseñador de Hong Kong, que realizó juguetes personalizados en base a una estética hip-hop y me llamó mucho la atención. En EE.UU. y en Europa los juguetes urbanos ya están muy de moda, cada vez más artistas han comenzado a crear sus propios conceptos, moviéndose en varias direcciones con mini-figuras, juguetes de peluche (plush toys) y el clásico vinyl.
Los expositores que más me gustan de ‘este nuevo arte’ son: Kidrobot, Play Lounge, Ningyoushi y Jlist.

En medio de ese auge se me ocurrió hacer ‘cubotoy’. En un comienzo desarrollé los primeros personajes por satisfacción personal, como objetos de diseño propio, que de vez en cuando me servían como regalo para sorprender a mis amigos, pero la buena aceptación de un personaje desarrollado 100% por mí, que refleja las tendencias actuales, fue tanta que me llevo a pensar en la generación de mi propia marca y comenzar la comercialización de estos por medio de una web entretenida.

En cuanto a mis referentes, principalmente son tendencias culturales urbanas; algunas ideas surgen simplemente por situaciones que en el momento encuentro entretenidas y otras son generadas para responder simples fetiches personales.
No existe un momento exacto en que decidí generar mis juguetes y lanzarlos al mercado como producto… todo fue circunstancial y se genero por la aceptación del público que comentó, uno tras otro, lo innovadora que resultaba la idea.

¿Cuál crees que es el lugar que ocupa el objeto de diseño en el mundo de hoy? Y en base a eso, ¿cuál sería el aporte de ‘cubotoys’ en el mundo del arte-diseño?

Tendencia o moda, arte o capricho, el hecho es que el fenómeno de los Art Toys es cada vez más notorio en el mundo. Son juguetes para adultos y la mayoría se preguntan si adquirir uno es inmadurez o locura. Yo creo que como su nombre lo indica “art toys”, se trata tan sólo de la fusión de juguetes y arte, y eso les da una plusvalía única.
‘Cubotoy’ es simple y llanamente objetos decorativos coleccionables que rescatan aspectos del arte, moda, consumo, del juego, del coleccionismo y del arte pop.
Si bien son juguetes, su grupo objetivo o target group no es un público infantil, más bien son juguetes de colección convertidos en objetos de culto que mezclan “street art, urban style y toys design”.

¿Cómo te enfrentas tú a la reunión de arte y mercado, ya que en el fondo tus objetos son mercancías que se pueden comprar y coleccionar?… ¿Cuál sería el papel de Internet en ese juego?

Es increíble lo mucho que Internet ha aportado para la difusión de mis juguetes… es sólo cuestión de notar que si no fuera por Internet no estaría respondiendo esta entrevista para tapiz.

Para llevar a cabo las ventas o pedidos de los diferentes juguetes, he desarrollado un blog (www.cubotoy.co.nr) donde además promociono y presento cada personaje desarrollado, junto al siempre bien ponderado FLickr (www.flickr.com/cubotoy) donde el contacto directo con el público me permite saber las opiniones respecto a como voy en mi pseuda carrera de diseñador de papertoys. Es curioso, pero por Internet se pueden comercializar estos productos que a la larga benefician a un artista independiente y no hace aún más ricas a las grandes marcas y multinacionales que trabajan sus productos en serie. Eso me llena de satisfacción.

Angello quiso compartir con Tapiz algo de su trabajo y nos envió dos plantillas descargables para imprimir y recortar.

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